Rike, Notärztin aus Köln, startet in Gibraltar auf einen Törn als Einhandseglerin mit dem Ziel, eine exotische Insel zu erkunden. Nach einem Sturm ändert sich jedoch alles: sie sieht sich plötzlich mit einem Flüchtlingsschiff konfrontiert, das unterzugehen droht. Per Funk fordert sie Hilfe an, muss aber bald schon feststellen, dass man sie mit dem Problem ganz alleine lässt... Es dauert bis etwa zur Hälfte des Films, bis endlich klar wird, worum es Regisseur Wolfgang Fischer eigentlich geht. Bis dahin beobachten wir kleine Äffchen, die durch eine Hafenstadt auf Gibraltar streifen, einen Unfall mit anschließender Versorgung durch Sanitäter und Rettungsärztin und schließlich Letzere bei ihrem Solo-Segeltörn mitsamt Sturm auf hoher See. Erst danach konfrontiert Fischer seine Protagonistin mit der eigentlichen Katastrophe in Form eines havarierten Schiffes voller afrikanischer Flüchtlinge. In seinem Kammerspiel auf hoher See wird Notärztin Rike aus ihrer heilen Welt gerissen und muss erkennen, dass wirtschaftliche Interessen mit humanitären Grundsätzen konkurrieren. Tolle Bilder, eine faszinierende Tonebene und eine starke Heldin zeichnen den Film aus.

Weil das Bettchen von Findus offenbar inzwischen zu klein ist, bastelt ihm Pettersson ein neues, größeres. Von nun an tut Findus nichts lieber als den ganzen Tag auf der Matratze herumzuhüpfen – und sogar in der Nacht. Das nervt den alten Pettersson so gewaltig, dass er beschließt, dem kleinen Findus ein eigenes kleines Häuschen zu bauen... Die bereits dritte Live-Action-Verfilmung der berühmten “Pettersson und Findus”-Bücher widmet sich auf herzerweichende Weise dem Themenkomplex Pubertät. Skurril und lustig wird es, wenn Pettersson auf der Leitung steht und tatsächlich glaubt, dass ihn der jetzt groß gewordene Findus abgeschrieben hat. Am Ende wird klar, dass nicht nur die Kleinen die Großen brauchen, sondern ebenso umgekehrt. Großen Spaß machen wie immer die winzigen Muklas, die sich heuer als Musiker versuchen und damit den größtmöglichen Krach erzeugen. Echt putzig.

Ron Stallworth ist Anfang der 1970er Jahre der erste afroamerikanische Polizist in Colorado Springs. Um sich einen Namen zu machen, startet er eine beispiellose Mission: er infiltriert den Ku-Klux-Klan, um ihn bloßzustellen. Telefonisch nimmt er Kontakt zur lokalen Gruppe der Rassistenvereinigung auf. Weil er mit seiner Stimme den hasserfüllten Rassisten so überzeugend darstellt, gewinnt er schnell deren Vertrauen. Die persönlichen Treffen mit den Mitgliedern überlässt Stallworth seinem weißen Kollegen, der sich als Stallworth ausgibt. Die Beiden erhalten damit hoch prekäres Insiderwissen... Es ist kaum zu glauben, dass sich diese Geschichte tatsächlich ereignet hat. “This Shit Really Happened” steht in großen Lettern zu Beginn des von Spike Lee inszenierten Films, der mitunter wie eine Farce anmutet, es aber längst nicht ist. BLACKKKLANSMAN ist Lees bissiger Kommentar zu Donald Trumps Schlachtruf “America First!”. So stellt er das Ende seines Films, der in den 1970er-Jahren spielt, in direkten Zusammenhang mit den Rassenunruhen in Charlottesville im vergangenen Jahr. Leider geht sehr viel vom Original, das natürlich vom Duktus der Sprache der Schwarzen lebt, in der deutschen Synchronisation verloren, so dass hier eine untertitelte Fassung im englischen Original sehr zu empfehlen ist. Beeindruckend: die Filmmusik von Terence Blanchard, der Jazzklänge mit großem Orchester kombiniert und damit an die Scores eines Quincy Jones erinnert. Lees neuer Film ist spannende Unterhaltung zu einem nach wie vor hochaktuellen Thema.

