Mike ist erst 16 Jahre alt, hat das Leben aber bereits satt. Mit dem Gewehr seines verschwundenen Vaters will er seinem Außenseiterdasein ein Ende bereiten. Doch der Schuss geht daneben und Mike erwacht putzmunter im Krankenhaus. Doch Mike hat Glück im Unglück: bei den Untersuchungen entdecken die Ärzte einen Tumor in seinem Kopf. Wenn er den nicht operieren lässt, führt das schnurstracks ins Grab. Prima, denkt sich der Teenager, und verschweigt seinen Zustand seiner Mutter. Stattdessen nimmt er bereitwillig an der verordneten Bewegungstherapie teil – ist ja nur eine Frage der Zeit, bis ihn der Tod ereilt. Allerdings hat Mike die Rechnung ohne Miranda gemacht, jenes fesche junge Mädchen, das die Therapiegruppe leitet. Denn plötzlich sieht Mike sein Leben aus einem ganz anderen Blickwinkel... Der Film von Florian Cossen (Regie) und Elena von Saucken (Drehbuch) hat genau das, was eine gute Independent-Produktion ausmacht: eine interessante Geschichte mit ein paar netten Twists, sympathische Charaktere, ein guter Soundtrack und eindrucksvolle Fotografie. Damit beweist das Filmemacher-Duo, dass ihr Erstlingswerk DAS LIED IN MIR keine Eintagsfliege war. Besonders schön in Szene gesetzt sind dabei ein paar musikalische Einlagen, beispielsweise wenn Mike auf seinem Fahrrad von einer ganzen Gruppe von Radfahrern begleitet und genau im Takt der Musik choreographiert wird; oder wenn Mike Teil der Bewegungstherapie wird und die Szene vollkommen in der Musik aufgeht. COCONUT HERO ist komisch, schwarzhumorig, einfühlsam, tragisch. Ein Geheimtipp für Filmfans, die mehr vom Kino erwarten als nur VFX-Feuerwerk und Sound-Bombast. Zu hoffen bleibt, dass die großartigen Bilder von Kameramann Brendan Steacy mit einem ordentlichen DCP um Quantensprünge besser aussehen werden als jene, die uns in der heutigen Pressevorführung von einer Blu-ray angeboten wurden.

Gegen Ende des 19. Jahrhunderts irrt der 16jährige Schotte Jay Cavendish durch den Wilden Westen, um seine große Liebe Rose zu finden. Unterwegs nimmt ihn der harte Bursche Silas Selleck unter seine Fittiche, um ihm zu helfen. Was Jay allerdings nicht weiß: der Typ ist Kopfgeldjäger und auf Rose und ihren Vater sind 2000 Dollar Kopfgeld ausgesetzt! So führt ihn Jay unwissend zu seiner Beute – gefolgt von der Gang, die mit Silas noch eine Rechnung offen hat... John Macleans Film hat alles, was ein Western braucht: harte Burschen, prächtige Landschaften, viele Tote. Und trotzdem ist seine Western ganz anders als alle anderen. Wann kommt schon mal ein 16-jähriger von Schottland in den Wilden Westen, um seine große Liebe wiederzufinden? Jay Cavendish ist ein waschechtes Greenhorn, das auf sich alleine gestellt in der rauen Wildnis eigentlich nicht überlebensfähig ist. Geschweige denn sich gegen Kopfgeldjäger und Indianerschlächter zu behaupten. Kodi Smit-McPhee spielt diesen Naivling mit romantischer Ader perfekt. Michael Fassbender mimt den Kopfgeldjäger, der sich des Jünglings annimmt und irgendwann plötzlich so etwas wie väterliche Gefühle entdeckt, ebenso überzeugend. Mit ironischem Ton erzählt Maclean seine Geschichte einer ungewöhnlichen Männerfreundschaft und mit unerwartetem Ende. Kameramann Robbie Ryan findet faszinierende Bilder für diese Geschichte, die in Neuseeland gedreht wurde, und kadriert sie im ungewöhnlichen 1:1.66 Aspect Ratio. Ein Western eben, der sich auch hier nicht in die gängigen Muster eingliedern lässt. Angenehm seine Lauflänge: in nur 84 Minuten wird die ganze Story erzählt, ohne dass man etwas vermissen würde.

