Als Schüler wurde der kleine Burt von seinen Schulkameraden immer nur gehänselt und niemand wollte etwas mit ihm zu tun haben. Doch dann bekam er zum Geburtstag einen Zauberkasten geschenkt. Jetzt sollte sich alles für ihn ändern. In der Tat brachte es ihm die Freundschaft mit Anton ein, der ebenso von magischen Tricks fasziniert war wie Burt. Zehn Jahre später sind die beiden ein Team und haben ihre eigene Show in Las Vegas. Bis Steve Gray auftaucht, der sich selber “Brain Rapist” nennt und mit ebenso ekeligen wie gefährlichen Tricks von sich Reden macht. Burt und Anton sehen sich mit schwindenden Zuschauerzahlen konfrontiert und schließlich beginnt auch noch ihre Freundschaft zu zerbröckeln... Don Scardinos Komödie entführt in die Welt der Illusionisten und Magier, die alles dafür tun, um das Publikum zu verblüffen. Es gibt Anspielungen auf Siegfried und Roy und Meister David Copperfield hat sogar einen Gastauftritt. Während Steve Carell als Burt und Steve Buscemi als Anton noch die gute alte Magie repräsentieren, die sie von ihrem Vorbild Rance Holloway (brillant: Alan Arkin) gelernt haben, ist Jim Carrey alias Steve Gray ein Vertreter der neuen Generation von Illusionisten. Letzterer hat jedoch mit Magie eigentlich schon gar nichts mehr zu tun, wohl eher mit Sensationslust und Stunt Acts. In Scardinos Film gibt es ein paar witzige Momente und jede Menge sarkastischen Humor, der durchaus gesellschaftskritisch verstanden werden kann, doch hinterlässt der Film keinen bleibenden Eindruck. Hier springt die Magie im wahrsten Sinne des Wortes nicht so recht über auf das Publikum. Wobei es eine Wonne ist zuzuschauen, wie Burt und Anton bei einem Auftritt das ganze Publikum verschwinden lassen.

Kein anderer Name ist so mit dem Begriff der Blues-Musik verbunden wie der von BB King. Für viele Musiker gilt er als der Vater des Blues. In seinem Dokumentarfilm lässt Jon Brewer das bewegte Leben des BB King von dessen Geburt bis in die Gegenwart Revue passieren. Zwei Jahre lang begleitete der Regisseur Master King, der mit bürgerlichem Namen Riley B. King heisst, mit seiner Kamera und konnte sich so aus einem Fundus von mehr als 250 Stunden Filmmaterial bedienen. Doch nicht nur BB King selbst kommt hier zu Wort, auch viele seiner Weggefährten. Ob Bono, Eric Clapton. Mick Jagger oder sogar Barack Obama – alle haben sie gerne mit BB King zusammen Musik gemacht. Bis es soweit war musste King allerdings einen harten Weg zurücklegen, wuchs er doch als Schwarzer just in einer Zeit auf, in der die USA von Rassendiskriminierung dominiert wurden. Der Dokumentarfilm porträtiert einen Menschen, der sich immer selbst treu geblieben ist und zum Vorbild für viele seiner Zeitgenossen wurde. Bei seiner Länge von zwei Stunden würde man sich allerdings wünschen, dass die Musiknummern nicht immer nur sehr kurz angespielt werden, nur um dann vom nächsten Interview abgelöst zu werden. Ein ununterbrochener Konzertmitschnitt hätte diesem Film ganz sicher besser zu Gesicht gestanden. So aber werden speziell die Fans von BB Kings Musik sicherlich enttäuscht werden.

Der in der Reihe “DisneyNature” produzierte Dokumentarfilm führt uns nach Afrika, direkt in den tropischen Regenwald. Dort begegnen wir Oscar, einem kleinen Schimpansen, dessen Leben wir von seiner Geburt an begleiten werden. In seinen ersten Monaten ist Oscar noch ganz auf seine Mutter fixiert, die ihn ständig mit Nahrung versorgen muss. Gemeinsam mit ihr hat er einen festen Platz innerhalb der Schimpansenfamilie. Doch ein schweres Schicksal steht dem Kleinen bevor. Als eine konkurrierende Schimpansenherde in das Jagdrevier der Schimpansenfamilie einfällt, endet dies mit dem Tod der Mutter und der Vertreibung der Familie. Oscar ist jetzt ganz allein. Ein Überlebenskampf beginnt für ihn... Eindrucksvolle Bilder prägen den neuen Film von Alastair Fothergill und Mark Linfield, der überraschenderweise an sehr unterschiedlichen Gebieten Afrikas gedreht wurde (und nicht etwa an nur einem Platz, so wie im Film vereinfacht dargestellt). Detailliert wird das Leben der Schimpansen in der Gemeinschaft geschildert, die Nahrungssuche, das Entlausen, sogar die Jagd auf kleinere Affen, die echte Teamarbeit voraussetzt. Wie so oft jedoch ist auch bei diesem Film die Kommentierung aus dem Off sehr grenzwertig. Da wird wieder einmal alles vermenschlicht, weil ja Tiere alles genauso empfinden und machen wie Menschen. Ein Trugschluss, der sich natürlich bestens verkaufen lässt. Ein sachlicher Kommentar bringt vermutlich nicht den angestrebten Umsatz. Disney eben.

Eine flüchtige Begegnung mit einer geheimnisvollen Frau, die er in der Nähe eines Tatorts trifft, lässt den Kriminaldetektiv Bernie nicht mehr los. Anstatt sich um den neuen Mordfall zu kümmern, heftet er sich an die Fersen von Anna, die ihn fasziniert. Doch Anna trägt ein dunkles Geheimnis in sich, das in unmittelbarem Zusammenhang mit dem Mord steht... Barnaby Southcombe (Sohn der Hauptdarstellerin Charlotte Rampling) und sein Kameramann Ben Smithard haben den nach einem Buch von Elsa Lewin inszenierten Psychothriller in ein kaltes Licht getaucht. Schöne Farben sucht man hier fast vergebens, knallharter Beton dominiert die Außenaufnahmen. Damit wird perfekt in Bilder umgesetzt, wie es im Inneren der Protagonisten aussieht. Leider bietet der Film wenig Überraschendes. Die Handlungsabfolge ist leicht vorhersagbar, was den Film um seine Spannung bringt. Erfreulich ist jedoch die Besetzung, die mit Charlotte Rampling und Gabriel Byrne zwei britische Urgesteine aufweist. Ganz entgegen den üblichen Film Noir Klischees sind die Liebenden in diesem Film keine jungen Menschen, sondern befinden sich fast schon im Rentenalter. Ein Film Noir also für die reifere Generation.