Vier beste Freundinnen im fortgeschrittenen Alter treffen sich regelmäßig in ihrem Buchclub, um gemeinsam Bücher zu diskutieren. Als “50 Shades of Grey” auf dem Programm steht, hat das ungeahnte Folgen. Denn die vier alten Damen reaktivieren plötzlich wieder ihr Liebesleben – mit allen Vor- und Nachteilen. In seiner “Best Ager”-Komödie hat Regisseur Bill Holderman alles rekrutiert, was noch auf zwei Bbeinen stehen kann! So zumindest scheint es in diesem recht schwerfälligen Film, der sich darin gefällt, intime Details stets in Metaphern zu verpacken, weil Klartext einfach viel zu “shocking!” wäre (Merke: es handelt sich um einen amerikanischen Film!). Jetzt müssen also Diane Keaton, Jane Fonda, Candice Bergen und Mary Steenburgen, allesamt schon recht betagt, herhalten, um diesen seniorengerechten Film zu stemmen. Allerdings darf bezweifelt werden, dass die Zielgruppe bis zum Ende des Films durchhält.

Hohe Arbeitslosigkeit prägt Anfang der 1980er Jahre die Oberpfalz. Um die Menschen wieder in Lohn und Brot zu bringen, kommt dem Landrat Hans Schuierer ein verlockendes Angebot der Bayerischen Regierung wie gerufen: in Wackersdorf soll eine atomare Wiederaufbereitungsanlage (WAA) gebaut werden. Wie gefährlich dieses Projekt ist, wird Schuierer erst ganz allmählich bewusst. Als die Arbeiten bereits begonnen haben, versucht er das Projekt zu stoppen. Der Regierung Strauß ist der Landrat ein Dorn im Auge, den es mit allen Mitteln zum Schweigen zu bringen gilt... Oliver Haffners Film macht einen richtig wütend, wenn man sieht, wie der Machtapparat der bayerischen Landesregierung unter Franz Josef Strauß hemmungslos und ohne Rücksicht auf Verluste das Großprojekt WAA Wackersdorf durchdrücken wollte. Der von Johannes Zeiler dargestellte Landrat Hans Schuierer bewies als einer der Wenigen Rückgrat und stellte sich vehement gegen das von ihm anfangs favorisierte Projekt. Ohne viel Pathos schildert Haffner Schuierers Kampf gegen die atomare Wiederaufbereitungsanlage, der zum Symbol der zivilen Widerstandsbewegung in der BRD wurde. An Originalschauplätzen gedreht, verwendet Haffner nur sehr wenig Bildmaterial aus dieser Zeit und setzt dieses nur ganz punktuell ein. WACKERSDORF ist weniger großes Kino als vielmehr Aufarbeitung einer wilden Zeit und gleichzeitig eine Art Mahnmal. Denn was damals passierte, wäre ganz sicher auch heute wieder denkbar.

Als Berthold Brecht sein erfolgreiches Theaterstück “Die Dreigroschenoper” gemeinsam mit seinem Kollegen Kurt Weill in einen Kinofilm umwandeln möchte, treten alsbald schwere künstlerische Differenzen zwischen dem Autor und dem Filmproduktionsstudio zutage... Etwas muss man Regisseur Joachim Lang lassen: er hat ein gutes Gespür für imposante Bilder. So erinnert seine Interpretation des Brecht’schen Oeuvres durchaus an jene von Baz Luhrmanns MOULIN ROUGE. Beide Filme strahlen einen ganz besonderen Surrealismus aus, eine Mischung aus Realität und Traum. Was aber die Freude an den großen Bildern trübt ist die Filmmusik. Die ertönt fast ohne Pause über die gesamte Länge des Films, so als würde der Komponist nach der Anzahl gelieferter Noten bezahlt. Das ist auf Dauer leider echt strapazierend, zumal dramaturgisch auch kein Grund für diese Vorgehensweise erkennbar ist. Und was noch viel schlimmer ist: die meisten der Weill’schen Songs sind nicht oder nur sehr schwer zu verstehen – immer dann, wenn die Lieder von Schauspielern vorgetragen werden, die über keine ausgebildete Gesangsstimme verfügen. Den Unterschied hört man sofort, wenn Max Raabe in einem Gastauftritt singt: alles glasklar verständlich. Ansonsten aber ist die Besetzung wirklich gelungen. Lars Eidinger gibt den recht arrogant wirkenden Brecht, Tobias Moretti den schmierigen Mackie Messer und Hannah Herzsprung sein Objekt der Begierde. Dass man für die wenigen und fast ausschließlich im Hintergrund zu sehenden Tanzeinlagen die renommierte Stuttgarter Eric Gauthier Tanztruppe engagiert hat, ist verwunderlich. Da hätte sicher auch das Fernsehballett gereicht. Insgesamt ist Langs Film fast zu politisch und zeitkritisch geworden, was man mögen muss, um den Film mit seinen 130 Minuten durchzustehen.