Kurz vor der Sintflut: alle Tiere strömen in die Arche Noah. Wirklich alle? Die Nestrier Finny und sein Papa stehen leider nicht auf der Passagierliste, das Grymp-Mädchen Leah und ihre Mutter hingegen schon. Durch etwas Kreativität schaffen es die Nestrier dennoch, auf die Arche zu kommen. Just in dem Moment, als die Flutwelle die Arche hinweghebt, turnen Finny und Leah auf dem Gerüst vor der Arche – und sehen die Arche gerade noch wegschwimmen! Die Beiden beschließen in ihrer Not, der Arche so weit wie möglich zu folgen, um wieder an Bord zu kommen. Für die Kleinen beginnt das größte Abenteuer ihres Lebens... Mit seinem Film beweist Toby Genkel, dass computeranimierte Filme nicht immer nur aus Hollywood kommen müssen, sondern auch in Europa realisiert werden können. Zugegeben: die Perfektion einer Pixar-Produktion ist hier nicht unbedingt zu sehen (die Nestrier sehen beispielsweise aus wie Stofftiere), doch es zählt alleine der gute Wille. Der hauptsächlich für kleine Kinder gedachte Film behandelt Themen wie Freundschaft und das Finden des eigenen Platzes in der Welt gepaart mit jeder Menge Action. Den jungen Zuschauern wird’s gefallen (was an der Reaktion der vielen Kinder in der heutigen Pressevorführung abzulesen war). Für Erwachsene bietet der Film eine köstliche Figur: ein Schimpanse als Page oder Diener an Bord der Arche mit herrlich snobistischem Tonfall. Negativ hingegen fällt die 3D-Technik auf: sie bietet nahezu keine plastische Wirkung, so dass man sich unweigerlich fragt, warum die überhaupt eingesetzt wurde. Dafür machen die Synchronsprecher einen hervorragenden Job. Hier ist insbesondere Christian Ulmen zu erwähnen, der Finny seine Stimme leiht.

Izzy, Escort-Girl mit Schauspielambitionen, findet in einem ihrer Kunden, dem Broadway-Regisseur Arnold, einen Gönner, der ihr einen großen Batzen Geld gibt, damit sie ihre Hollywood-Karriere starten kann. Als sie ausgerechnet bei ihm für eine Rolle vorspricht, ist das dem Schürzenjäger gar nicht recht, gehört doch auch seine Frau zum Ensemble. Die aber ist begeistert von Izzy, die dann auch noch mit dem Autor des Stückes anbandelt, der sich als Freund ihrer Psychotherapeutin herausstellt. Jetzt ist Ärger vorprogrammiert... Nach 12jähriger Abstinenz vom Regiestuhl meldet sich Peter Bogdanovich mit einer spritzigen Komödie im Kino zurück. BROADWAY THERAPY versteht sich als Hommage auf die Screwball-Komödien eines Ernst Lubitsch, eines Billy Wilder oder auch eines Woody Allen. Mit einem spielfreudigen Ensemble inszeniert Bogdanovich quasi ein Theater im Theater, das vor Verwicklungen und Zufällen nur so strotzt und sämtliche Protagonisten in peinlich-witzige Situationen bringt. Etwas störend indes ist die Rahmenhandlung, in der Imogen Poots alias Izzy ein Interview gibt und damit ihre Lebensgeschichte erzählt, die sodann als Rückblick bebildert wird. Bogdanovichs Film empfiehlt sich für alle, die vom Hollywood’schen Effekt-Bombast die Schnauze voll haben und sich nach etwas ruhigerem, dafür aber sehr unterhaltsamem Fahrwasser sehnen.

Gabriel und Elias sind zwei Brüder, für die die Bezeichnung “seltsam” eine starke Untertreibung ist. Gabriel wir ständig von Brechreizen heimgesucht, Elias muss ständig zwanghaft masturbieren. Als ihr Vater stirbt, erfahren die beiden mittels einer Videobotschaft, dass er gar nicht ihr biologischer Vater ist und sie adoptiert wurden. Die Brüder finden schnell heraus, dass ihr wahrer Vater inzwischen 100 Jahre alt ist und auf einer einsamen Insel lebt. Sie beschließen ihn aufzusuchen. Kaum angekommen werden sie von drei recht aggressiven Sonderlingen in Empfang genommen, die sich als ihre Brüder herausstellen. Die leben zusammen mit allerlei vierbeinigen Freunden in einem stillgelegten Sanatorium, das ein Geheimnis birgt. Langsam aber sicher kommen Gabriel und Elias ihrer wahren Herkunft näher... Anders Thomas Jensen gilt als einer der renommiertesten Drehbuchautoren und Filmemachern Dänemarks, was er mit Filmen wie ADAMS ÄPFEL oder DÄNISCHE DELIKATESSEN hinlänglich bewiesen hat. Für MEN & CHICKEN hat er nun einmal mehr den Regiestuhl besetzt und auch gleich noch das Drehbuch geliefert. Was dabei herausgekommen ist, dürfte nicht nur sein bislang skurrilstes Werk sein, sondern sein makaberstes dazu. Will heissen: der rabenschwarze Humor ist von solcher Art, dass einem das Lachen im Halse stecken bleibt. Es ist fast so, als würde TEXAS CHAINSAW MASSACRE auf ADAMS ÄPFEL treffen. Nicht wegen der Brutalität (die zwar durchaus vorhanden ist, aber eher belustigend wirkt), sondern aufgrund der Location, in der Jensen seinen Film ansiedelt: ein stillgelegtes Sanatorium auf einer abgelegenen, kaum bewohnten Insel. Angesichts der extrem merkwürdigen Charaktere, die in diesem Sanatorium mit einem Heer von Tieren zusammenzuleben scheinen, ahnt man als Zuschauer schon recht früh, wo hier die Wurzel allen Übels liegen könnte. Aber man möchte es dann eigentlich doch lieber nicht so genau wissen. MEN & CHICKEN ist bei aller Absurdität ein ziemlich verstörender, aber genauso brillanter Film, der sich vor allem dank seiner grandiosen Darsteller (kaum wiederzuerkennen: Mads Mikkelsen mit Hasenscharte!) ins Gedächtnis brennt.

