Annie und Duncan sind schon lange ein Paar, aber ihre Liebe ist ohne jede Leidenschaft. Duncans einziges Interesse gilt dem Rockstar Tucker Crowe, der vor Urzeiten nur ein einziges Album produziert hat. Der Zufall will es, dass ausgerechnet Annie mit genau diesem Rocker eine E-Mail-Freundschaft beginnt... Zwar gibt es im Film ein paar wenige schöne Momente, doch fehlt es ihm insgesamt leider ziemlich an Pep. Die Geschichte ist weitgehend vorhersehbar, wodurch sich der Film nur für solche Zuschauer empfiehlt, die sich nicht gerne überraschen lassen.

Eigentlich wollte der 80jährige Ali Ungar Rache für seine Eltern nehmen, die im Holocaust ermordet wurden. Doch er findet nur den Sohn jenes Offiziers, der dafür verantwortlich war. Georg Graubner stellt sich als Schwerenöter und Bonvivant heraus und ist damit das genaue Gegenteil von Ali. Georg aber packt die Gelegenheit beim Schopfe und heuert Ali an, ihn als Dolmetscher zu begleiten, um in der Slowakei endlich das dunkle Kapitel in der Geschichte seines Vaters aufzuklären. Die beiden Männer begeben sich auf eine intensive Zeitreise... Mit Jirí Menzel und Peter Simonischek hat Martin Sulik zwei bemerkenswerte Darsteller gefunden, die diese Geschichte einer Vergangenheitsbewältigung überzeugend tragen. In der Konstellation Opferkind und Täterkind müssen beide im Laufe des Films feststellen, dass sie im jeweils Anderen endlich den Zuhörer gefunden haben, den sie schon ein Leben lang suchen.

Nachdem ihre kleine Tochter und ihr Ehemann von brutalen Gangstern erschossen wurden und die Justiz versagt, die Schuldigen ihrer gerechten Strafe zuzuführen, beschließt Riley North selber zu handeln. Ob korrupter Richter oder Kartellboss – ein jeder bekommt jetzt sein Fett ab... Schon wieder ein Racheengel! Und was für einer. Zugegeben – Jennifer Garner sieht toll aus in ihren engen Klamotten und Tank Top. Aber das Drehbuch geht etwas zu weit, indem es aus einer Frau, die gnadenlos Selbstjustiz ergreift und Leichenberge aufhäuft, schon fast eine Heilige macht. Das Quartier im Elendsviertel, in dem sie untergetaucht ist, ist seit ihrer Ankunft dort von Kriminalität befreit! Sie ist einfach nur ein Gutmensch, der auch gerne zwischendurch mal einem alkoholkranken Vater seinen Erziehungsauftrag nochmal klar macht – mit vorgehaltener Knarre natürlich. Regisseur Pierre Morel inszeniert seinen Rachethriller ohne viel Schnickschnack, aber auch ohne große Spannung. Da gibt es nichts zu verpassen, wenn man zwischendurch mal ein Nickerchen hält. Aber ganz unter uns: für einen solchen Film ist die Lebenszeit einfach zu kurz.

Eigentlich sollte Stephanie nur einen Abend lang auf den kleinen Sohn ihrer besten Freundin Emily aufpassen. Doch jetzt fehlt von ihr schon seit fünf Tagen jedes Lebenszeichen. Weder ihr Mann noch ihr Arbeitgeber weiß von ihrem Verbleib. Mittels ihrem Vlog bittet Stephanie alle ihre Follower um Mithilfe. Tatsählich erhält sie ein paar nützliche Hinweise. Allerdings beginnt die gutgläubige Single-Mom bald schon daran zu zweifeln, dass sie die wahre Emily tatsächlich gut kennt... Unterstützt von einer exzellenten Tonspur, die viele französische Pop-Songs enthält (eine Anspielung auf den französischen Thriller DIE DIABOLISCHEN, der hier Pate stand), wagt Regisseur Paul Feig den Spagat und vereint sowohl Komödie als auch knallharten Thriller in seinem Film. Der Spagat gelingt: NUR EIN KLEINER GEFALLEN unterhält prächtig mit seinen nicht vorhersehbaren Plot Twists und einer zu Hochform auflaufenden Anna Kendrick (unbedingt im Original anschauen!). Auch wenn der Film zum Ende hin ein wenig zu viele Purzelbäume schlägt, überwiegt der überaus positive Eindruck. Der Gang ins Kino lohnt.