Acht Jahre ist es her, dass Liam Page die Hochzeit mit seiner Freundin Josie Preston platzen ließ, um sich auf seine Karriere als Country-Sänger zu konzentrieren. Der plötzliche Tod eines alten Kameraden führt ihn jetzt wieder zurück nach Saint Augustine in Louisiana. Als er wieder Josie begegnet, muss er feststellen, dass sie zwar immer noch Single ist, aber Mutter einer reizenden Tochter ist. Und die Kleine ist gerade einmal sieben Jahre alt. Liam zählt Eins und Eins zusammen... Wenn etwas aus diesem Film heraussticht, dann ist es der unwiderstehliche Charme der kleinen Abby Ryder Fortson, die als uneheliches Kind der beiden Protagonisten jedes Herz sofort dahinschmelzen lässt. Alles andere in diesem Film unterliegt den strengen Herz-Schmerz-Richtlinien, mit denen Drehbuch und Regie (beides unter den Fittichen von Bethany Ashton Wolf) die Tränendrüsen der Zuschauer regelrecht bombardiert. Das Ganze wird angereichert mit rockiger Country-Musik, die teilweise von Hauptdarsteller Alex Roe selbst gesungen wird.

Amerika im postapokalyptischen Zeitalter. Ein sich in Trennung befindliches Ehepaar versucht sich nach Milwaukee durchzuschlagen. Auf ihrem gefährlichen Weg müssen sie sich mit allerlei marodierenden Gangs auseinandersetzen – ein tödliches Unterfangen... Als wäre es eine Rückkehr in die gute alte Zeit der Trashfilme der 1980er-Jahre – Mike P. Nelsons Endzeitthriller THE DOMESTICS ist altmodisch inszeniertes Action-Kino, bei dem MAD MAX und Konsorten offensichtlich Pate gestanden haben. Angereichert mit den genrespezifischen Brutalitäten, die eine Freigabe ab 18 Jahren nach sich ziehen werden, wäre ein solcher Film in der Pionierzeit der VHS-Cassetten vermutlich zu einem Verleihhit geworden. Heutzutage wirkt das alles leider nur noch altbacken. Die Handlung lässt sich in zwei Zeilen packen (und das ist dann schon viel!) und die Darsteller sind nichts weiter als Abziehbilder. Wenigstens taugt die Kameraarbeit, auch wenn sie ständig darum bemüht ist, ihren Vorbildern zu huldigen. Erstaunlich ist, dass dieser Film tatsächlich in die Kinos kommt und nicht sofort als Ramsch-DVD in den Wühltischen der Kaufhäuser landet.

Weil die Eltern ihre Goldene Hochzeit feierlich begehen wollen, strömt die gesamte Familie in deren Haus auf einer kleinen Mittelmeerinsel. Was eigentlich bereits nach dem Mittagessen enden sollte, erhält eine unfreiwillige Verlängerung: aufgrund schlechten Wetters gibt es vorerst keine Fähren mehr zurück aufs Festland. Die Großfamilie ist auf Gedeih und Verderben auf sich gestellt... Man liebt sie genauso sehr wie man sie fürchtet: Familienzusammenkünfte. Ein Jeder wird ein Lied davon singen können. Man trifft auf Verwandte, die man eigentlich gar nicht treffen möchte und macht gute Miene zum bösen Spiel. Oder auch umgekehrt. In Gabriele Muccinos Drama verhält sich das nicht anders. Auch hier treffen Familienmitglieder aufeinander, die sich schon seit langer Zeit nicht mehr gesehen haben. Erinnerungen werden wach, brach liegende Gefühle brechen sich Bahn. Und wie könnte es bei Italienern anders zugehen als laut! Mit einem gut ausgesuchten Ensemble exerziert Muccino die Zusammenkunft durch, bei der Geheimnisse ans Tageslicht kommen und neue Liebesbande geschlossen werden. Es wird gelacht, es gibt Tränen, es wird gesungen, es wird heftig geflirtet und es wird geliebt in diesem hermetisch nach außen abgeriegelten Mikrokosmos. Am Ende werden Entscheidungen getroffen, Beziehungen beendet und neue geknüpft. Der ganz normale Wahnsinn, platziert auf einer idyllischen Mittelmeerinsel. Es ist kein großer Film, den Muccino hier inszeniert und mit Nicola Piovanis altmodisch klingenden Orchesterklängen unterlegt. Aber einer, der viel Identifikationspotenzial bietet. Und das ist doch schon was.