Wendy ist wie vor den Kopf gestoßen: nach 21 Ehejahren verlässt sie ihr Mann wegen einer jüngeren Frau. Um ihre Tochter besuchen zu können, die im weit entfernten Vermont studieren will, beschließt Wendy, endlich den Führerschein zu machen. So trifft sie auf Darwan, ein Sikh mit Turban und Vollbart, der vor vielen Jahren schon die amerikanische Staatsbürgerschaft erhielt und sich als Taxifahrer und Fahrlehrer über Wasser hält. Der lebenskluge Mann hilft Wendy nicht nur bei der Bewältigung der praktischen Fahrübungen, sondern auch ihrer anderen Probleme. Doch davon hat Darwan selbst genügend: seine Schwester in Indien hat ihm die Frau fürs Leben ausgesucht... Fahrstunden als Lebenshilfe – die Idee ist nicht ganz neu, wurde sie doch bereits vor ein paar Jahren in HAPPY-GO-LUCKY erfolgreich thematisiert. Jetzt schlüpft Sir Ben Kingsley, seit seiner grandiosen Darstellung in GANDHI als perfekter Inder bewährt, in die Rolle des Fahrlehrers. Eine Rolle, die der Schauspieler bestens ausfüllen kann. Neben ihm wirkt seine Partnerin Patricia Clarkson als scheidungsgestresste Literaturkritikerin fast schon ein wenig blass. Die Geschichte, in der die vielen Fahrregeln immer wieder als Metaphern für das richtige Leben eingesetzt werden, ist nett erzählt. Zwar vollkommen unspektakulär, dafür aber umso glaubhafter. Immerhin gibt sich der Film am Ende nicht die Blöße, in amerikanisches Kitschkino abzudriften, sondern entlässt beide Figuren in eigenständige Leben. Ein Film für das etwas reifere Publikum.

Am 23. Juli 2011 starb die Sängerin, die Jazz-Legende Tony Bennett auf eine Stufe mit Ella Fitzgerald erhob, an den Folgen exzessiven Alkoholkonsums: Amy Winehouse wurde nur 27 Jahre alt. Jetzt, vier Jahre nach ihrem Tod, hat sich der durch seinen Dokumentarfilm SENNA bekannt gewordene Regisseur Asif Kapadia daran gemacht, das ebenso märchenhafte wir tragische Leben der Sängerin aufzuarbeiten. Anhand von teils sehr persönlichem Bild- und Filmmaterial aus dem Freundeskreis von Amy ist ein aufwühlendes Porträt einer zerbrechlichen jungen Frau entstanden, die eigentlich nie von Berufs wegen singen wollte. Sie schrieb und komponierte ihre Songs anfangs nur, weil es ihr Freude machte. Doch je mehr sie damit Erfolg hatte und dadurch zwangsläufig immer stärker ins Rampenlicht gedrängt wurde, desto stärker wurde ihr Wunsch, damit aufzuhören, weil sie spürte, dass sie mit ihrer Berühmtheit nicht klar kommen würde. Niemand jedoch vernahm die Warnsignale, die sie schon frühzeitig aussendete. Durch ihren damaligen Freund lernte sie Drogen aller Art kennen – und lieben! “Ohne Drogen ist das Leben einfach nur langweilig” hört man Amy auf der Tonspur des Films von sich geben. Damit ist klar, dass jedwede Entziehungskur schon von vornherein zum Scheitern verurteilt war. Mit 128 Minuten ist der gut gestaltete Dokumentarfilm zwar etwas zu lang geraten, dürfte damit aber ihrer großen Fangemeinde sehr entgegenkommen. Die vielen Interviewpassagen mit Freunden und Arbeitskollegen der Frau mit der überwältigenden Stimme, die meist nur aus dem Off zu hören sind, werden ergänzt durch beeindruckende Konzertpassagen.