Wiktor, ein begabter Komponist, und Zula, eine seiner Studentinnen, beginnen eine Liebesaffäre zur Zeit des polnischen Wiederaufbaus. Die beiden beschließen, sich in den Westen abzusetzen. Doch Zula taucht zum verabredeten Zeitpunkt nicht auf. Wiktor setzt sich alleine ab. Jahre später treffen sich die beiden in Paris wieder.. Die auf altes Stummfilmformat kadrierten Schwarzweißbilder reflektieren den inneren Zustand der fatalen Liebe zwischen Zula und Wiktor: kalt und eingeengt wirken sie. Sie können nicht miteinander leben, aber auch nicht ohneeinander. Diese Zerrissenheit dominiert Pawel Pawlikowskis intensives Liebesdrama vor dem Hintergrund des Kalten Krieges. Ein existentielles Drama mit Sogwirkung. Auf der Tonebene glänzt der Film mit einem geradezu spektakulären und sehr dynamischen Soundtrack. COLD WAR ist bestes Arthouse-Kino.

Kurz vor dem Launch seines bahnbrechenden Apparats, mit dem man Gedanken in Bild und Ton aufnehmen und wiedergeben kann, wird der Wissenschaftler Gordon Dunn tot aufgefunden. Der kleinwüchsige Modellbauer Sam Bloom gibt sich Dunns Witwe gegenüber als jemand aus Gordon Dunns Vergangenheit aus und entwendet heimlich das Gerät, um auf eigene Faust das Rätsel zu lösen... Wer Douglas Trumbulls überragenden Sci-Fi-Thriller PROJEKT BRAINSTORM kennt, dem kommt Mark Palanskys REMEMORY wie die Arme-Leute-Version dieses Films vor. Palanskys Film bietet zwar ein paar gute Ansätze zum Thema “Erinnerungen auf Video aufzeichnen”, aber er kriegt nicht so richtig die Kurve, hat nicht den richtigen Biss. Zu oft läuft sein Film in einer Art Endlosschleife und liefert am Ende eine fast schon zu erwartende Lösung. Für die visuellen Effekte war offensichtlich kein großes Budget vorhanden, die wirken ziemlich billig, Was also bleibt von REMEMORY? Vermutlich nur Anton Yelchin, der einmal mehr in seiner letzten Filmrolle zu sehen ist.

Österreich 1937. Der 17jährige Franz Huchel tritt auf Geheiss seiner Mutter eine Lehrlingsstelle als Trafikant in Wien an. Bei Otto Trsnjek lernt Franz alles, was er als Tabakverkäufer wissen muss. Und er lernt Professor Sigmund Freud kennen, der Stammkunde bei Trsnjek ist. In ihm findet Franz einen guten Zuhörer und einen sachkundigen Berater, wenn es um die Liebe geht. Die setzt Franz ziemlich zu, als er die hübsche Anezka kennenlernt und wieder aus den Augen verliert. Aber er ist fest entschlossen, sie wieder zu finden. Mit dem Einmarsch von Hitlers Truppen in Österreich ändert sich jedoch alles... Mit atemberaubenden Bildern im CinemaScope-Format zieht Kameramann Hermann Dunzendorfer den Zuschauer förmlich in diesen dramatischen Film hinein. Es sind teils wunderschöne, aquarellfarbene Bilder, dann wieder alptraumhafte, düstere Bilder, mit denen Nikolaus Leytner seinen Film nach dem Roman von Robert Seethaler inszeniert. Es ist die Coming-of-Age-Geschichte eines jungen Mannes, der nicht nur seine ersten und vor allem bitteren Erfahrungen mit der Liebe machen muss, sondern nach dem Anschluss Österreichs an das Deutsche Reich auch Zivilcourage beweisen muss. Auch wenn in der Geschichte zwischendurch immer wieder Humor aufblitzt (insbesondere durch die Person des Sigmund Freud), sollte man sich nicht täuschen lassen: die Grundstimmung ist äußerst depressiv und alles andere als Wohlfühlkino. Und er ist im Grunde genommen hochaktuell, wenn man sich die derzeitige politische Lage vergegenwärtigt. Anspruchsvolles Kino zum Nachdenken.

