Die Rückkehr Avas in ihr elterliches Heim kommt für die 25jährige Studienabsolventin einem Schock gleich: ihr Kinderzimmer wurde zur Rumpelkammer umfunktioniert und ihre Mutter hat einen Neuen, der kaum älter als Ava ist. Zudem gestaltet sich die Suche nach einem Job mehr als schwierig. Durch die Vermittlung ihres getrennt lebenden Vaters landet sie schließlich als Hospitantin am Theater. Dort lernt sie den jungen Schauspieler Jonas kennen. Das macht die Sache dann noch komplizierter... Liest man den Filmtitel, so könnte man durchaus glauben, dass Sophie Kluges Komödie in den Goldenen Zwanzigern spielt, doch man wird schnell eines Besseren belehrt. Denn mit den Goldenen Zwanzigern ist hier das Alter der Protagonistin gemeint, einer jungen Frau, die sich in einer schwierigen Phase ihres noch jungen Lebens befindet. Sie steht an der Schwelle zur erwachsenen Frau und muss sich selbst erst finden, um zu entscheiden, was sie aus ihrem Leben machen möchte. Ohne Filmmusik und mit oft schnellen Szenenwechseln präsentiert die Regisseurin in ihrem Langsfilmdebüt sehr genau beobachtete Szenen und Situationen aus Avas Selbstfindungstrip. Ob beim Vorstellungsgespräch oder als Hospitantin bei einer Theatergruppe (köstlich: CASTING-Regisseur Nicholas Wackerbarth als Theaterregisseur!) oder bei der Flat Warming Party ihrer besten Freundin – Sophie Kluge schildert hier Szenen, die man so oder etwas anders vielleicht aus seinem eigenen Leben kennt. Das hier alles extrem authentisch wirkt, liegt vor allem an dem erstklassigen Ensemble, mit dem Sophie Kluge hier arbeitet. Da stimmt alles bis in die kleinsten Nebenrollen hinein. Ein Film, der nicht nur Spaß macht, sondern dem Betrachter auch die Augen öffnet.

Sommer, Strand, Sonnenschein! Naïma lebt an der Côte d'Azur, ist gerade 16 geworden und hat endlich Ferien. Vollkommen überraschend erhält sie Besuch von ihrer Cousine Sofia, die schon 22 ist und in Paris lebt und arbeitet. Sofia nimmt die unerfahrene kleine Cousine sofort unter ihre Fittiche, um ihr beizubringen, wie das mit dem Leben so läuft. Prompt hat sie sich dank dem Einsatz ihrer Reize eine reichen Yachtbesitzer geangelt – und Naïma folgt ihr auf Schritt und Tritt... Bei aller Kritik, die man dem Film angedeihen lassen könnte, muss man eines klar herausstellen: Rebecca Zlotowskis farbintensives leichtes Drama eignet sich hervorragend als Reisefilm für die Côte d'Azur! Glasklares Wasser, saubere Strände, leicht bekleidete Mädchen, braun gebrannte Männer, weiße Yachten im Hafen – Georges Lechaptois schafft mit seinen CinemaScope-Bildern perfekte Stimmungsbilder für Werbekataloge. Freilich geht es Zlotowski um etwas ganz anderes. Beispielsweise um das Erwachsenwerden eines 16jährigen Mädchens, Naïma, die sich von ihrer sechs Jahre älteren Cousine in das “Savoir Vivre” einführen lässt. Gespielt wird Naïma von Nachwuchstalent Mina Farid, die ihre Rolle sehr überzeugend präsentiert: etwas schüchtern, ja fast scheu, unerfahren, staunend, feinfühlig, aber auch verletzlich und am Ende gar zielstrebig und charakterstark. Ihre Cousine Sofia wird von Zahia Dehar gespielt, einer der bekanntesten und zwiespältigsten Persönlichkeiten Frankreichs – und diese Rolle ist ihr wie auf den wunderschönen Leib geschrieben. Sie ist das genaue Gegenteil von Naïma, weiß genau, was sie will und was sie nicht will – und wie man etwas bekommt, wenn man es haben möchte. Doch schaut man genau hin, so verbirgt sich hinter ihrer lasziven Fassade eine große Trauer und Einsamkeit. Dehar weiß dies hervorragend durch ihre Blicke nach außen zu tragen. Viel passiert nicht in diesem sonnendurchfluteten Film. Manchen wird das (verständlicherweise) einfach zu wenig sein, anderen wird es genügen.