Vermutlich geht kein erwachsener Mann freiwillig mit seiner Mutter auf einen Road-Trip. Genau das ist es aber, was Andy Brewster aus einem Schuldgefühl heraus mit seiner Mutter macht. Denn die eröffnet ihm in einer stillen Minute, dass sein verstorbener Vater nicht die große Liebe ihres Lebens war, sondern ein ganz anderer Kerl, der sie jedoch nicht heiraten wollte. Heimlich recherchiert der gutmütige Andy im Internet und macht den verflossenen Lover in San Francisco ausfindig. Und da sich Andy sowieso gerade auf Promotion-Tour befindet, um ein von ihm erfundenes Putzmittel an den Mann zubringen, und San Francisco auf der Strecke liegt, will er seine Mum damit überraschen. Doch diese Reise hätte er besser nie angetreten... Wenn Andy mit seiner Mutter im Hotel eincheckt und ihm der Rezeptionist mit einem Augenzwinkern andeutet, dass er Andys Mutter für dessen Geliebte hält, dann ist das genau die Art von Witz, die man von einem solchen Film erwarten würde. Dass Andy dann auch noch das Zimmer mit Mama teilen muss, ist eigentlich auch von Anfang an klar. Und dass sie mit ihrem Sohnemann während der Fahrt gemeinsam obszöne Hörbücher verschlingt, vermutet man auch schon recht früh. Wie überhaupt fast alles in diesem Film, der ganz nach bewährtem Schema abläuft und sich nicht bemüht, in irgend einer Art und Weise originell zu sein. Seth Rogan und Barbra Streisand mögen zwar ein recht gutes Mutter-Sohn-Gespann abgeben, doch ihre Geschichte wirkt wie eine Schlaftablette. Binnen der ersten halben Stunde verliert man komplett das Interesse an dem Film und ärgert sich über eine Szene, in der Frau Streisand in einem Restaurant vor Publikum ein riesiges Stück Fleisch innerhalb einer Stunde verschlingen soll, um nicht bezahlen zu müssen. Widerlich! Ein Film zum Muttertag? Ganz sicher nicht.

Die G.I. Joes sehen sich einer großen Gefahr ausgesetzt: jemand macht sich daran, die Eliteeinheit kampferprobter Soldaten radikal zu dezimieren. Als sich die wenigen noch übrig gebliebenen G.I. Joes unter Führung von Roadblock im Untergrund daran machen, die Sache aufzuklären, machen sie eine schockierende Entdeckung: der amerikanische Präsident, ihr oberster Befehlshaber, wurde durch einen Doppelgänger ersetzt. Und der sorgt dafür, dass der alte Rivale der G.I.s wiederbelebt wird: der Cobra Commander. Die Schalcht kann beginnen... Kaum hat der Film angefangen, explodiert es auch schon wieder an allen Enden und Ecken! Wenn die G.I. Joes ans Werk gehen, dann kann der Gegner noch so sehr in der Überzahl sein – er hat einfach keine Chance gegen soviel Gewitztheit und Elan wie sie dieser Elitetruppe anhaftet. Als Zuschauer des ganzen Spektakels fängt man an, erst einmal zu sortieren: das ist ein Guter, das ein Böser, noch ein Guter, noch ein Böser...und der? Verdammt! Zu welchem Lager gehört der denn gleich? Der Film gibt dem Zuschauer keine Chance. Ist man nicht bereits seit Jahren schon besessener “G.I. Joe”-Fan, dann wird sich einem die konfuse Konstellation vermutlich nie erschließen. Letztendlich ist es ja auch vollkommen egal. Lasst die Bilder sprechen und lauscht den Klängen – das könnte das richtige Rezept zum Konsum dieses Films sein. Überladen mit Kampfhandlungen jedweder Art und ausstaffiert mit digitalen visuellen Effekten, bietet der Film eigentlich auch gar keinen Raum für eine großartige Handlung. Und mittendrin dann Bruce Willis in einer kleinen Nebenrolle. Warum das denn? Vermutlich weil Bruce immer dabei sein muss, wenn auf dem Plakat “Action” steht. In den ganzen 110 Minuten gibt es nur eine einzige Sequenz, die man als gelungen bezeichnen kann: die waghalsige Entführung von Storm Shadow, die in schwindelerregender Höhe stattfindet. Alles andere ist viel Lärm um nichts.

Benoit und Jean-Pierre sind zwei Brüder, wie sie unterschiedlicher nicht sein könnten. Während Benoit zum ältesten Punk mit Hund mutiert ist und ziellos bettelnd umherirrt, arbeitet Jean-Pierre als Verkäufer in einem Bettengeschäft, lebt in Scheidung und muss sich um sein Kind kümmern. Jean-Pierres Erfolgsquote als Verkäufer ist auf dem Tiefpunkt, er verliert die Nerven und wird prompt gekündigt. Erst als er sich seinem Bruder anschließt und mit ihm als Punk umherzieht, gewinnt er wieder Boden unter den Füßen und erlebt zum ersten Mal, was Freiheit ist... Benoît Delépine und Gustave de Kervern gelten als Meister des skurrilen und doch stets hintergründigen Humors. Ihre Filme strotzen vor anarchischem Humor, der aber immer nur Mittel zum Zweck ist, um das eigentliche Thema zu verpacken. So geschehen in LOUISE HIRES A CONTRACT KILLER und so geschehen auch in ihrem neuesten Film, DER TAG WIRD KOMMEN. Aus dem Original übersetzt lautet der Filmtitel eigentlich “Der große Abend”, aber wir Deutschen sind unzutreffende Übersetzungen ja längst gewohnt. Das Aufbegehren gegen das Establishment, das Beenden des Konsumkriegs – das sind die Themen, die sich hinter der skurrilen Fassade verbergen. Seelenlos präsentiert sich das riesige Einkaufszentrum, in dessen Shops und auf dessen Parkplätzen der Konsumterror tobt während die Mehrheit der Konsumenten schlichtweg vergisst zu leben. “We are not Dead” schreiben die beiden alten Punks am Ende des Films an den Straßenrand, zusammengesetzt aus riesigen Buchstaben, die sie von den gigantischen Firmenschildern abgeschraubt haben. Ein Satz, der zum Nachdenken anregt. Wie immer bei Delépine und Kervern sind die Rollen überwiegend mit Freunden der beiden Regisseure besetzt. Sogar ihr großer Freund Gerard Depardieu ließ es sich nicht nehmen, sich für eine Nebenrolle (wen wundert’s: als wahrsagender Schnapstrinker) besetzen zu lassen und auch Yolande Moreau absolviert einen kurzen Gastauftritt. DER TAG WIRD KOMMEN ist Kino der etwas anderen Art.