Als ein Hackerangriff auf den Britischen Geheimdienst sämtliche Geheimagenten enttarnt, sieht sich die Premierministerin dazu gezwungen, längst im Ruhestand befindliche Agenten wieder zu rekrutieren, um den Hacker dingfest zu machen. Dumm nur für alle Beteiligten, dass ausgerechnet Johnny English als Einziger übrigbleibt, um den Fall zu lösen. Gott helfe England! - Auch der dritte Film der JOHNNY ENGLISH Reihe macht wieder klar, dass Rowan Atkinson mehr ein Mann der kurzen Sketche und weniger ein Mann für einen abendfüllenden Spielfilm ist. Dennoch kann mit ein paar herrlichen Pointen auftrumpfen, die fast allesamt in die Kategorie “Retro” gehören. Denn Johnny English setzt gerne auf umweltverpestende Ölschleudern und nicht etwa auf Elektroautos, lehnt Handys ab und wirft stattdessen lieber Unmengen von Kleingeld in das Münztelefon oder vergisst in Windeseile seinen eben spontan ausgedachten Decknamen. Die wohl schönste Sequenz im Film kommt ziemlich am Anfang des Films. Darin trifft English auf drei noch wesentlich ältere bis vergreiste Geheimagenten, die von den guten alten technischen Tricks schwärmen und die English in seiner Trotteligkeit aus Versehen auslöscht. Leicht verdaubare Agentenkomödie mit Durchhängern.

Leningrad Anfang der 1980er-Jahre. Es herrscht Sommer. Bei den jungen Leuten kursieren Alben von Bowie, Blondie oder Lou Reed – natürlich im Verborgenen. Doch die Underground-Rock-Szene brodelt. Mike und seine Frau Natascha sind Teil dieser Szene. So lernen sie Victor kennen, einen charismatischen Musiker. Gemeinsam werden sie den Rock’n Roll vorbei an staatlich kontrollierten Konzerten in der Sowjetunion für immer verändern... Regisseur Kirill Serebrennikow nimmt die Geschichte der russischen Rock-Band “Kino” als Basis für einen berauschenden Film, der das Lebensgefühl der russischen Jugend kurz vor der Perestroika einfängt. Immer wieder wagt er es, mit amerikanisch-britischem Rock seinen Film durch überlagerte Animationen in einen mitreissenden Video-Clip zu verwandeln. Viele Szenen kommen ohne Schnitte aus und die überwiegend schwarzweißen Bilder nutzen das Scope-Format. Nur ab und zu schleicht sich etwas Farbe in den Film, mal ganz dezent, mal knallig bunt. Trotz seiner Länge von 128 Minuten ist man überrascht, dass der Film schon zu Ende ist. Noch eine kleine Anmerkung zum Bildformat. Hier wählten Kirill Serebrennikow und sein Kameramann Vladislav Opelyants dasselbe Aspect Ratio, das Quentin Tarantino für THE HATEFUL 8 verwendete. Was aber bei Tarantino technische Gründe hatte (Stichwort: Ultra Panavision), ist hier künstlerischen Aspekten geschuldet. Denn wann immer Serebrennikows seine Bilder mit Animationen bereichert, ragen diese teilweise in die schwarzen Balken am oberen und unteren Bildrand hinein. Den sich dadurch ergebenden Effekt der räumlichen Erweiterung nutzte auch Disney bereits bei einigen 3D-Filmen.

Als der kleine Sohn eines in Ungnade gefallenen Soldaten in den Besitz eines Pakets gelangt, in dem sein Vater die Überreste der Ausrüstung eines außerirdischen Predators beiseite geschafft hat, lädt er damit ungewollt weitere Predatoren ein... Etwas mehr als 30 Jahre ist es inzwischen her, dass Arnold Schwarzenegger mit einer kleinen Söldner-Gruppe Jagd auf den ersten Predator der Filmgeschichte machte. Der von John McTiernan inszenierte Action-Film avancierte im Lauf der Zeit zu einem Kultfilm, insbesondere auch Dank der faszinierenden Tonspur, die ganz bewusst auf die in den Kinos installierten Subwoofer setzte. Nach ein paar nicht nennenswerten Fortsetzungen und Variationen, die es ins Kino geschafft haben, versucht jetzt der renommierte Drehbuchautor Shane Black das PREDATOR Franchise gefühlt wieder dort aufzugreifen, wo es einmal angefangen hat: mit einem kleinen Trupp tapferer Soldaten, die sowohl gegen die Aliens als auch gegen ihre Vorgesetzten antreten müssen. Black, der zusammen mit Fred Dekker nicht nur das Drehbuch verfasst hat, sondern auch Regie führt, gewinnt dem Genre ganz neue Aspekte ab. Denn sein kleines Söldner-Heer könnte ein Ableger des DRECKIGEN DUTZENDS sein, das Robert Aldrich Ende der 1960er-Jahre über die Leinwand schickte. Diese Jungs sind echt durchgeknallt, was sie unglaublich sympathisch macht, und sie generieren damit jede Menge Lacher. So macht dann auch die Action richtig Laune. Um Missverständnissen vorzubeugen: PREDATOR – UPGRADE bleibt natürlich einer jener Filme, für die man das Hirn auch Zuhause lassen kann. Umso größer der Spaßfaktor. Wer sich die volle Dröhnung geben möchte, der sollte sich den Film entweder in einem Kino mit Dolby Atmos anschauen bzw. anhören oder in das teurere Ticket für die IMAX-Präsentation investieren.