Bildgewaltig gibt sich Mirjam Leuzes faszinierender Dokumentarfilm über Walforscher an der Westküste Kanadas. Dabei stehen Janie Wray und Hermann Meuter im Mittelpunkt, zwei Menschen, die ihr gesamtes Leben den Walen widmen. Doch das Kleinod, in dem sich Buckelwale und Orcas haufenweise tummeln, ist bedroht: bald sollen hier Frachtschiffe mit Flüssiggas kreuzen. Der Lärm der Motoren wird das Ortungssystem empfindlich stören, die Tanker selbst könnten die Wale verletzen. Doch die Regierung will nicht hören, hat sich von den Industrie kaufen lassen, die sogar durch ein geschicktes Manöver die First Nation, die Ureinwohner der Region, mit ins Boot geholt hat. Angesichts dieser schlechten Nachrichten stellt Leuzes Film auch die Frage, ob diese Wale nicht auch dieselben Rechte haben wie Menschen. Schließlich sind die Gewässer vor der Westküste Kanadas deren Jagdgebiet. Dass Wale extrem soziale Wesen sind, haben die Forscher längst erkannt und bewiesen. Die Frage drängt sich auf, ob wir Menschen die Welt ausschließlich nach unseren Bedürfnissen formen dürfen. Leuzes beeindruckende Doku lädt ebenso zum Nachdenken wie auch zum Schwelgen in grandiosen Bildern ein.

Die Einrichtung “L’Envol” ist eine Tagesstätte für obdachlose Frauen, die hier den Tag über ein Zuhause finden. Doch die Stätte steht vor der Schließung, weil sie angeblich zu ineffizient sei. Gerade einmal 4% der sich dort einfindenden Frauen können die Sozialarbeiterinenn Manu, Audrey, Hélène und Angélique in Brot und Arbeit bringen. Drei Monate bleiben noch bis zur Schließung. Als dann auch noch ein Zeltcamp geschlossen wird, gerät L’Envol zur heimlichen Unterkunft aller. Mit viel Einfallsreichtum und dem ein oder anderen Trick setzen die vier Frauen jetzt alles daran, möglichst viele ihrer Schützlinge zu reintegrieren... “Sisters Are Doing It For Themselves” trällern die Eurythmics und Aretha Franklin auf der Tonspur in einer Schlüsselszene des Films: da organisieren die engagierten Sozialarbeiterinnen einen Tag der offenen Tür, um die obdachlosen Frauen zu “vermarkten”. Hier soll jede zeigen, was sie kann. Frei nach dem Motto “Selbst ist die Frau” nehmen hier die Protagonistinnen ihr Schicksal selbst in die Hand. Wäre doch gelacht, wenn sich soviel Talent am Ende nicht in Jobs umwandeln ließe! Doch macht Julien Petit in seiner Sozialdramödie keinen Hehl daraus, dass hier meist mehr Wunschdenken im Spiel ist als echte Chancen. Doch gelingt es ihm, die Balance zwischen Anliegen und Unterhaltung perfekt zu halten. So streut das Drehbuch immer wieder ganz kurze witzige Episödchen ein, die das tatsächliche Drama entschärfen. Wie beispielsweise gerade in der zuvor erwähnten Szene jenen Gast, der eigentlich gar niemanden in seiner Firma einstellen möchte, aber die Frau fürs Leben sucht. Zweifelsohne lebt der Film vor allem von seinen schillernden Figuren. Die nennen sich zwar Lady Di, Brigitte Bardot oder Salma Hayek, wenn sie in der Tagesstätte “einchecken”, ihr Äußeres jedoch entspricht bei Weitem nicht ihren Pseudonymen. Wie etwa Chantal, die äußerlich mehr Mann als Frau ist und in Vorstellungsgesprächen alles andere als diplomatisch auftritt. So erzählt sie jedem frei von der Leber weg, dass sie ihre Fähigkeiten im Gefängnis erlernt hat. Während die anwesenden Sozialarbeiterinnen fast schon die Hände über dem Kopf zusammenschlagen, antwortet die korpulente Chantal auf die Frage, weshalb sie denn im Gefängnis war, ganz cool: “Weil ich meinen Ehemann erschossen habe!”. So haben die meisten Frauen, die in die Tagesstätte kommen, fast unüberwindbare Probleme, doch tun die Sozialarbeiterinnen alles dafür, den Obdachlosen zu helfen. Genau das aber versetzt der Einrichtung L’Envol am Ende den Todesstoß. Petits Film ist ein Appell an die Menschlichkeit und die vielen ehrenamtlich engagierten Frauen, die Tag für Tag mit oft unkonventionellen Methoden darum kämpfen, obdachlosen Frauen zu helfen, wieder in die Gesellschaft integriert zu werden.