Die Werbekampagne für ein neues Smartphone entwickelt sich für Isabelle und ihre Chefin Christine zu einer Machtprobe. Christine outet sich als echte “Bitch”, indem sie Isabelles geniale Ideen als ihre eigenen verkauft. Wie keine andere versteht sich Christine darauf, die Menschen in ihrer Umgebung zu manipulieren und für sich einzuspannen. Doch die nach außen hin zerbrechlich wirkende Isabelle weiß sich zu wehren. Der Zickenkrieg eskaliert und führt schließlich zu einem Mord... Alle paar Jahre meldet er sich wieder zurück auf der Kinoleinwand: der mittlerweile 72-jährige Brian De Palma, auf dessen Konto Filme wie SCARFACE, BODY DOUBLE oder DRESSED TO KILL gehen. Mit PASSION hat er ein Sujet gefunden, das ihn wieder zu seinen Wurzeln zurückführt. Denn das Remake eines französischen Thrillers lässt ihn ein weiteres Mal auf den Spuren des Film Noir wandeln – angereichert mit jeder Menge Erotik selbstverständlich. Da knistert es schon ziemlich zwischen Rachel McAdams und Noomi Rapace. Und genau dieser Aspekt dürfte von diesem Film in Erinnerung bleiben – wenn überhaupt. Denn De Palma zelebriert in seinem neuen Ouevre wieder die Überinszenierung, zu deren Gunsten er gerne auf Spannung oder Plausibilität verzichtet. Wie immer ist alles recht stylish in Szene gesetzt, doch überbeansprucht er leider jenes Element zu oft, in dem die Protagonistin plötzlich aus ihrem Alptraum aufschreckt. Hier stellt sich schnell der Gewöhnungseffekt ein und führt zu Langeweile. Letztere wird auch durch die Filmmusik von Pino Donaggio getriggert, die unter Verwendung von Debussy einen einlullenden Charakter besitzt. Etwas nervtötend wirkt sich das prominent inszenierte Product Placement aus. All das hat der Regisseur schon weitaus besser beherrscht. Schade, dass er sich ausgerechnet mit diesem Film wieder zurückmeldet.

Als der gebürtige Amerikaner Matthew zum ersten Mal gemeinsam mit seinen Eltern das Oktoberfest in München besucht, ist er schockiert: nach 40 Minuten auf der Wies’n hat er noch immer kein Bier abbekommen! Dabei dachte er eigentlich, dass es sich um ein Bierfest handelt und keinen Rummelplatz. Sein traumatisches Erlebnis nutzt er dazu, einen Film daraus zu entwickeln und der Bierkultur der Deutschen auf den Zahn zu fühlen. Sofern es überhaupt so etwas gibt wie eine Bierkultur. Seine Recherchen führen ihn zunächst in historische (Bier)Zeiten, die von einem Künstler in Miniatur-Panoramen festgehalten werden. Historisch auch die Aufführung der “Bierkriege” im bayerischen Dorfen, wo jährlich Tausende von Deutschen gebannt dem historisch übermittelten Kampf für billiges Bier auf der Freilichtbühne auf dem Marktplatz beiwohnen. Was aber wäre die Bierkultur ohne den Stammtisch? Matthew findet einen typischen Vertreter in Berlin und lauscht den Stammtischgesprächen, bei denen mit zunehmendem Bierkonsum auch zunehmend die Hemmungen fallen. So reist Matthew in seinem Dokumentarfilm durch ganz Deutschland, um Antworten darauf zu finden, warum es ausgerechnet in Deutschland diesen Bierkult gibt, der in seinem Land vollkommen unbekannt ist. Als Zuschauer ist man anfangs noch recht neugierig, welche Facetten der deutschen Bierkultur er ans Tageslicht bringt. Doch schnell merkt man, dass seine Dokumentation recht konzeptionslos zusammengebastelt wurde – sie führt leider zu keinen tiefschürfenden Erkenntnissen und beginnt ab der Hälfte langweilig zu werden. Da hilft dann nur noch ein Bier – aber bitte gebraut nach deutschem Reinheitsgebot!

Ein junges Paar, das sich mit seinem gesamten Hab und Gut auf der Durchreise befindet, gerät in die Hände einer brutalen Diebesbande. Erst als sie im Inneren des Anhängers eine geheime Kammer entdecken, in der sich eine geknebelte junge Frau befindet, wird ihnen klar, dass es sich bei dem Paar um Entführer handeln muss. Allerdings kommt diese Erkenntnis bereits zu spät: das Gemetzel hat begonnen... Mit seinem neuesten Horrorfilm sorgt Regisseur Ryuhei Kitamura (THE MIDNIGHT MEAT TRAIN, AZUMI) sicherlich unfreiwillig dafür, dass dieser in den Untiefen der Videotheken verschwinden und hierzulande wohl kaum eine Auswertung im Kino erfahren wird. Schuld daran ist wie so oft das dümmliche Drehbuch, das sich weniger um Plausibilität schert denn um blutverschmierte und geschredderte Körper. Angesichts hirnloser Aktionen der in Bedrängnis geratenen Protagonisten mag sich keine Spannung aufbauen und man dankt dem Regisseur schon inständig dafür, dass sein Werk nur knappe 90 Minuten dauert. Fortsetzung vorprogrammiert.

Die Diagnose ist eindeutig: Lymphknotenkrebs. Das Einzige, was den Chirurgen David Martel jetzt noch retten könnte, wäre eine Knochenmarkspende seiner Eltern. Die aber hat er schon sit vielen Jahren nicht mehr gesehen. Als er sie aufsucht und um Hilfe bitte, ist er über deren Ablehnung verwirrt. Erst jetzt eröffnen sie ihm, dass David gar nicht ihr leiblicher Sohn ist. David beginnt damit, nach seine wahren Eltern zu forschen. Deren Schicksal ist eng verwoben mit einer 1931 in Spanien entdeckten Krankheit, die Kinder vollkommen schmerzunempfindlich machten... Mit seinem auf mehreren Zeitebenen erzählten Film liefert Juan Carlos Medina handwerklich vorzügliches Kino ab. Der Horror, den er schildert, dient ihm nur als Mittel zum Zweck. Tatsächlich ist der Film eine Parabel für die Folgen des Faschismus und was ein Krieg aus Menschen machen kann. In gewisser Weise, speziell den Aufbau betreffend, erinnert der Film an den grandiosen DIE FRAU DIE SINGT, ohne freilich dessen Qualitäten je zu erreichen.

Seit er hilflos mit ansehen musste, wie seine schwangere Freundin von ein paar Hoodies gekleideten Kids abgestochen wurde, leidet Tommy unter Platzangst. Als ihm ein Priester eröffnet, dass sich die Bande auch Tommys kleine Tochter holen wird, muss er über sich hinauswachsen. Gemeinsam mit dem Priester will er der Bande den Garaus machen. Doch es handelt sich nicht um Kids, sondern um Dämonen... Spätestens seit ATTACK THE BLOCK hat sich ganz still und leise ein neues Horrorfilm-Subgenre etabliert: der Hochhaus-Schocker. Die irisch-schottische Koproduktion CITADEL von Ciaran Foy ist der neueste Beitrag in dieser Reihe. Souverän inszeniert, in kargen Farben und mit einem ansprechenden Sounddesign ausgestattet, vermag er durchaus zu unterhalten. Die angenehme Länge von unter 90 Minuten fällt ebenso positiv auf wie auch die gute und überzeugende Besetzung. Ein netter kleiner Film für zwischendurch.