Der selbsternannte Piratenkapitän Sharky muss mal wieder vor seinen Widersachern fliehen. Gemeinsam mit dem ängstlichen Michi und der lebhaften Admiralstochter Bonnie segelt er mit seinem Schiff damit in ein großes Abenteuer... Manchmal fragt man sich schon ernsthaft, warum ein Film überhaupt ins Kino kommt. Und mit Kino meine ich jenen Erlebnisort, an dem etwas vollkommen anderes passiert als in der Fernsehstube in den heimischen vier Wänden. Kino ist nämlich genau der Ort, wo ein Film erst so richtig zur Geltung kommt. Jedenfalls wenn es die Filmemacher möchten. Bei Jan Stoltz‘ und Hubert Weilands Computeranimationsfilm KÄPT’N SHARKY lautet die berechtigte Frage: warum überhaupt erst ins Kino und nicht sofort per Stream in die Wohnzimmer? Denn die Tonspur des Films ist ohne jegliche Dynamik und Transparenz angefertigt und wurde obendrein mit viel zu geringem Pegel auf das DCP gepackt. Die Vermutung liegt nahe, dass die Macher dadurch sicherstellen wollten, dass der Film zu jeder Sekunde kindgerecht bleibt – zumindest was die Tonspur angeht. So etwas wäre beispielsweise in Amiland undenkbar. Dort nämlich gehen Groß und Klein ins Kino, um richtig was zu erleben. Da darf es durchaus auch mal laut sein und von den Surroundlautsprechern tönen! Ein solcher Spaß aber wird deutschen Kids mit KÄPT’N SHARKY leider nicht zuteil. Nicht nur die sind zu bedauern, auch der Komponist der Filmmusik, Stefan Maria Schneider, der einen ziemlich ambitionierten Score liefert, bei dem offenbar FLUCH DER KARIBIK Pate stand und nun in der Bedeutungslosigkeit irgendwo im Hintergrund untergeht. Da wird vorhandenes Potenzial einfach nicht ausgeschöpft, was sehr bedauerlich ist. Was den Film selbst angeht, so wird die Geschichte in angenehmen 73 Minuten Laufzeit weitestgehend kleinkindgerecht verpackt, auch wenn hier und da nicht immer alles aufgelöst wird (Achtung Eltern: Kinder werden Fragen stellen!). Die Animationstechnik ist einfach gehalten und damit weit entfernt vom Goldstandard der Pixar-Filme.

Tag für Tag rackert sich Gärtner Georg “Schorsch” Kempter für nichts und wieder nichts ab. Nicht nur die abstrusen Wünsche seiner Kunden plagen ihn, auch lässt deren Zahlungsmoral sehr zu wünschen übrig. So sehr, dass sein innig geliebtes Sportflugzeug plötzlich vom “Pleitegeier” geziert wird. Da packt den Bayer der ganze Frust und die Wut und er macht sich mit dem Flugzeug auf gen Norden, um das Nordkap zu sehen. Unterwegs begegnet er ganz besonderen Menschen wie der jungen Philomena, Tochter reicher Eltern, die sich im Flugzeug einnistet und ihn auf seiner Reise begleitet... Mit exzellenten Kinobildern präsentiert Florian Gallenberger seine Verfilmung des Romans von Jockel Tschiersch über einen alten Gärtner, der aus seinem bisherigen Leben ausbricht und durch viele Begegnungen am Ende sein Herz für das Glück öffnet. Elmar Wepper spielt den Griesgram, der sich mit seinem Motorsegler auf und davon macht, sehr überzeugend. Für seine Figur entwickelt man sehr schnell viel Sympathie und Mitgefühl. Das funktioniert auch hervorragend im Zusammenspiel mit der burschikosen Emma Bading, die als Philomena den Flieger aus seiner Lethargie lockt. Erwähnenswert ist auch die Filmmusik von Enis Rotthoff, die dem Film den perfekten emotionalen Unterbau liefert. Durch sein überraschendes Ende verzeiht man der Geschichte sogar ihren kleinen Kitschfaktor. Fazit: deutsches Unterhaltungskino, das sich auf der großen Leinwand anzuschauen lohnt.