Um die Touristenattraktion “Jurassic World” noch attraktiver zu machen und die Aktionäre zufrieden zu stellen, haben die Wissenschaftler in geheimer Mission einen neuen Dino-Hybriden, genannt Indominus Rex, entwickelt. Natürlich größer und weitaus gefährlicher als der T-Rex, um den “Wow!”-Faktor zu bedienen. Als sich die Bestie aus ihrem Gehege befreit, geraten zwei Kinder in tödliche Gefahr. Ein Fall für Tausendsassa Owen Grady... Mit JURASSIC WORLD präsentiert Executive Producer Steven Spielberg wieder klinisch reines Familienunterhaltungskino. Mit zwei Kindern in der Hauptrolle sowie jede Menge Erwachsener wird das Zielpublikum zu 100 Prozent abgedeckt. Dass jedoch klinisch rein nicht gleichbedeutend sein muss mit öde und langweilig, das beweist JURASSIC WORLD in hervorragender Weise. Regisseur Colin Trevorrow weiß genau, wie man packendes Action-Kino fulminant umsetzt. Dabei ist es dann weniger das Zwischenmenschliche, auf das es ankommt, sondern die speziell in IMAX-Kinos immersiv wirkenden Bilder von Kameramann John Schwartzman. Gemeinsam mit Trevorrow hat er ein neues Bildformat geschaffen, das etwas breiter als kaschiertes Breitwand und schmaler als CinemaScope ist. Das ist sehr schön gerade für IMAX-Screens, da jetzt fast die gesamte Leinwand mit Bild gefüllt wird, führt aber leider bei normalen Kinos dazu, dass jetzt plötzlich oben und unten schwarze Balken auftauchen. Aber diese Thematik mit all den Vor- und Nachteilen soll an dieser Stelle nicht weiter vertieft werden. Kennern der früheren JURASSIC PARK-Filme werden mit Sicherheit viele Parallelen zum Originalfilm auffallen, fast so, als wäre JURASSIC WORLD ein Reboot des ersten Films. Allerdings muss man sich dabei vor Augen halten, dass der Originalfilm nunmehr 22 Jahre auf dem Buckel hat und inzwischen die nächste Generation von Kinogängern herangewachsen ist. Und an genau die richtet sich der neue Film. Die visuellen Effekte, die damals als bahnbrechend galten, werden jetzt von der neuen Technik bei Weitem übertroffen. Um es in einem Wort zu sagen: spektakulär! Für kleinere Zuschauer (der Film ist in Deutschland ab 12 Jahren freigegeben, d.h. Eltern dürfen ihre 6jährigen Sprösslinge mitnehmen!) dürften ein paar der Szenen zu heftig sein, auch wenn der Familientauglichkeit zuliebe kein Blut fließt. Das hält natürlich die bösen T-Rex-Klone nicht davon ab, Wärter und Besucher der Insel mit Haut und Haaren zu verspeisen. Das Drehbuch weist auch ein paar Schwächen auf. Beispielsweise wird die anstehende Scheidung der Eltern unserer kleinen Protagonisten angesprochen, am Ende des Films aber nicht aufgelöst. Das Thema bleibt damit irgendwo in der Luft hängen. Nährboden für eine weitere Fortsetzung wird selbstverständlich auch gleich mit angelegt. Neben den visuellen Effekten besonders beeindruckend ist die dynamische Tonspur des Films, die alle Register zieht, um das dreidimensionale Bild um eine weitere Dimension zu ergänzen. Die Subwoofer im IMAX-Kino jedenfalls hatten ganz schön viel Arbeit! Ein weiterer Pluspunkt in Trevorrows Film ist die Filmmusik von Michael Giacchino, die hin und wieder Gebrauch macht von John Williams‘ Hauptthema aus JURASSIC PARK, aber dennoch ein imposantes Eigenleben entwickelt, welches die Bilder unterstützt. Lange Rede, kurzer Sinn: wer spektakuläres Event-Kino mag, der ist in JURASSIC WORLD gut aufgehoben.