Während des Balkankriegs wird ein taubstummes Mädchen entführt und in ein Bordell verschleppt, in dem Frauen zwangsprostituiert werden. Dort muss sie den Frauen Drogen spritzen, um sie gefügig zu machen. Als eines Tages jener Kommandant auftaucht, der ihre Mutter töten ließ, sinnt das Mädchen auf Rache... Einmal mehr muss der Balkankrieg als Hintergrund für einen echten Exploitation-Film herhalten. Hier sind schon die Figuren derart krass überzeichnet, dass man dieses Werk nicht weiter ernst nehmen kann. Hier geht es eigentlich nur darum, Gewalt gegen Frauen zu zelibrieren. Spannung? Fehlanzeige.

Eine junge Reporterin berichtet von Ereignissen, die sich 2009 in einer idyllischen Bucht in den USA während der Feierlichkeiten zum 4. Juli ereigneten. Damals starben Hunderte von Menschen aufgrund eines Parasitenbefalls, der wiederum auf ins Wasser geleiteten, verseuchten Hühnerkot zurückzuführen ist... Der erste Ausflug von RAIN MAN Regisseur Barry Levinson ins Horror-Genre macht neugierig. Welche Akzente mag ein solch renommierter Filmemacher in diesem Genre setzen? Levinson entwickelt seinen Horror-Thriller vor dem Hintergrund einer Umweltkatastrophe, die durch die Behörden vertuscht werden soll. Er wählt dafür das seit BLAIR WITCH PROJECT etablierte “Fake Documentary”- oder “Found Footage”-Format, das Videomaterial unterschiedlichster Art und Qualität zu einem großen Ganzen kombiniert. Und er scheut sich nicht, seinen “gefälschten” Bildern einen Hauch von Ekel überzuziehen. Es gelingt ihm dabei sogar (mit Hilfe einer dynamischen Tonspur), das Publikum mehr als nur einmal zu erschrecken. Hartgesottene Kinogänger wird das kaum schocken, zart Besaitete aber durchaus. Insgesamt stellt THE BAY nichts Besonderes dar, sondern ist nur einer unter inzwischen vielen fiktiven Dokumentarfilmen.

Kaum ist ihr über alles geliebter Vater nach einem tragischen Autounfall unter der Erde, taucht dessen Bruder Charlie wie aus dem Nichts bei India und ihrer Mutter Evelyn auf. Der geheimnisvolle Fremde stellt nicht nur ihrer kaltherzigen Mutter nach, sondern hat auch ein Auge auf India geworfen. Da verschwindet plötzlich die Haushälterin wie vom Erdboden – nur eines von vielen merkwürdigen Ereignissen, die jetzt ihren Lauf nehmen... Mit dem Rachethriller OLDBOY prägte Regisseur Chan-wook Park das koreanische Kino ganz gewaltig (und das im durchaus wörtlichen Sinn). Jetzt hat er seinen ersten Spielfilm in Hollywood fertiggestellt und präsentiert mit STOKER einen prominent besetzten Thriller, der den Betrachter ebenso fasziniert wie verstört. Hier wird nichts dem Zufall überlassen. Jede Einstellung, jede noch so kurze Sequenz hat ihre Bedeutung - auch wenn sich diese nicht unmittelbar erschließt. Sein Film setzt sich zusammen wie ein Puzzle. Erst am Schluss gewährt er dem geneigten Publikum einen Blick auf das große Ganze. In teilweise absolut betörenden Bildern, die sich auf der breiten CinemaScope-Bildwand frei entfalten können, erzählt er eine morbide Geschichte, die mit Überraschungen nicht geizt und dadurch ihren Fortgang nicht vorhersagen lässt. Ein ausgeklügeltes Sounddesign, das diese Bezeichnung mehr als verdient, dient als Nährboden für den Spannungsaufbau. Mia Wasikowska, Nicole Kidman und Matthew Goode überzeugen als undurchschaubare Figuren in diesem Spiel um Eifersucht, Lust, Jäger und Opfer. Fazit: ein Geheimtipp!

Mary, eine sehr begabte Medizinstudentin, nimmt aus Geldnot heraus einen Job in einem Stripclub an, in dessen Hinterzimmer sie Notoperationen an lichtscheuen Individuen durchführt. Als sich herumspricht, dass das smarte Girl für gutes Geld illegale Operationen durchführt, kann sie sich bal vor Aufträgen nicht mehr retten. Sie avanciert zur Ikone der Underground Surgeries. Und genau das bekommt auch ihr Professor bald hautnah zu spüren, nachdem er Mary vergewaltigt. Die Messer sind gewetzt, Herr Professor! - Vergesst Piercings – jetzt sind Body Modifications angesagt! Mit einer ziemlich blutigen Satire betritt das Regiegespann Jen und Sylvia Soska das Filmparkett. Die Zwillingsschwestern, die auch selber im Film mitwirken, haben damit einen recht skurrilen Horrorfilm geschaffen, der – gemessen am Applaus des Publikums im Anschluss an die Vorführung – möglicherweise zum Kultfilm der BodMod-Szene aufsteigen könnte. Richtige Filmfans seinen allerdings vorgewarnt: die Inszenierung ist derart zäh, dass sich die 103 Minuten wie drei Stunden anfühlen. Zudem scheinen die Regie-Neulinge erhebliche Probleme mit der Tonspur des Films zu haben. Die nämlich klang so, als wäre sie noch nicht vollendet. Es fehlen oft Geräusche und die Dialoge weisen extrem unterschiedliche Qualitäten auf. Sorry Mädels, aber so etwas liefert man nicht gegen Geld ab! Was den Splatterfaktor angeht, so werden die eingefleischten Fans sicherlich ordentlich bedient – sofern sie nicht unterwegs vom Schlaf übermannt werden.

In einem chinesischen Restaurant erzählt ein junger Mann einem Journalisten die absonderliche Geschichte über eine neue Wunderdroge, die ihm u.a. Zeitreisen ermöglichen... Mit JOHN DIES AT THE END scheint Regisseur Don Coscarelli an seinen großen Erfolg BUBBA HO-TEP anknüpfen zu wollen. Auch hier tun sich zwei zusammen, um gegen die Mächte der Finsternis anzukämpfen. Sogar Komponist Brian Tyler lässt Italo-Western-Klänge vom Stapel, die er bereits bei BUBBA HO-TEP so erfolgreich einsetzte. Allerdings erreicht Coscarellis Film leider nicht die zum Schenkelklatschen animierende Qualität eines BUBBA HO-TEP. Immerhin gelingt es ihm, einige nette Beiträge zu Zeitreisen beizusteuern, die es auf diese Weise noch nicht gab. Letztendlich jedoch versinkt sein Film in bizarren Bildern und Situationen, die an Terry Gilliams FEAR AND LOATHING IN LAS VEGAS erinnern. Mit Drogenkonsum lässt sich eben alles irgendwie erklären. Oder auch nicht.