Frank und Lindsay sind wie Hund und Katze. Die beiden treffen sich zufällig am Flughafen, noch nicht ahnend, dass sie beide zur selben Hochzeit eingeladen sind. Und sie haben viele Gemeinsamkeiten: beide hassen die Braut, den Bräutigam und sich selber. Was sie noch nicht wissen: sie werden nicht mehr voneinander lassen können... Welchen Sinn macht es, ein Zwei-Personen-Theaterstück auf die CinemaScope-Bildwand zu bringen? Victor Levins Komödie über zwei Zyniker, die sich nach großen Anlaufschwierigkeiten dann doch noch finden, ist ganz sicher nicht der Stoff, aus dem Filme gemacht werden. Die zumeist statischen Bilder erinnern zu sehr an inszeniertes Theater. Und das lebt natürlich von den Darstellern. Keanu Reeves und Winona Ryder liefern sich hier zwar exzellente Wortgefechte, haben aber außer einem Fick in freier Natur nicht viel anderes zu tun. Die Zwischenräume zwischen zwei Szenen werden mit belanglosen Bildern aufgefüllt, die von noch belangloserer Filmmusik (Stichwort: mexikanische Fahrstuhlmusik) unterlegt sind. DESTINATION WEDDING reiht sich irgendwo zwischen Woody Allen und Eric Rohmer ein, allerdings nicht in deren Qualität. Wer Reeves und Ryder gerne beim gegenseitigen Bekappeln zusieht, kommt sicherlich auf seine Kosten. Wer etwas mehr vom Kino erwartet, wird enttäuscht.

In seiner 83minütigen Dokumentation porträtiert Filmemacherin Alison Chernick einen der bedeutendsten Violinvirtuosen unserer Zeit – den in die USA immigrierten Israeliten Itzhak Perlman. Unkommentiert zeigt sie Bilder aus seinem Leben, das sich zwischen Konzerten, Tonaufnahmen und Unterrichten dreht. Aber auch sehr persönliche Dinge werden gezeigt: Feiern mit der Familie, traute Zweisamkeit mit seiner Frau und seinem Hund oder ein Treffen mit dem Schauspieler Alan Alda, für den Perlman kocht. Alda erzählt ihm, dass auch er wie Perlman früher an Polio litt. Doch im Gegensatz zu ihm fand bei Perlman keine Heilung statt. Seither sitzt der Musiker im Rollstuhl oder bewegt sich mühsam auf Krücken. Dass ihm seine Violine unglaublichen Spaß macht, erkennt man im Funkeln seiner Augen, wenn er voll in seinem Element ist. Natürlich gibt es in Chernicks Porträt auch jede Menge musikalischer Kostproben, die verdeutlichen, warum Perlman zu den besten seines Faches gehört. Seine Begeisterung für Musik versucht er in seiner eigenen Musikschule seinen Schülern weiterzugeben, ihnen die Augen zu öffnen für Kultur und einen Weg zu zeigen, wie man sein Instrument entdeckt. Denn, so Perlman, ein Instrument oder ein bestimmter Klang schlummert in jedem. Ergänzt werden die zeitgenössischen Bilder durch Archivmaterial, das die Laufbahn des Künstlers nachzeichnet.