Val lebt und arbeitet seit vielen Jahren als Haushälterin bei einer wohlhabenden Familie in São Paulo. Der Sprössling der Familie ist ihr ganzer Stolz. Dabei hat Val ein eigenes Kind, ihre Tochter Jessica. Die aber lebt weit weg bei einer Tante und Val hat schon seit zehn Jahren nichts mehr von ihr gehört. Umso überraschter ist sie, als Jessica eines Tages anruft und ihr sagt, dass sie nach São Paulo kommen wird, um sich dort an der Uni für ein Studium zu qualifizieren. Val arrangiert, dass ihre Tochter auch im Haus ihrer Arbeitgeber leben darf. Doch damit fangen die Probleme an. Denn wie selbstverständlich fordert Jessica die Privilegien, die Vals Arbeitgeber für sich in Anspruch nehmen, auch für sich selbst ein und bringt damit das Machtgefüge kräftig ins Wanken... Mit subtilem Humor und einer grandiosen Regina Casé in der Rolle der Val zeichnet der Film ein präzises Gesellschaftsbild Brasiliens. Während Val das etablierte Klassensystem niemals in Frage stellt, ist es für die selbstbewusste Jessica keine Frage, dass auch ihr ein erfülltes Leben und Wohlstand zusteht. Anna Muylaerts Film bietet einige köstliche Szenen, die dieses Klassensystem schonungslos vor Augen führen: da wird beispielsweise die junge Jessica vom Herrn des Hauses (der natürlich ein Auge auf die Hübsche geworfen hat!) wie ein Gast behandelt, während er gleichzeitig ihre Mutter das Essen servieren lässt. Höchst amüsant beobachten wir hier das hektische Gefuchtel, das Val mit ihren Armen anstellt, um ihrer Kollegin wortlos das Missfallen über das Verhalten ihrer Tochter zu signalisieren. Die alte und die neue Welt prallen hier aufeinander und es macht Spaß dabei zuzusehen.

Seit sie bei einem bizarren Zwischenfall von einem Raben gebissen wurde, geht mit der jungen Angela eine seltsame Verwandlung vor. Sie trinkt Unmengen an Wasser und fängt an dreckig zu reden. Nach einem schweren Autounfall wird sie ins Krankenhaus eingeliefert und landet schließlich in der Psychiatrie. Doch auch dort hören die bizarren Zwischenfälle nicht auf. Ihr Vater und ihr Freund wissen sich nicht mehr zu helfen. Nur Pater Lozano steht ihnen noch zur Seite. Und der hat einen schlimmen Verdacht: Angela könnte von einem bösen Dämon besessen sein. Damit ruft der Fall die Spezialisten vom Vatikan auf den Plan... Man hat fast den Eindruck, dass heutzutage Exorzismus-Thriller nur noch deshalb gemacht werden, um zu beweisen, wie grandios doch William Friedkins DER EXORZIST aus dem Jahre 1973 nach wie vor ist. Ein Film, der für dieses Horror-Sub-Genre Maßstäbe gesetzt hat und bis heute seinesgleichen sucht. Mark Neveldines Film THE VATICAN TAPES wirkt daneben wie eine Gute-Nacht-Geschichte für Kinder und es würde nicht wundern, wenn es sich hierbei um eine TV-Produktion handelt. Charakteristisches Zeichen dafür: die Filmemacher trauen sich nichts! So dümpelt der Film leider die ganze Zeit seelenlos vor sich hin, so dass es einen fast schon vor Langeweile gruselt. Und wer gedacht hat, dass es mit dem Abspann endlich aufhört, der wird sich wundern: der dauert eine gefühlte Viertelstunde! “Zeit schinden” nennt man das in der Fachsprache. Was das Drehbuch angeht, so stellt man sich irgendwann die Frage, warum sich denn gleich zwei Männer um das Wohlergehen der besessenen Frau sorgen: ihr Vater und ihr Freund. Letztere macht eine derart gelangweilte Figur, dass es besser gewesen wäre ganz auf ihn zu verzichten und damit Sand aus dem Getriebe zu nehmen. Die interessanteste Figur im grauenvollen Spiel ist Kardinal Bruun, der Exorzist, den Peter Andersson als recht zwielichte Persönlichkeit darstellt. Handwerklich hat der Film leider nichts Besonderes zu bieten. Nur die üblichen Gimmicks wie sich von alleine bewegende Betten oder Bildstörungen in der Videoaufzeichnung als sicheres Indiz für Dämonenbefall. Und die üblichen Fehler: Videoüberwachungssysteme zeichnen in der Regel nur das Bild, aber keinen Ton auf. Aber das fällt hier sowieso nicht mehr weiter ins Gewicht. “Hört nicht auf falsche Propheten!” lautet am Ende die Botschaft des Films. Volle Zustimmung – schaut Euch lieber nochmal Friedkins Meisterwerk an.