Mal ist es da, dann wieder nicht. Das Meer an Deutschlands Nordküste ist schon ein witziges Naturschauspiel. Die Gezeiten sorgen hier für einen ständigen Wandel. Gleichzeitig ist die Nordsee Heimat unzähliger Vogelarten und Meeresbewohner. Die Insel Helgoland bietet Basstölpeln ideale Brutplätze, die Nachbarinsel Düne erfreut sich an Kegelrobben. Aber auch unter Wasser gibt es hier wahre Schätze, von denen der Helgolandhummer nur einer ist. In der nach zweijähriger Arbeit entstandenen Dokumentation geht es danach flugs weiter nach Dänemark und dann schließlich nach Norwegen. Hier bietet der Film die wohl beeindruckendsten Landschaftsbilder: die berühmten Fjorde. Auf der Rundreise geht es danach weiter an die schottische Küste, von dort schließlich nach Holland und wieder zurück nach Deutschland. Unterwegs gibt es interessante Begegnungen sowohl über als auch unter Wasser, von denen jene mit einem Grönlandwal die wohl spektakulärste sein dürfte. Dass sich der Film leider in keiner Weise von ähnlich thematisierter Fernsehkost unterscheidet liegt auf der Hand: produziert hat ihn der NDR. Zum Einsatz kamen Kameras, die sich auf dem neuesten technischen Stand befinden und wackelfreie Helikopteraufnahmen sowie extreme Slow-Motion-Aufnahmen ermöglichen. Bei all der teuren Technik darf man sich als Kinozuschauer dann aber wundern, warum das Naturpanorama nur im kaschierten Breitwandformat und nicht bei voll geöffneter CinemaScope-Breite serviert wird. Was den von Axel Prahl eingesprochenen Kommentar angeht, so stellt man sich ernsthaft die Frage, ob man sich hier in einem Programm für Schulkinder befindet. Hier wird alles vermenschlicht, verniedlicht und süffisant kommentiert. Wäre etwas mehr Ernsthaftigkeit zuviel verlangt? Kritische Betrachtungen zum Thema Nordsee beispielsweise in Verbindung mit Umweltproblemen bleiben hier übrigens komplett außen vor. Schließlich soll die Illusion vom paradiesischen Idyll nicht verdorben werden. Zumindest nicht für den Preis einer Eintrittskarte.

Um seine getötete Familie zu rächen, spielt Victor ein gefährliches Spiel: unerkannt hat er sich als rechte Hand eben jenes Gangsterbosses eingeschlichen, der für den Tod verantwortlich zeichnet. Er wartet nur noch auf den richtigen Moment, um zuzuschlagen. Da setzt ihn plötzlich seine attraktive Nachbarin Beatrice unter Druck. Mit einem Video, das Victor bei einem Mord zeigt, will sie ihn zwingen, für sie einen Mord zu begehen. Das Opfer: der nach kurzer Haft entlassene Autofahrer, der dafür verantwortlich ist, dass Beatrices Gesicht entstellt wurde... Niels Arden Oplev, der mit der Erstverfilmung von Stieg Larssons VERBLENDUNG großen Erfolg hatte, hat sich für diesen Thriller mit Action-Elementen wieder Noomi Rapace an Bord geholt. Sie spielt die seit einem Autounfall im Gesicht entstellte Beatrice. Allerdings überzeugt sie in dieser Rolle nicht so sehr wie sei dies als Lisbet Salander tat. Ihre Rachegedanken kann sie nur ansatzweise auf die Leinwand transportieren. Ihrem Filmpartner Colin Farrell gelingt dies weitaus besser. Ihm nimmt man es durchaus ab, dass er den Tod seiner Familie mit voller Härte bestrafen möchte. Immerhin liefert Oplev mit DEAD MAN DOWN einen handwerklich solide inszenierten Krimi ab, bei dem ab und an auch mal die Kamera zum Star wird (beispielsweise in einer Einstellung, in der sich die Kamera drehend von oben nach unten durch ein Treppenhaus bewegt). Mit seiner Länge von 110 Minuten zieht sich der Film allerdings etwas hin, bietet dafür aber reichlich Zeit, um den Body Count nach oben zu jagen. Etwas skurril übrigens der Auftritt von Frankreichs Schauspiel-Ikone Isabelle Huppert als Beatrices schwerhörige und französisch sprechende Mutter. Die Dame wirkt in dem ganzen Tohuwabohu etwas fehl am Platz.

Seit Jahrzehnten schon bereisen das Ehepaar Robert und Juliette und deren Freunde Daniel und Peter als Streichquartett ”The Fugue” die ganze Welt und haben großen Erfolg. Als jedoch beim Cellisten Peter Parkinson diagnostiziert wird, beginnt ein Zersetzungsprozess. Während sich Peter auf die Suche nach einem Ersatz für sich selbst begibt, bricht Robert aus seinem bisherigen Leben aus, weil er nicht immer nur zweite Geige spielen will, und der Perfektionist Daniel beginnt eine Affäre mit Alexandra, der Tochter von Robert und Juliette. ”The Fugue” gerät im wahrsten Sinne des Wortes aus den Fugen... Passend zur anspruchsvollen Musik, die das Quartett durch das Leben begleitet, verpackt Regisseur Yaron Zilberman seinen Spielfilm in ein exquisites Interieur. Hier wird nichts dem Zufall überlassen. Und Zilberman kann sich gleichzeitig auf ein ausgezeichnetes Ensemble verlassen. Der Gedanke, dass keiner der Darsteller tatsächlich ein Instrument spielen kann, kommt erst gar nicht auf. Die Investition in gleich drei Instrumenten-Coaches pro Schauspieler macht sich offensichtlich bezahlt. Somit überzeugt das Ensemble nicht nur als Charakterdarsteller, sondern auch als Vollblutmusiker. SAITEN DES LEBENS – ein Film über das Leben und gleichzeitig ein Lehrstück in Sachen Musik. Ein Fest für Auge und Ohr. Unbedingt ansehen!

Zweimal schon war die deutsche Nationalmannschaft Weltmeister beim Frauenfußball. Grund genug für Filmemacherin Cho Sung-Hyung, die Mannschaft während der Weltmeisterschaft 2011 mit ihren Kameras zu begleiten. Dass ihr Film allerdings erst jetzt in die Kinos kommt, zeugt von ungeschickter Vermarktung. Vielleicht lag es einfach nur daran, dass Deutschland den dritten Sieg in Folge nicht errungen hat und damit der Wunsch nach einem weiteren Sommermärchen nicht erfüllt wurde. Aber Cho Sung-Hyungs Film ist keinesfalls nur ein Protokoll der Spiele. Vielmehr beginnt der Film bereits im Winter davor. Die Filmemacherin hat sich fünf Spielerinnen herausgegriffen und zeigt die jungen Frauen nicht nur beim harten Training, sondern auch in ganz privater, häuslicher Umgebung sowie beim Job. Es gibt also tatsächlich noch ein Leben nach dem Fußball! Lira Bajramaj, Uschi Holl, Dzsenifer Marozsán, Anja Mittag und Bianca Schmidt sind die Heldinnen des Films. Nicht alle haben es in den Kader der Nationalmannschaft geschafft. Sung-Hyung lässt auch die Verlierer vor der Kamera zu Wort kommen. Insgesamt gelingt es dem Film, die Emotionen der WM 2011 noch einmal aufleben zu lassen, so dass es der Dokumentation gelingt, auch ohne den davongetragenenen Sieg ein begeisterndes Bild vom Frauenfußball in Deutschland zu zeichnen.