1952 reisen ein Exorzist und eine Nonne in spe im Auftrag des Vatikan nach Rumänien, um dort in einem abgelegenen Kloster den Suizid einer Nonne zu untersuchen. Bald schon müssen sie feststellen, dass sie es dort mit einer sehr starken und extrem bösen Präsenz zu tun haben... Das Böse hat also seinen Ursprung in einem katholischen Kloster – ein Schelm, wer Böses dabei denkt. Corin Hardys Horrormär erzählt die Vorgeschichte zur erfolgreichen CONJURING-Serie. Doch im Gegensatz zu den vorherigen hochspannenden Filmen erweist sich THE NUN bei genauerem Hinschauen als echter Trash. Die Darsteller und auch der Kameramann geben zwar ihr Bestes, dem Publikum bei dieser Geisterbahnfahrt kalte Schauer über den Rücken zu jagen, aber das Drehbuch macht dem gekonnt einen Strich durch die Rechnung. Die Handlung des Films und insbesondere die Handlungsweisen der Protagonisten sind so hanebüchen und lächerlich. Das Einzige – und jetzt kommt’s! – was diesen Film noch zusammenhält, ist seine exquisite Tonspur. Hier haben sich die Tontechniker wirklich große Mühe gegeben, um die Vorzüge von Dolby Atmos richtig auszukosten. Ob es ein kleines, fieses Geräusch von ganz hinten rechts ist oder lautes Gepolter an der Decke – hier möchte man wirklich nicht alleine im dunklen Kinosaal sitzen. Die plastische Tonmischung bringt auch den fulminanten orchestralen Score von Abel Korzeniowski erst richtig zur Geltung. Da können herkömmliche 5.1- und 7.1-Fassungen nicht mithalten. Alternativ empfiehlt sich THE NUN natürlich auch in der IMAX-Version, die hier insbesondere lautstärkemäßig noch eine Schippe drauflegen wird.

Was als gemütliches Abendessen mit Familie und Freunden geplant war, nimmt eine vollkommen unerwartete Wendung, als der Bruder der Gastgeberin ankündigt, dass er sein ungeborenes Kind Adolf taufen werde. Das ist besonders für seinen Schwager, einen Literaturprofessor, ein großer Affront. Was niemand weiß: das Ganze sollte nur ein Scherz sein... Vor genau sechs Jahren brachten die Regisseure Alexandre de la Patellière und Matthieu Delaporte ihren Film DER VORNAME in die Kinos, der vom Bröckeln der bürgerlichen Fassade erzählt. Jetzt hat Sönke Wortmann den Stoff neu verfilmt. Spielte damals alles in Frankreich, so ist es jetzt eine große Wohnung in Bonn, die zum Schauplatz der großen Schlacht wird. Es ist eine Schlacht der Worte, die hier von einem exquisiten Ensemble vorgetragen wird. Viele Missverständnisse und ebenso viele streng gehütete Geheimnisse machen aus den Verwandten und Freunden einen wilden Haufen Unberechenbarer. Eben ganz aus dem Leben gegriffen. Wortmanns Film macht natürlich dann besonders viel Spaß, wenn man das französische Original nicht kennt. Wie dort so nutzt auch Wortmann in seinem Film geschickt das Scope-Format sowie ein agile Kamera, um den Bühnencharakter der Geschichte weitgehend zu minimieren.