Nach dem rätselhaften Tod seiner Schwester kehrt der Irak-Veteran Gabriel nach Hause zurück. Getrieben von dem Gedanken, sein brutaler Großvater habe sie auf dem Gewissen, fasst er den Entschluss, ihn zu töten. Doch seine Pläne werden durchkreuzt... Damian John Harpers Sozialdrama im Thriller-Format ist richtig anstrengend. Das liegt vor allem an den vielen Szenen, die fast ohne Schnitte auskommen und in denen die Kamera die Protagonisten auf Schritt und Tritt begleitet. Das bringt natürlich gewollt Unruhe in die Bilder, die durch ein entsprechendes Sounddesign unterstützt werden. Man muss da schon genau aufpassen, wer da wer ist und in welcher Beziehung die verschiedenen Personen zueinander stehen. Gewalt ist hier ein dominierender Faktor, was den Film zwar ziemlich realistisch wirken lässt, aber für den Zuschauer letztendlich fast schon zu einer Art von Psychoterror wird. Ganz sicher nicht der Film für den entspannten Feierabend.

Die israelische Mossad-Agentin Naomi soll die libanesische Informantin Mona, die sich nach einer Gesichtsoperation in einer geheimen Hamburger Wohnung ausruht, beschützen. Während der zwei Wochen kommen sich die beiden Frauen, die zum Spielball politischer Machtinteressen werden, näher... Immer wieder versucht Regisseur Eran Riklis das Publikum auf eine falsche Fährte zu locken. Sei es in Form des Arabers, der von seinem Kiosk aus immer wieder beobachtende Blicke auf Naomi wirft, oder in Form eines Interessenten, der angeblich eine Wohnung besichtigen will, oder in Form des ständig klingelnden Telefons, an dessen anderem Ende sich offensichtlich jemand verwählt hat, usw. Eben falsche Fährten, um die Spannung zu erhöhen. Doch diese Ablenkungsmanöver sind derart leicht als solche zu durchschauen, dass sie fast schon wieder ärgerlich sind. Hinzu kommen ziemlich viele Logikfehler, durch die die Glaubwürdigkeit der Geschichte deutlich abfällt. Und das Ende? Nun, darüber darf man sich den Kopf etwas zermartern. Insgesamt etwas unbefriedigende Kinounterhaltung.

Von Einem der auszog, die Freiheit zu finden – so oder ähnlich könnte man Christian Vogels (fast) Alleingang titulieren. Der junge Biker entschließt sich, einmal um die ganze Welt mit seinem Motorrad zu reisen. Dafür lässt er den Job sausen, macht Pause von der Freundin und stürzt sich Hals über Kopf in sein bislang wohl größtes Abenteuer. Die Kamera ist dabei natürlich sein ständiger Begleiter. Denn schließlich soll sich die Mühe ja lohnen und mit einem abendfüllenden Kinofilm belohnt werden. So wandelt der Jungfilmer auf den Spuren des Überraschungshits WEIT, der sich im Eigenverleih zum Publikumsliebling mauserte. Vogel jagt von den USA über Kanada bis nach Alaska, über die Mongolei nach Indien, dann Pakistan, Türkei, Österreich, Spanien und schließlich wieder in die Heimat Deutschland. Und jagen ist das richtige Wort. Denn der Schnitt lässt dem Zuschauer kaum Zeit zum Durchatmen, so schnell wechseln Bilder und Locations in diesem Film. Ein Höllenritt ohne Pause quasi. Das muss man mögen, denn sonst artet es in Stress aus. Etwas überbeansprucht: die Filmmusik, die kaum einmal zur Ruhe kommt und zudem Abschieds- und Wiedersehensszenen emotional überfrachtet. Die vielen Menschen und Helfer, die Vogel während seiner zigtausend Kilometern trifft, werden nur kurz angerissen – “Hello” und “Goodbye” liegen hier verdammt dicht beieinander. Ruhe kehrt nicht einmal ein, wenn Vogel unfallbedingt ein paar Wochen in Indien verweilen muss. Denn jetzt geht der Stress los, um die wichtigen Ersatzteile aus Deutschland möglichst kostengünstig nach Indien einzuführen – eine Aufgabe, bei der Vogels Freundin das Ruder übernimmt. Neben seiner Mutter ist sie die einzige Person, die immer wieder mit Interviewsegmenten eingestreut wird und die Sachlage aus ihrer Sicht schildert. Mit 122 Minuten Spielzeit überstrapaziert der Filmemacher am Ende sein Publikum, das immerhin eine wichtige Erkenntnis mit nach Hause nehmen kann. Denn um die Kinder festzuhalten, so Mama Vogel, muss man sie loslassen.