Der depressiv angehauchte Robert Beck arbeitet als Musiklehrer in Berlin. Als er eines Tages das musikalische Talent des Klassenaußenseiters Rauli erkennt, fängt er wieder Feuer und erinnert sich an seine frühere Musikkarriere. Er will dem Jungen zum Erfolg verhelfen. Gleichzeitig lernt er die hübsche Lara kennen und lieben und muss hin und wieder auch seinem alten Musiker-Kumpel Charlie unter die Arme greifen. Doch das Glück hält nicht lange an und dunkle Wolken ziehen am Horizont auf... In einen Film mit Christian Ulmen gehe zumindest ich immer mit sehr gemischten Gefühlen. Denn allzu oft driften seine Figuren in das Klamottige ab. So war ich dieses Mal positiv überrascht. Denn die Rolle des Lehrers Beck ist eine durchaus ernsthafte Rolle. Zwar immer wieder auch mal witzig, aber nie klamottig. Gemäß den zwei Seiten einer Schallplatte (und davon hat Lehrer Beck eine ganze Menge!) ist der Film in Seite A und Seite B eingeteilt. Seite A beginnt für die Beteiligten ziemlich verheissungsvoll, es herrscht Aufbruchstimmung, Depressionen werden hinweggepustet. Doch gegen Ende der ersten Seite herrscht wieder blankes Chaos. Zeit für Seite B, einem Road-Trip, auf dem Beck, Rauli und Charlie lernen, was wirklich im Leben zählt. Unterlegt wird der Film mit einem oft ebenso fetzigen wie melancholischen Soundtrack, der vor allem in tontechnisch gut bestückten Kinos großen Spaß bereitet.

Arnaud soll zusammen mit seinem Bruder in die Stapfen ihres verstorbenen Vaters treten und Gartenhäuser bauen. Als er jedoch die auf knallhart machende Madeleine trifft, ist er von dem Mädchen so sehr fasziniert, dass er ihr folgt und sich schließlich für ein Vorbereitungstraining für das Militär einschreibt. Im inszenierten Überlebenskampf kommen sich die beiden schließlich näher... Die Negativpunkte gleich vorweg: sterile deutsche Synchronfassung und nervtötender 80er-Jahre Synthi-Score. Damit lässt sich heute leider keine Medaille mehr gewinnen. Das aber ist umso ärgerlicher, da die von Ablehnung in Liebe umschlagende Beziehung der beiden Protagonisten Adèle Haenel und Kévin Azaïs sehr sympathisch dargestellt wird. Daher nur bedingt zu empfehlen.

Jafar Panahis gesellschaftskritische Komödie ist ein waschechter Guerilla-Film. Denn in seiner Heimat Iran wurde gerade wegen seiner kritischen Betrachtungen über den renommierten Regisseur im Jahre 2010 ein 20jähriges Berufsverbot verhängt. Das freilich hält Panahi nicht davon ab, weiter Filme zu drehen. So entstand TAXI TEHERAN quasi im Untergrund, aufgenommen mit Mini-Kameras in einem Taxi, an dessen Steuer der Filmemacher höchstpersönlich sitzt. Nach Fertigstellung wurde der Film außer Landes geschmuggelt und dieses Jahr im Wettbewerb der Berliner Filmfestspiele aufgeführt, wo er auch sogleich den “Goldenen Bären” abräumte. In knapp 90 Minuten steigen die unterschiedlichsten Menschen in sein Taxi: u.a. ein bekennender Straßenräuber, ein kleinwüchsiger Raubkopierer, des Regisseurs kleine Nichte. In den Gesprächen, die sich während der Fahrt durch Teherans Straßen entwickeln, erhält der Zuschauer einen tiefen Einblick in die politische Situation des Landes, wo beispielsweise amerikanische Filme nur als Schmuggelware zu erhalten sind. Panahis vorlaute Nichte rezitiert die ziemlich bizarren Regeln, die es zu beachten gilt, wenn man einen “zeigbaren” Film machen möchte. Auf diese Art und Weise führt uns der Regisseur seine eigene Situation vor Augen. Aber ist der Film nun tatsächlich so gut, dass er den “Goldenen Bären” verdient? Eigentlich nicht. Doch die Entscheidung dafür war natürlich politisch motiviert und sollte Signalwirkung gen Iran haben. Und dazu kann man nur sagen: richtig so.