Es ist Tag X: “Career Day”, an dem Schüler ihre arbeitenden Eltern mit in den Unterricht bringen dürfen, um sie vor der ganzen Klasse etwas über ihren Beruf erzählen zu lassen. Blöd nur, dass ausgerechnet an diesem Tag Patricias Daddy seinen Job verliert. Kommen noch ein depressiver Lehrer, ein ebenso desillusionierter wie verliebter Schüler, ein Kotzbrocken von Chef sowie ein toter Gärtner namens Kevin dazu – und fertig ist der alles andere als perfekte “Career Day”. - Mehrere ineinander greifende Geschichten verknüpft Filmschauspielerin Judy Greer in ihrem Regie-Debüt zu einer schwarzhumorigen Komödie, die eigentlich viel flotter sein könnte als sie es hier ist. Das liegt am Timing, das nicht immer den Punkt trifft. Dennoch kann sie mit ein paar richtig witzigen Einlagen auftrumpfen und schüttelt am Ende gar noch Keanu Reeves in einem Gastauftritt als kleinen Trumpf aus dem Ärmel.

Der mit einem kranken Herzen lebende Taylor verliebt sich Hals über Kopf in die attraktive Krystal. Um ihr nahe zu sein, schließt er sich der Gruppe Anonymer Alkoholiker an, der auch seine Angebetete angehört... William H. Macys dritte Regiearbeit fürs Kino ist nicht unbedingt ein schlechter Film, aber eben auch kein besonders interessanter. Die Inszenierung ist ziemlich bieder, sieht man einmal ab von den kurzen “Effekteinlagen”, wenn Taylors Wahrnehmung des Satans visualisiert werden. Dass sich die Mutter eines 16jährigen, im Rollstuhl sitzenden Sohnes, ausgerechnet auf einen 18jährigen einlässt, erscheint indes ein wenig weit hergeholt. KRYSTAL ist maximal TV-Kost, für die man nicht unbedingt ein Kino aufsuchen muss.

Liebe auf den ersten Blick ist es gewiss nicht. Doch die im Iran lebende Mina und der Deutsch-Iraner Kian lassen sich auf eine arrangierte Ehe ein. Mina, studierte Elektroingenieurin, hat nicht nur Probleme mit der deutschen Sprache, sondern auch mit der deutschen Kultur, die ihr ziemlich fremd erscheint. Auch ihr Mann Kian, ein Arzt, ist ihr vollkommen fremd. Trotzdem hoffen beide auf eine glückliche Ehe... Susan Gordanshekan behutsam erzählter Film zeichnet sich neben ihren wunderbaren Hauptdarstellern Pegah Ferydoni und Hadi Khanjanpour vor allem durch die exzellente Kameraarbeit von Julian Krubasik sowie die kristallklare Filmmusik von Sebastian Fillenberg aus. Ein unaufdringliches Sounddesign rundet den überaus positiven Gesamteindruck bei dieser sehr authentisch wirkenden Liebesgeschichte vor dem Hintergrund der Integration ab. Kino, das lohnt.

Mit seinem Dokumentarfilm wandelt Filmemacher Georges Gachot auf den Spuren des Oscar-Gewinners SEARCHING FOR SUGARMAN, wird doch in beiden Filmen jeweils nach einem Musiker gesucht, der von der Bildfläche verschwunden ist. In Gachots Fall ist es João Gilberto, der Erfinder des weltberühmten Bossa Nova. Der Deutsche Marc Fischer war von dessen gefühlvoller Musik derart angetan, dass er sich nach Rio aufmachte, um ihn zu finden. Ohne Erfolg. Seine Bemühungen mündeten in ein Buch, das kurz nach Fischers Freitod veröffentlicht wurde und das nun die Grundlage für Gachots Suche bildet. Der ebenfalls vom Bossa Nova verzauberte Filmemacher trifft sich mit den Weggefährten Fischers, die alle auch Weggefährten des großen João Gilberto sind oder waren. Im Laufe des Films entsteht so das Porträt eines Musikers, der die musikalische Welt veränderte, aber der unerkannt und im Verborgenen bleiben möchte. Spannend wie in einem Detektivfilm baut sich nach und nach das Bild dieses Künstlers auf, der nicht gefunden werden möchte. Ob Gachot mehr Erfolg vergönnt ist als Fischer sei hier nicht verraten. Wer es wissen möchte, dem sei dieser Kinofilm wärmstens empfohlen.