Man schreibt das Jahr 1989 und es ist Sommer. Fritzi und Sophie sind beste Freundinnen und genießen ihr Leben in Leipzig. Weil Sophie mit ihrer Mutter nach Ungarn in Urlaub fährt, muss Fritzi auf Sputnik aufpassen, das Hündchen ihrer Freundin. Als die Sommerferien schließlich zu Ende sind und keine Spur von Sophie zu sehen ist, beginnt Fritzi allmählich zu verstehen: Sophie und ihre Mutter haben sich in den Westen abgesetzt. Vollkommen unglücklich darüber schmiedet Fritzi einen Plan, damit Sophie wieder ihren Sputnik bekommt – und wird damit Teil eines großen historischen Ereignisses... Die Wende und der Fall der Mauer aus der Perspektive eines Mädchens erzählt und das Ganze als Animationsfilm ausgearbeitet - Ralf Kukula und Matthias Bruhn haben einen sehr ungewöhnliches Werk geschaffen. Basierend auf der Buchvorlage “Fritzi war dabei” von Hanna Schott und Gerda Raidt versucht der Film, die Geschichte der friedlichen Revolution für Kinder aufzubereiten. Ob Kinder allerdings alles verstehen werden, bleibt abzuwarten. Sehr emotional und aufwühlend gibt sich der Animationsfilm ganz sicher für Erwachsene. Mit viel Liebe zum Detail entstanden die Bilder für den ganz klassisch in gezeichneter Animation realisierten Film. Ob Nikolai-Kirche, die Montagsdemos durch die Stadt, die Wohnungen der Protagonisten – alles wirkt hier authentisch. Der Score von André Dziezuk gibt dem Film sein emotionales Gerüst und sorgt immer wieder dafür, dass der Film nicht zu düster gerät. Teilweise etwas eindimensional erscheinen manche Figuren, speziell die Stasi-Männer oder Fritzis Klassenlehrerin, die alleine schon durch ihre Farbgebung unsympathisch wirken. Dennoch ein lohnenswerter Kinogang.

Deutschland kurz nach Ende des Zweiten Weltkriegs. In einer Strafanstalt muss Siggi Jepsen einen Aufsatz zum Thema “Die Freuden der Pflicht” schreiben. Darin verarbeitet er die Erinnerungen an seine Jugend in einem norddeutschen Dorf, in dem sein Vater als Polizist tätig war und den Pflichten seines Amtes rückhaltlos ergeben war. Als er während des Zweiten Weltkriegs auf Anordnung der Nationalsozialisten seinem Jugendfreund, dem expressionistischen Maler Max Nansen, ein Malverbot erteilen muss und dieses gemeinsam mit seinem elfjährigen Sohn Siggi penibel überwacht, erwächst daraus eine Feindschaft, unter der ganz besonders Siggi zu leiden hat... Nach dem Drehbuch seiner Mutter Heide Schwochow verfilmte Regisseur Christian Schwochow eines der großen Werke deutscher Literatur: Siegfried Lenz‘ 1968 erschienenen Roman DEUTSCHSTUNDE. Darin geht es um Repression und die Zerstörung menschlicher Beziehungen in einem autoritären Regime, das aus zwei Freunden erbitterte Feinde werden lässt. Ulrich Noethen und Tobias Moretti spielen diese beiden Männer und laufen dabei zur Hochform auf. Mittendrin der von Levi Eisenblätter bravourös dargestellte Siggi im Kindesalter, der in dieser Feindschaft aufgerieben wird, weil er von beiden Männern geliebt werden will. Frank Lamm liefert die düsteren, farblosen Bilder zu diesem Drama, die besser nicht passen könnten. Schwochows Film ist alles andere als Wohlfühlkino, geht unter die Haut und animiert zum Nachdenken, ist der Film angesichts der anhaltenden antidemokratischen Tendenzen hochaktuell.

Wohnung kann man die Räumlichkeiten kaum nennen, in denen die arbeitslose Familie Kim haust: es ist ein Keller! Als der Jüngste einen Job als Nachhilfelehrer in der Villa der stinkreichen Familie Park antritt, wendet sich das Blatt. Denn ab sofort arbeiten die Kims eifrig daran, das gesamte Personal der Parks durch Familienmitglieder zu ersetzen. Dass es dabei nicht immer koscher zugeht, versteht sich von selbst. Die Parks indes wissen natürlich nicht, dass es sich allesamt um Mitglieder der Familie im handelt. Ganz im Gegenteil: sie sind begeistert vom neuen Personal. Bis zu jenem Tag zumindest, an dem etwas vollkommen Unvorhergesehenes passiert... Man kennt das ja schon von den FLODDERS. Auch die haben sich seinerzeit in einer feinen Gegend eingenistet und weiterhin ihrem asozialen Verhalten gefrönt. Ganz so radikal geht es bei Joon-ho Bong jedoch nicht zu, sondern sehr viel subtiler. Immerhin handelt es sich bei dieser koreanischen Familie um Menschen mit Bildung. Nichtsdestotrotz wird auch hier mit harten Bandagen gekämpft – Subtilität hin oder her. Denn hat man sich erst einmal an das Luxusleben gewöhnt, will man es nicht mehr missen. Bongs Film überrascht dabei mit unvorhersehbaren Wendungen, womit der Film über seine gesamte Länge von 135 Minuten nie langweilig wird – trotz der typisch asiatisch epischen Erzählweise. Am Ende lautet Joon-ho Bongs Botschaft an alle Schmarotzer da draußen sinngemäß: “Schmiedet einen Plan und macht was aus Eurem Leben! Denn niemand mit etwas Grips im Kopf muss in einem Loch hausen.”