Ohne Gedächtnis kommt Sam in einem U-Bahn-Tunnel wieder zu sich. Er weiß weder, wer er ist noch wie er hierher kam. Was er allerdings ziemlich schnell merkt: er ist das Ziel einer Fahndung! Auf der Flucht vor seine Häschern findet er ein Tagebuch – offenbar von ihm selbst verfasst! Darin beschreibt Sam, wie er dazu verurteilt wurde, mehrere Wochen in einer Resozialisierungsanstalt zu verbringen. Schon bald bemerkt er, dass in dem hermetisch abgeriegelten Anwesen seltsame Dinge vor sich gehen. Wurde sein Vorgänger etwa ermordet? Sam ist entschlossen gemeinsam mit der ebenfalls inhaftierten Lara die ganze Geschichte aufzudecken. Damit aber schweben beide plötzlich in Lebensgefahr... Eines muss man dem Film von Özgür Yildirim neidlos anerkennen: der Mann versteht zumindest in technischer Hinsicht sein Handwerk. Die CinemaScope-Bilder in Schieflage, teils verzerrte Optik, ein treibender Techno-Score und eine ausgefeilte Tonspur überzeugen. Das so etwas dazu noch aus Deutschland kommt macht Hoffnung, dass es um den deutschen Genrefilm vielleicht gar nicht so schlecht steht wie oft angenommen. Leider aber gibt es wie bei jeder Sache einen Haken: das Drehbuch! Keine Ahnung, ob es bereits an der Romanvorlage von Mirjam Mous liegt oder erst beim Drehbuchschreiben entstanden ist: es werden zu betont übliche Klischees bedient. Klischees, die das Zielpublikum für Thriller wie BOY7 eigentlich schon lange hinter sich gelassen haben, weil es mittlerweile wesentlich Besseres gibt. Ungereimtheiten und Logikfehler sowie platte Charaktere zieren den ganzen Film. Wieder einmal Operation gelungen, Patient tot. Schade.

Charleen ist anders. Nicht nur steht sie unbeweglich im strömenden Regen und hofft, dass himmlische Musik ihre düsteren Gedanken stoppen würde, auch jobbt sie nebenbei als Praktikantin bei einem kauzigen Bestatter (sagt sie beim Gehen “Bis morgen”, erwidert er “Weiß man’s?”). Schuld an allem ist ihr Vater, der die damals Sechsjährige mit ihrer Mutter hat sitzen lassen. Jetzt, mit 15 ¾ Jahren, beschließt die Schülerin, ihrem Leben ein Ende zu setzen. Einfach so. Um es mal auszuprobieren. Ein Handyanruf jedoch vereitelt ihren Suizidversuch. Fortan muss Charleen zu einem Psychologen in Behandlung. Das passt dem rebellischen Mädchen ganz und gar nicht. Doch im Wartezimmer trifft sie Linus, den Klassenstreber, den sie gar nicht leiden kann. Denkt sie zumindest... In seinem Debütfilm wartet Regisseur Mark Monheim nicht nur mit frechen Dialogen und morbidem Humor auf, sondern auch mit einem überzeugenden Cast, allen voran die sympathische Jasna Fritzi Bauer, die einmal mehr ihr großes Talent unter Beweis stellt. Man könnte sogar sagen, dass sie mit der Rolle der Charleen ihre Figur aus EIN TICK ANDERS fortführt. An Bauers Seite läuft u.a. Heike Makatsch in der Rolle der Mutter zu Hochform auf. Aber auch die anderen Mitglieder der Patchwork-Familie erweisen sich als handverlesen. Simon Schwarz als Charleens Biologie-Lehrer und neuer Freund ihrer Mutter mimt den etwas unterwürfigen Vegetarier, dessen Namen sich keiner merken kann. Aurel Manthei schließlich in der Rolle von Charleens Vater, der seine Gefühle am besten musikalisch ausdrücken kann. Punkten kann auch Sandro Lohmann als Charleens Klassenkamerad Linus, der sowohl etwas Nerdiges als auch etwas Verletzliches in sich trägt. Inszenatorisch wartet der Film immer wieder mit Überraschungen auf, speziell dann, wenn er das Publikum an Charleens morbiden Tagträumen teilhaben lässt. Denn schwarzer Humor macht das Leben einfach erträglicher. “Das Leben ist ein Geschenk”, sagt die Oma einmal zu Charleen – eine Erkenntnis, die das Teenager-Mädchen im Laufe des Films selber machen wird. Mit grandiosen Dialogen wie “Was würdest Du machen, wenn das Leben unendlich wäre?” – “Gar nichts mehr.” wird der Film zu einem originellen Plädoyer für die Liebe und das Leben, unterlegt mit sorgfältig ausgewählten Songs. Damit das Gefühl auch nicht zu kurz kommt. ABOUT A GIRL macht Spaß und unterhält großartig.