Mit seinen 89 Jahren dürfte Frederick Wiseman nicht nur einer der ältesten, noch aktiven Dokumentarfilmer sein, sondern der Filmemacher überhaupt. Dem neuesten Opus merkt man das Alter seines Schöpfers jedenfalls zu keiner Sekunde an. Wobei Opus hier eigentlich der falsch gewählte Begriff ist – Epos kommt dem Film wesentlich näher. Denn mit einer Laufzeit von 197 Minuten ohne Pause erfordert er vom Zuschauer eine große Portion Sitzfleisch und eine noch größere Blase! Aber anders als bei einem überlangen Spielfilm (jüngstes Beispiel: WERK OHNE AUTOR mit 188 Minuten ohne Pause) kann man sich bei Wisemans Film durchaus zwischendurch einfach mal die Beine vertreten oder das Örtchen aufsuchen: man verpasst nichts Wesentliches. Was aber genau zeigt Wiseman in seinem Film? Wir werden Zeuge von internen Diskussionen über Budget- und Angebotsfragen, von Lesungen, von literarischen Gesprächen, von Führungen usw. Dabei werden alle Dependencen der NYPL gezeigt, jeweils durch Stimmungsbilder aus New York getrennt. Es wird schnell klar, dass diese Bibliothek sich nicht nur als reine Buchausleihmaschine versteht, sondern als einen wichtigen Beitrag zum Gemeinwohl. Hier werden Menschen dazu animiert zu forschen und sich zu bilden. Man unterstützt den Breitbandausbau und bietet ausleihbare Hot Spots an, stellt Überlegungen zur Inklusion an oder diskutiert über die Einbindung von Obdachlosen. Der Film ist eine Hohelied auf die Institution der Bibliothek in all ihren Ausprägungen ein damit natürlich ein Muss für jeden Bücherfan.

Viel Freude gibt es nicht in Armins Leben. Als Kameramann baut er nur Mist, bei den Frauen will es nicht mehr so recht klappen. Und im Elternhaus liegt gerade seine geliebte Großmutter im Sterben. Am Morgen nach hrem Tod erwacht er in seinem Auto, das er irgendwo unter einer Brücke geparkt hat. Alles ist wie ausgestorben. Erst ganz allmählich wird ihm klar, dass er der einzige Mensch weit und breit ist. Die anfängliche Panik weicht bald einem Gefühl grenzenloser Freiheit... Ein wenig erinnert Ulrich Köhlers existentielles Drama an Filme wie QUIET EARTH oder DIE WAND, in denen jeweils nur ein einziger Mensch auf Erden weilt. Was machen mit soviel Freiheit, die man plötzlich hat, wenn man feststellt, dass man offenbar der letzte Mensch ist? Und was geschieht mit dieser Freiheit, wenn plötzlich noch ein anderes menschliches Wesen auftaucht? Durch die Begegnung von Armin mit Kirsis entdeckt er zum ersten Mal (oder vielleicht auch endlich wieder) die Liebe. Doch auch im vermeintlichen Paradies ist nicht alles immer nur einfach. Denn sowohl Armin als auch Kirsis schleppen ihre Vergangenheit nach wie vor mit, was letztendlich auch hier zu Konflikten führt. Köhlers Film wird sich bestimmt nicht jedem erschließen, denn er endet nicht in einer Aufklärung der seltsamen Situation, in der sich die Protagonisten wiederfinden. Die stellt sich erst nach der Hälfte des Films ein. In der ersten Hälfte widmet sich Köhler ganz der Charakterisierung von Armin, zeigt ihn bei seiner Arbeit, am Totenbett seiner Großmutter, beim missglückten One-Night-Stand usw. Damit ergibt sich eine Zweiteilung des Films, die man natürlich mögen muss. Endzeitthrillerverwöhnte Zuschauer könnten da auf eine falsche Fährte gelockt und am Ende enttäuscht werden. Doch alleine schon die Tatsache, dass es keine Filmmusik gibt, ist ein Indiz dafür, dass es eben in eine ganz andere, intellektuellere Richtung geht.