Etwas neues auszuprobieren ist das Schlimmste, was man tun kann. So zumindest denkt man bei den Croods, einer Familie von Höhlenbewohnern, die in der Steinzeit lebt. Einzig Teenage-Töchterchen Eep ist die vielen Verbote ihres patriarchischen Vaters leid. So entschließt sie sich dazu, eines nachts alleine die Höhle zu verlassen und stößt dabei prompt auf den hübschen Guy, der immerhin weiß, wie man Feuer machen kann. Guy ist es auch, der den misstrauischen Croods den baldigen Weltuntergang prophezeit. Vater Crood muss schon bald erfahren, dass Guy wohl Recht damit hat. Gemeinsam mit Guy verlassen die Croods ihre geliebte Höhle und müssen sich einem großen Abenteuer stellen... Wenn sich Familie Crood zur “Frühstücksformation” aufstellt und mit vereinten Kräften einem riesigen Frühstücksei hinterherjagt, dann entfaltet der computeranimierte Film DIE CROODS ein schier unglaubliches Tempo an Aktionen und Einfällen, die auch noch die verwendete 3D-Technik perfekt zur Schau stellt. Dass dieses Tempo im weiteren Verlauf des Films nicht gehalten werden kann, versteht sich fast von selbst, tut aber dem Spaß keinen Abbruch. Und der macht auch vor Anarcho-Humor keinen Halt, speziell wenn es um die ungeliebte Großmutter (entliehen aus ICE AGE 4) geht, die alle gerne loswerden möchten. Hier generiert der Film tatsächlich einige herzhafte Lacher – ein seltenes Ereignis bei einer amerikanischen Komödie. Damit ist DIE CROODS akzeptables Mainstream-Kino.

Eine besondere Herausforderung muss schon dabei sein – denn sonst braucht man es ja gar nicht erst versuchen. In diesem Punkt sind sich die drei Profi-Freeclimber absolut einig. So machen sich Stefan Glowacz, Kurt Albert und Holger Heuber auf in den südamerikanischen Dschungel, um den Mount Roraima zu erobern. Der Tafelberg hat es wahrhaftig in sich: Tausende Meter ragt der harte Fels fast waagrecht in den Himmel. Die Filmemacher Christian Lonk, Philipp Manderla und Malte Röper haben die Extremsportler bei ihrer Tour zum Roraima mit der Kamera begleitet und zeigen die Mühsalen, denen sich die drei wackeren Burschen aussetzen. Schon alleine der Weg durch den Dschungel bis hin zum Fuße des erklärten Ziels dauert eine ganze Woche. Die vielen Strapazen jedoch finden ein jähes Ende, als unwirtliches Wetter und die zur Neige gehenden Vorräte die drei Kletterer zur Aufgabe zwingen. Damit ist der beeindruckende Dokumentarfilm jedoch noch keineswegs zu Ende – der richtig spannende Abschnitt kommt erst noch! Versetzt mit vielen Statements der drei Freeclimber, die gemeinsam die Rotpunkt-Kletterbewegung ins Leben gerufen haben, sowie Archivmaterial aus den Frühjahren der Kletterpartner, versucht der Film zu ergründen, was diese Männer zu ihrem Handeln antreibt. Gleichzeitig gelingt es ihm mit großartigen Bildern die waghalsigen Expeditionen hautnah miterleben zu lassen. Das ist teilweise so intensiv gelungen, dass man ab und zu freiwillig den Atem anhält! Automatisch stellt sich dem Betrachter auch die Frage, wie es den Filmemachern gelungen ist, derart nah am Geschehen zu sein. Das “Making of” zur Doku dürfte darauf spannende Antworten geben. Für JÄGER DES AUGENBLICKS sollte man möglichst schwindelfrei sein. Zur Not kann man sich aber auch an der Lehne des Kinostuhls festhalten.

Emily leidet unter starken Depressionen. Kein Wunder: ihr geliebter Gatte Martin musste wegen Insiderhandel für vier Jahre hinter Schloss und Riegel, was bei ihr zu einer Fehlgeburt führte. Jetzt hat Martin seine Zeit abgesessen und schmiedet schon wieder dubiose Pläne. Für Emily ist es zuviel: sie rast mit ihrem Auto gegen eine Wand. Doch sie überlebt ihren Suizidversuch und kommt in die Obhut des Psychiaters Dr. Jonathan Banks. Und der verschreibt ihr genau die Tabletten, von deren Hersteller er finanzielle Zuwendungen erhält. Mit fatalen Nebenwirkungen: in vollgedröhntem Zustand ermordet Emily ihren Mann und kann sich danach an nichts mehr erinnern... Dubiose Marketingmaßnahmen der Pharmakonzerne und die allzu freizügigen Verschreibungspraktiken der Ärzte bilden den Hintergrund für Steven Soderberghs soliden Thriller, mit dem sich der Regisseur nach eigenem Bekunden aus dem Filmgeschäft zurückziehen möchte. Das ist natürlich umso trauriger, nachdem er mit SIDE EFFECTS nach dem Ausrutscher MAGIC MIKE einen wirklich hochkarätigen Film abliefert. Hochkarätig auch die Besetzung: Jude Law als Psychiater, der einem verlockenden Angebot eines Arzneimittelherstellers nicht widerstehen kann; Rooney Mara nach ihrer Rolle in David Finchers Stieg Larsson-Verfilmung VERBLENDUNG als schwache junge Frau, die mit Depressionen zu kämpfen hat; und schließlich Catherine Zeta-Jones in bekannt arroganter Manier als skrupellose Psychiaterin. SIDE EFFECTS ist gut gemachtes Kino ohne Schnörkel und einem passenden Score von Thomas Newman. Allerdings könnte man Soderbergh den Vorwurf machen, dass alleine schon die Verabreichung von nicht ausgereiften Antidepressiva ein so spannendes Thema ist, dass es keines übergeordneten Thrillers bedarf, um Spannung zu erzeugen. Aber als Filmkritiker muss man ja nicht unbedingt immer ein Haar in der Suppe finden.