Er ist schon 76 Jahre alt und hat noch immer keine Heldentat vollbracht: Jacob Kaplan führt gemeinsam mit seiner Familie ein langweiliges Rentner-Dasein in einer jüdischen Gemeinde in Montevideo. Das die Zeiten nicht mehr besser werden und die Welt wohl bald ohne ihn auskommen muss, ist Kaplan wohl bewusst. Als er erfährt, dass sich angeblich ein alter Nazi am Strand von Uruguays herumtreibt, sieht er seine große Chance gekommen, vor seinem Abtreten die Welt ein bisschen besser zu machen. Gemeinsam mit dem Ex-Polizisten Wilson, der sich gerade in einer schweren Lebenskrise befindet, schmiedet er einen Plan, um den vermeintlichen Feind an Israel auszuliefern... Der deutsche Nebentitel “Ein Rentner räumt auf” trägt hier etwas zu dick auf. Denn Álvaro Brechners Tragikomödie ist eigentlich ein Film über das Älterwerden und weniger einer über einen Amok laufenden Rentner. Was die Komödie damit nicht schlecht macht – ganz das Gegenteil ist der Fall. Getragen wird sie von einem wunderbaren Ensemble, in dem insbesondere Héctor Noguera als Kaplan sowie Néstor Guzzini als treudoofer Wilson brillieren. Ihre Figuren wirken nicht gekünstelt, sondern überaus sympathisch. Die beiden geben ein herrliches Duo im Stil von Don Quichotte und Sancho Panza ab. Sinnbildlich zeigt eine Szene, in der Kaplan beim Augenarzt ist und mit einem Auge nur noch ganz verschwommen Umrisse erkennen kann, dass mit fortschreitendem Alter auch die Wahrnehmung immer verzerrter wird. So wird Kaplan am Ende des Films eine Überraschung erleben, mit der er nicht gerechnet hätte. Und er wird lernen, dass er die Welt eigentlich schon seit langer Zeit ein bisschen besser gemacht hat.

Die Zwillingsbrüder Lukas und Elias genießen die Sommerferien mit Abenteuerspielen rund um die abgelegene elterliche Luxusvilla. Die Unbeschwertheit ihrer Spiele wird jäh gestört, als ihre Mutter nach einem schweren Unfall mit komplett bandagiertem Kopf aus dem Krankenhaus in die Villa zurückkehrt. Einen Vater gibt es nicht. Den Zwillingen fällt es schwer, in der bandagierten und extrem strengen Frau ihre Mutter wiederzuerkennen. Ganz allmählich stellt sich bei den beiden die Gewissheit ein, dass eine andere Frau jetzt die Kontrolle übernommen hat. Sie schmieden einen Plan, mit dem sie der Unbekannten die Wahrheit entlocken wollen... Sphärische, Unheil verkündende Klänge liegen auf der Tonspur, während Lukas und Elias in einem großen, hochgewachsenen Maisfeld spielen. Die Kamera folgt Elias oder begleitet ihn parallel. Stille. Die Kamera nimmt Elias‘ Gesicht ins Visier und rückt ihm immer näher auf die Pelle. Da platzt Lukas in die Szene. Eine Schrecksekunde, die gleich zu Beginn des Films die düstere, unheimliche Atmosphäre heraufbeschwört, welche die folgenden 90 Minuten prägt. Dabei fängt der Film ganz kuschelig an: da ist ein Ausschnitt aus einem alten Farbfilm zu sehen, in dem eine Mutter mit ihren Kindern gemeinsam das Abendlied “Guten Abend, gute Nacht” vorträgt. Auch der Schluss des Films gibt sich wieder kuschelig: “Siehst Du wieviel Sternlein stehen...” wird jetzt gesungen. Doch für das, was dazwischen passiert, bedarf es schon starker Nerven. Veronika Franz und Severin Fiala inszenieren ihr menschliches Drama als waschechten Horrorfilm und bedienen sich dabei gekonnt gängiger Muster – allerdings ohne diese jemals ins Langweilige abdriften zu lassen. Viel abgeschaut haben die beiden hierfür von ihrem Landsmann Michael Haneke. So zeigt uns die Kamera manchmal atmosphärische Schnittbilder, während es auf der Tonspur zur Sache geht. Nichts kann den Horror der eigenen Phantasie überbieten! Franz und Fiala machen auch nicht den Fehler, den so viele ihrer amerikanischen Kollegen machen, die oft ganz unvermittelt zu Gewaltszenen übergehen, sondern bereiten solche Szenen von langer Hand vor, führen ihr Publikum behutsam dort hin. Die Wirkung erweist sich damit als wesentlich stärker – so stark sogar, dass man am liebsten die Augen schließen und die Ohren zuhalten möchte, um dem Terror zu entfliehen. Zart Besaitete seien vorgewarnt: ICH SEH ICH SEH tut weh. Als besonders effektiv erweist sich das Produktionsdesign dieses minimalistisch-intensiven Thrillers. Die Jalousien in der Luxusvilla sind immer geschlossen, an den Wänden hängen übergroße, unscharfe Schattenbilder, die Mutter läuft mit bandagiertem Kopf durch das Haus. Wohlfühlfaktor gleich Null. Perfekter Nährboden für den schleichend beginnenden Familien-Horror. Der Filmtitel spielt laut Aussage des Regie-Duos übrigens auf das bekannte Kinderspiel “Ich sehe etwas was Du nicht siehst” an und damit auf die unterschiedliche Sichtweise der Welt, die ein jeder hat. Mehr sei hier jetzt aber nicht verraten. Alpträume garantiert.