Um seinen ersten Roman beurteilen zu lassen, reist David zu Alex Henderson, einem renommierten Romanautoren. Auf dessen abgeschieden liegendem Haus irgendwo auf einer Insel in Griechenland beginnt David seinen Entwurf vorzulesen. Darin geht es um ein Paar, das nach acht Jahren Ehe vor der Trennung steht, weil Eva einen neuen Liebhaber hat. Im letzten gemeinsamen Urlaub manipuliert der Ehemann das Auto, mit dem seine Frau später offenbar in den Tod fährt. Doch weder das Auto noch die Frau werden gefunden. Drei Jahre später ist es ein Husten während eines Konzerts im Radio, das den Ehemann alarmiert: es ist das Husten seiner Frau. Henderson braucht nicht lange um herauszufinden, dass Davids Roman autobiographisch ist. Doch da ist noch mehr: David soll de letzten Roman des unter mysteriösen Umständen verschwundenen Bestsellerautoren Germund Rein übersetzen. Für David verdichten sich die Anzeichen, dass sein Verschwinden und das seiner Frau in Zusammenhang stehen. Weiß Henderson womöglich etwas? - INTRIGO – TOD EINES AUTORS ist der erste von gleich drei Romanen aus der Feder von Schwedens Erfolgsautor Håkan Nesser, die jetzt fürs Kino verfilmt wurden. INTRIGO – DEAR AGNES und INTRIGO – SAMARIA werden im kommenden Jahr folgen. Nach Sichtung der ersten Verfilmung hält sich die Vorfreude auf die anderen beiden leider in recht schmalen Grenzen. Im Falle von TOD EINES AUTORS krankt es vor allem daran, dass praktisch die gesamte Handlung in Form eines Sprechers aus dem Off erzählt wird, zu der Regisseur Daniel Alfredson und sein Kameramann Pawel Edelman die passenden Bilder suchen. Ganz streng genommen ist es quasi eine Art Hörbuch mit Bildern. Dadurch entwickelt der Film überhaupt keine Geschwindigkeit, sondern quält sich bis zum bitteren Ende. Das ist höchstens Sonntagabend TV-Kost, aber keine Unterhaltung für die große Leinwand. Was die Darsteller angeht, so fällt hier ganz besonders Ben Kingsley auf – aber negativ. Er wirkt hier fast schon wie eine Parodie seiner selbst und man ahnt, dass er beim Dreh womöglich tatsächlich betrunken war. Vielleicht ist hier die englische Originalfassung, die uns in der heutigen Pressevorführung gezeigt wurde, mal ausnahmsweise von Nachteil. Zu guter Letzt ist die ganze Geschichte, die hier aufgerollt wird, derart hanebüchen, dass es einem die Freude auf das Finale nimmt. Aber so ist das vermutlich bei einem Schweden-Krimi-Autoren wie Håkan Nesser.

Messer, Gabel, Schere, Licht sind für kleine Kinder nicht? Solche Regeln gelten nicht in Frankreichs ältestem Montessori-Kinderhaus, das Filmemacher Alexandre Mourot stellvertretend für alle Einrichtungen dieser Art besuchte. Auslöser war das Heranwachsen seiner kleinen Tochter, die sobald sie laufen konnte, alles auf eigene Faust entdecken wollte. Was treibt dieses kleine Wesen eigentlich an? Mourot war fasziniert davon, welche Fortschritte sie machte, wenn man sie einfach gewähren ließ. Eine Idee, die Maria Montessori vor bereits 100 Jahren hatte, als sie ihre ganz eigene Kinderpädagogik entwickelte. Der Drang zu lernen ist allen Kindern inhärent, war eine ihrer Thesen. Mit einfühlsam beobachtender Kamera zeigt der Film auf ebenso beeindruckende wie rührende Weise, dass dem tatsächlich so ist. Kaum zu glauben, wie konzentriert und emsig die Kinder im Alter von 3 bis 6 Jahren ihrer “Arbeit” im Kinderhaus nachgehen. Da wird gebacken, gekocht, gelesen, geschält, gerechnet, geschnitten oder gepuzzled, dass es eine wahre Freude ist – und ohne Anweisung durch die Erzieher. Jedes Kind hat dabei seinen ganz eigenen Rhythmus, entwickelt seine ganz eigene Energie – soziales Verhalten inklusive: die Älteren helfen den Jüngeren. Mourots Film bleibt stets auf Augenhöhe mit den Kindern und lässt den Zuschauer teilhaben an deren Alltag im Kinderhaus. Statt profaner Interviewpassagen gibt es Stimmen aus dem Off, die Montessoris Erkenntnisse vertiefen. Das klingt zwar ziemlich trocken und erinnert ein wenig an TV-Dokus, doch die geradezu intimen Einblicke in den Alltag der Kleinen entschädigen für alles. Der langsame Schnitt und die zurückhaltende Filmmusik laden zum Beobachten ein, machen den Zuschauer zum Schüler. Ganz im Sinne von Montessori, die sagte, dass eigentlich das Kind der Führer sein sollte auf dem Weg hin zu einer besseren Gesellschaft.