Frankreich 1970. Gilles und seine Freunde, junge Studenten, lassen sich von der politisch aufgeheizten Aufbruchstimmung im Land mitreissen, die eine neue Gesellschaftsordnung zum Ziel hat. Gleichzeitig lernt der Aktivist aber auch die Liebe sowie die Malerei kennen... Drehbuchautor und Regisseur Olivier Assayas bleibt zwar nach dem unglaublich spannenden Epos CARLOS weiter den siebziger Jahren treu, leider aber alles andere als spannend. Sein autobiographisch angehauchter Film DIE WILDE ZEIT ist ein recht politischer Film und heisst im Original übersetzt eigentlich “Nach dem Mai”. Gemeint ist damit der Mai 1968, in dessen Fahrwasser die Protagonisten seines Films agieren. Sie haben das Gefühl, dass alles möglich zu sein scheint und dass sich Träume erfüllen werden. Ein paar wenige tun dies auch, doch viele erweisen sich als Illusion. So enden die großen politischen wie künstlerischen Ziele von Gilles als Assistent in einem Londoner Filmstudio bei den Dreharbeiten eines Fantasyfilms mit Urwelttieren und (natürlich) Nazis. Assayas‘ gutes Ensemble kann den Film leider nicht über seine Längen hinweg retten.

Weil sie das Klassenziel nicht erreicht hat, darf Mika nicht mit den anderen ins Feriencamp, sondern wird auf den Pferdehof ihrer Großmutter geschickt. Dort entdeckt sie ganz zufällig ihr Händchen für Pferde und freundet sich mit Ostwind an, dem wildesten von allen. Heimlich dressiert sie das von allen als unbezähmbar geltende Tier, das von der Oma an einen Pferdemetzger, den “Ungarn”, verkauft werden soll. Mehr noch: Mika will mit Ostwind ein Reitturnier gewinnen... Das ganze Glück der Erde liegt auf dem Rücken der Pferde. Diese alte Weisheit bewahrheitet sich natürlich in Katja von Garniers Jugendfilm OSTWIND, der hauptsächlich junge Teenager-Mädchen in seinen Bann ziehen dürfte. Hauptdarstellerin Mika (gut gespielt von Hanna Höppner) bildet für diese Zielgruppe die perfekte Identifikationsfigur: etwas rebellisch, total cool und hoch zu Ross. Doch der Film würde nicht so gut funktionieren, gäbe es nicht die orchestrale Filmmusik von Annette Focks, die mindestens zu 50 Prozent an der emotionalen Wirkung des Films beteiligt ist. Schöne Musik in Kombination mit ausgewählten Slow-Motion-Aufnahmen vom Ausritt – welches kleine Mädchen könnte da noch widerstehen. Etwas übertrieben, für Erwachsene sogar unfreiwillig komisch, ist der “Ungar”. Man sieht ihn nie, bekommt nur seine Aura zu spüren, wenn er mit seinen Stiefeln durch große Matschlöcher stapft: das Mensch gewordene Böse, das nur nach dem Leben von Ostwind trachtet. Doch im Kontext des Films betrachtet geht das vollkommen in Ordnung und erzeugt dadurch Spannung.

Didier ist zwar Belgier, fühlt sich aber als Cowboy und ist leidenschaftlicher Bluegrass-Musiker. Elise betreibt ein Tattoo-Studio und ist selbst ihr bestes Aushängeschild. Die beiden verlieben sich Hals über Kopf und schon bald wird Elise zur Lead-Sängerin in Didiers Bluegrass-Gruppe. Dann wird das Töchterchen Maybelle geboren. Das Familienglück scheint perfekt. Als jedoch bei Maybelle nach ein paar Jahren Krebs diagnostiziert wird, gerät das gesamte Idyll ins Wanken... Wie gehen Menschen mit einem schweren Verlust um? Mit Elise und Didier treffen zwei Menschen aufeinander, die unterschiedlicher wohl kaum sein können. Während Didier überzeugter Atheist ist und alles nur rational zu erklären versucht, hat Elise einen festen Glauben. Einzig die Bluegrass-Musik und die gemeinsame Tochter schweißt die beiden zusammen. Maybelles Tod schließlich befördert die Probleme an die Oberfläche. Beide versuchen auf ihre Weise mit dem Unglück fertig zu werden, was schließlich zur Zerreißprobe ihrer Liebe wird. Liebe, Glaube, Tod, Musik - Felix Van Groeningens (DIE BESCHISSENHEIT DER DINGE) neuer Film geht unter die Haut und wird auch die härtesten Kinogänger zu Tränen rühren. Und das ohne jemals kitschig zu werden. Van Groeningen verwendet eine nicht lineare Erzählstruktur, die zwar wichtige Ereignisse bereits vorwegnimmt, diese aber dadurch umso intensiver vermittelt. Durch die verschiedenen Zeitebenen mit nicht chronologischem Verlauf gestaltet sich der Film sehr interessant und zieht den Zuschauer in seinen Bann. Ein Übriges tut die wunderbare Bluegrass.Musik, die gleichzeitig melancholisch und extrem rhythmisch sein kann und die im Film von den Darstellern höchstpersönlich interpretiert wird. THE BROKEN CIRCLE ist ein Geheimtipp für den nächsten Kinobesuch.

Alle Kinder haben Lucas gerne. Und Lucas mag alle Kinder. Der 40jährige ehemalige Lehrer ist seit der Schließung der Schule als Kindergärtner tätig und genießt großes Ansehen im Dorf und bei seinen Freunden. Als er das Geschenk der kleinen Klara nicht annehmen möchte, ist sie tief verletzt und streut das Gerücht, dass Lucas ihr sein Geschlechtsteil gezeigt hat. Binnen Stunden sieht sich Lucas mit Anfeindungen aller Art konfrontiert. Selbst sein bester Freund kehrt ihm den Rücken zu. Im Dorf beginnt eine Hetzjagd auf den Unschuldigen... Kindermund tut Wahrheit kund. Das zumindest glauben die Gutbürger eines kleinen Dorfes, als die kleine Klara den Kindergärtner Lucas bezichtigt, sich ihr unsittlich genähert zu haben. Für die Dorfbewohner passt natürlich sofort alles zusammen: Lucas mag Kinder, ist geschieden und lebt alleine. In seinem neuen Film schildert Thomas Vinterberg sehr genau, was passiert, wenn man sieht was man sehen will. Die daraus resultierende Spirale dreht sich unaufhörlich nach oben und endet mit Gewalt. Mads Mikkelsen spielt den unschuldig in Verdacht geratenen Lucas – und er ist großartig in dieser Rolle. Der Titel des Films hat gleich doppelte Bedeutung. Zum Einen ist es ein Hinweis auf die Jagd, die die Dorfbewohner auf den vermeintlichen Übeltäter machen. Zum Anderen aber ist damit jene Jagd gemeint, die sich am Ende des Films zuträgt. Dort nämlich wird Lucas‘ Sohn in das Jagen von Wild eingeführt, ein Jahr nachdem sich der Vorfall begab und sich die Wogen wieder geglättet haben. Doch Zweifler gibt es nach wie vor...