In der Eiswüste des sibirischen Nordens liegt Jakutien. Es ist die Heimat von Sedna und Nanouk, die hier in einer einfachen Jurte-Hütte leben ganz wie ihre indigenen Vorfahren. Leben tun die beiden in der Eiseskälte durch die Jagd. Doch die Tiere werden immer seltener und die Temperaturen steigen. Ihre Tochter Ága ist schon vor langer Zeit fortgegangen. Ihre Eltern haben es ihr nie verziehen. Doch als Sedna merkt, dass sie nicht mehr lange zu leben hat, beginnt ein Umdenkprozess... Die von Kaloyan Bozhilov in ausladendem CinemaScope kadrierten Bilder könnten durchaus zu den besten Bildern gehören, die man seit THE REVENANT im Kino zu sehen bekam (und es ist kein Zufall, dass eines der Stücke von Ryuichi Sakamoto, die er für Inarritus Film komponierte, hier erklingt!). In epischen, statischen Einstellungen scheinen oft die Figuren in der grandiosen Eislandschaft zu verschwinden. Gleichzeitig strahlen sie eine majestätische Ruhe aus. In dieser Welt ticken die Uhren ganz anders. Minutiös schildert Regisseur Milko Lazarov den harten Alltag des alten Jakuten-Paares. Das ist fast schon Balsam für unsere gestresste Großstadtseele. Doch auch hier gilt das Gut der Familie als das höchste. Und das gilt es zu erhalten. Aussöhnung und Vergebung sucht man auch in diesem unwirtlichen Teil der Welt, um in Frieden sterben zu können. Bildgewaltiges Arthouse-Kino.

Fünf Frauen aus unterschiedlichen Ländern und vollkommen verschiedenen Kulturen erzählen davon, was es bedeutet, Frau zu sein. Da ist die in London lebende Leyla Hussein aus Somalia, die als Kind einer Genitalverstümmelung zum Opfer fiel und sich jetzt aktiv gegen diese Grausamkeit einsetzt. Die japanische Manga-Künstlerin Rokudenashiko muss sich in ihrem Land vor Gericht verantworten, weil sie ihre Vagina künstlerisch verwertet. Doris Wagner trat als junge Frau in einen erzkatholischen Orden ein und wurde dort von einem Pater mehrfach missbraucht. Deborah Feldman entsprang einer ultraorthodoxen jüdischen Familie in New York und wurde mit 17 Jahren zwangsverheiratet. Und Vithika Yadav schließlich wuchs in einer tradiotionellen hinduistischen Familie im nordindischen Rajasthan auf und kämpft jetzt mit ihrer Internetplattform “Love Matters” für sexuelle Aufklärung und gegen sexuelle Übergriffe auf Frauen und Mädchen in Indien. Was Regisseurin Barbara Miller aus ihren über Sexualität offen redenden Protagonistinnen herauskitzelt ist die Erkenntnis, dass überall auf der Welt Religion und kirchliche Institutionen offenkundig alleine dem Zweck dienen, Frauen zu unterdrücken. Zitate aus dem Koran, der Bibel und anderen heiligen Schriften bekräftigen diese deprimierende Tatsache. Es handelt sich um patriarchalische Machtstrukturen, die seit Generationen beibehalten werden und nicht hinterfragt werden dürfen. Miller präsentiert mit “ihren” Frauen wahre Heldinnen, die aus dem System ausgebrochen sind, weil sie es mit ihrem gesunden Menschenverstand hinterfragt haben. Und diese Frauen geben nicht auf, setzen sich für andere Frauen ein und versuchen, die jeweilige Gesellschaft durch Aufklärung umzuprogrammieren. Das aber geht oft nur mit Repressalien einher. Umso mehr gebührt diesen Frauen Hochachtung und Bewunderung. Sie sind echte Vorbilder. Millers Dokumentarfilm lässt einen nicht kalt. Der gut fotografierte, gut geschnittene und mit einer faszinierenden Filmmusik ausgestattete Film lohnt das Anschauen.