Virgil Oldman gilt in der Kunstszene als unbeirrbarer Kenner. Fälschungen halten seinem Urteil nicht Stand. Auch als Auktionator hat sich der alternde und von seinem Beruf fast schon besessene Oldman einen Namen gemacht. Als ihn eines Tages eine mysteriöse Frau bittet, sich um den Nachlass ihrer Eltern zu kümmern, lehnt er zunächst ab. Doch alleine die Tatsache, dass er die Frau nie zu Gesicht bekommt, macht ihn extrem neugierig. Als er bei einer Begehung der Villa auch noch seltsame mechanische Teile findet, ist es um ihn geschehen und er willigt in den Auftrag ein – ein Auftrag, die seine gesamte Existenz nachhaltig verändern wird... Giuseppe Tornatore, dem Schöpfer des Klassikers CINEMA PARADISO, ist mit THE BEST OFFER einer der faszinierendsten Filme der Saison gelungen. Eine absolut brillante Optik und ein Geoffrey Rush in Hochform prägen seinen Film, in dem Original und Fälschung sehr dicht beieinander liegen. Kann man Liebe fälschen? Der Protagonist Virgil Oldman wird am Ende des Films eine Antwort darauf finden. Nicht nur er, auch die Zuschauer werden eine Überraschung erleben. Wie immer bei Tornatore lieferte Ennio Morricone die musikalische Untermalung, die dank eines hervorragenden Surround-Sounds großen Raum im Film einnehmen kann. THE BEST OFFER ist grandioses Kino, das gerne in exquisitem Dekor schwelgt und auf den Zuschauer eine ebensolche hypnotische Sogwirkung ausübt wie die schöne Unbekannte auf den alternden Kunstexperten.

Der einfache Bauer Jack kommt an die Bohnen wie die Jungfrau zum Kind: ein Mönch übergibt dem Jüngling einen Beutel voll Bohnen und rät ihm, diese auf keinen Fall nass werden zu lassen. Doch es kommt wie es kommen muss und eine der Bohnen kommt mit Regenwasser in Berührung. Im Nu schießt ein riesiges Bohnengewächs aus seinem Haus gen Himmel und nimmt die zufällig anwesende Prinzessin, in die sich Jack natürlich verliebt hat, gleich mit. Als Retter in der Not erklimmt Jack die riesige Pflanze und gelangt schließlich in den Himmel. Dort muss er allerdings feststellen, dass er es mit grausamen Riesen zu tun hat, die die Prinzessin gefangen halten... Hier ist das Sonderangebot für Fantasy- und Action-Fans: Bryan Singers Effektspektakel JACK AND THE GIANTS sind eigentlich gleich zwei Filme in einem! Denn kaum dass Jack seine Prinzessin aus den Klauen der Riesen befreit hat und man schon aufstehen möchte, um den Kinosaal zu verlassen, beginnt Teil 2. Jetzt nämlich steigen die bösen Riesen hinunter auf die Erde und lassen es so richtig krachen. So überzeugend der Film in seinen visuellen Effekten auch ist, umso ermüdender ist er auf der anderen Seite in seiner banalen Handlungsebene. Ewig lange Schlachtengemälde will man seit HERR DER RINGE eigentlich nicht mehr auf der Leinwand erleben – dort wurde bereits alles gezeigt, was es zu zeigen gibt. Auch waren dort noch richtige Charaktere am Werke. In Singers Film bleibt alles ziemlich oberflächlich. John Ottmans bombastische Orchestermusik weiß sich da auch nur mit an HERR DER RINGE erinnernden Klängen zu helfen. Viel Lärm um nichts – typisch Hollywood‘scher Mainstream.

Eine Sängerin, die für ein Konzert nach Belgrad kommt, bereitet dem örtlichen Fahrer allerlei Probleme. Ein Paar, das sich zu Sado-Maso-Spielchen im Hotel trifft. Ein Deutsch-Türke, der sich von einer Barbekanntschaft zu einem Seitensprung verführen lässt. Der gemeinsame Schnittpunkt dieser Geschichten ist die Stadt Belgrad, die sich nach dem Ende des Balkankriegs wie Phönix aus der Asche erhoben hat und sich als neuer Nabel der Welt versteht. Bojan Vuletics Film ist in mehrere Kapitel unterteilt, die jeweils durch Einstellungen mit sich küssenden Paaren vor Belgrader Kulisse unterbrochen werden. Diese sollen vermutlich als Symbole der Liebe verstanden werden, wirken allerdings so künstlich und verkrampft, das man mit den Küssenden fast schon Mitleid hat. Am Ende jedes Kapitels gibt es stets eine Gesangseinlage, mal vorgetragen von Straßenarbeitern, Hotelangestellten oder Stewardessen, die so melancholisch sind, dass man auch hier gar nicht mehr an die Liebe glauben möchte. Dazu ein ziemlich irreführender Titel, der eigentlich eine romantische Liebeskomödie erwarten lässt, die sich jedoch ziemlich schnell als ein relativ deprimierendes Drama über die Liebe entpuppt, dessen Botschaft am Ende in eine Einladung an die ganze Welt mündet: Belgrad ist das neue Paris. Hier ist wohl nur der Wunsch der Vater des Gedankens.

Malen tut er am liebsten am Boden kniend: Georg Baselitz, die Nummer 3 auf der Weltrangliste zeitgenössischer Maler, mag es fließend. So fließend, dass sich seine Farben auf einer aufgerichteten Leinwand miteinander vermischen würden. Seine großformatigen Bilder bleiben daher ebenso am Boden liegen wie das fast unüberschaubare Arsenal an Pinseln, Farbbehältern und Lappen, die er für seine Arbeit benötigt. Beneidenswert, wie der inzwischen 75-jährige problemlos auf den Knien und über die Leinwand gebeugt arbeiten kann! Kommentarlos porträtiert Evelyn Schels den Künstler in ihrem Dokumentarfilm, zeigt ihn bei seiner Arbeit und lässt ihn vor der Kamera zu Wort kommen. Als “erziehungsresistent” bezeichnet er sich und gibt zu, dass er schon immer gegen den Strom schwimmen wollte. Das führte letztendlich zu seiner Ausweisung aus seiner Heimat DDR und machte seinen immensen Erfolg erst möglich. Dass bei ihm die ganze Welt auf dem Kopf steht, brachte schließlich den internationalen Durchbruch: seine auf den Kopf gestellten Porträts beeindruckten die Kunstwelt ebenso wie seine Skulptur, die auf der Biennale 1980 ausgestellt wurde. Neben seiner Ehefrau holt Evelyn Schels auch andere Zeitzeugen Baselitz‘, der mit bürgerlichem Namen Hans Georg Kern heisst, vor die Linse und befragt auch Galeristen sowie seine beiden Söhne. Dazwischen sieht man den Meister immer wieder unermüdlich am Arbeiten, sowohl in seinem Haus am Ammersee wie auch in seinem Haus in Italien, dem Land der Künstler. Wer sich für die Werke Georg Baselitz, zu der auch Skulpturen aus Holz gehören, interessiert, lernt den Künstler in diesem Film als einen sehr offenen und sehr ehrgeizigen, aber auch sehr unsicheren Menschen kennen, der seine Arbeiten immer wieder in Frage stellt. Abgerundet wird der Film mit Detailaufnahmen von Baselitz‘ bekanntesten Werken.