Hollywood im Jahre 1969. TV-Star Rick Dalton und sein Stunt Double Cliff Booth müssen mit den großen Veränderungen in der Branche zurechtkommen. Vor allem aber damit, dass Ricks Karriere steil bergab führt. Nebenan ist mit Roman Polanski und seiner schönen Frau Sharon Tate gerade der Inbegriff einer neuen Generation Hollywoods eingezogen. Und irgendwo da draußen planen finstere Hippies an Hollywood Rache zu nehmen. Es liegt etwas in der Luft im Sommer des Jahres 1969... In seiner neunten Regiearbeit präsentiert sich Quentin Tarantino uneingeschränkt als das, was er primär ist: ein absoluter “Film Buff”, dessen Filmsozialisierung in den 1960er begann und ihn für immer prägten. Natürlich war das auch in seinen früheren Filmen immer wieder spürbar, doch nicht so, wie er es jetzt zelebriert. Und zelebrieren ist hier das richtige Wort. Anders kann man die vielen ausladenden Szenen nicht beschreiben, in denen er Brad Pitt im Straßenkreuzer durch die Straßen Hollywoods schickt – vorbei an stilbildenden Gebäuden wie beispielsweise den “Cinerama Dome”. Hier feiert Tarantino seine eigene Jugend, die sich zwischen Autokinos und Filmpalästen abgespielt haben muss, wo er gleichermaßen Trivialfilme konsumiert und Filmkunst goutiert hat. Und natürlich war auch das Fernsehen als des Kinos größter Konkurrent extrem wichtig. TV-Serien wie “Mannix” oder “FBI”, deren Vorspänne mit ihren einprägsamen Titelmusiken von Lalo Schifrin und Bronislau Kaper im Film immer wieder über die 4:3-Monitore rauschen. Er schickt Margot Robbie alias Sharon Tate in ein Kino, in der sie sich ihren eigenen Film “The Wrecking Crew” anschaut, ersetzt Steve McQueen durch Leonardo DiCaprio im Klassiker “Gesprengte Ketten” oder hält einen kurzen Exkurs über 35mm-Filme in den typischen Metallcontainern mit der Aufschrift “Technicolor”. Er lässt seine Protagonisten immer wieder an Filmplakaten vorbeiziehen, die teils echte Filme zeigen, teils aber auch Phantasieprodukte (mit großer Liebe zum Detail!). Hier feiert ein Regisseur seine größte Leidenschaft – und zitiert am Ende sogar noch seine eigenen Filme. So ist ONCE UPON A TIME...IN HOLLYWWOOD wie THE HATEFUL EIGHT zuvor zweigeteilt. In beiden Filmen gibt es den Erzähler aus dem Off erst im zweiten Teil. Und wie einst in INGLORIOUS BASTERDS schreibt er heuer auch wieder die Geschichte um – und bringt damit den Titel seines neuen Films auf den Punkt: denn “Es war einmal...” ist der Beginn eines jeden Märchens. Tarantino-typisch natürlich auch wieder die Gewaltexzesse am Ende des Films, die vom Publikum mit Applaus bedacht werden. Bis es soweit ist, liefert der Meisterregisseur wieder jede Menge Dialoge, denen man gespannt lauscht. Langweilig ist der Film zu keiner Sekunde – zumindest nicht, wenn man – wie eingangs erwähnt – selbst ein “Film Buff” ist. Allein schon die Vermischung aus authentischen und erdachten Personen macht riesigen Spaß. Faszinierendes Zeitkolorit in Bild (man beachte die vielen Oldtimer!) und Ton (eine geniale Playlist ist zu hören!), eine gelungene Kameraarbeit (Robert Richardson), das spielfreudige Team Pitt/DiCaprio nebst allen anderen Akteuren, die ihr Bestes geben – das alles ist fast schon zuviel für einen Kinoabend und lädt daher zu einer weiteren Sichtung ein. Wer weder weiß, wer Sharon Tate ist bzw. war, noch die alten TV-Serien kennt und mit Sechziger-Jahre Style sowieso nichts anfangen kann, der wird sich beim neuen Tarantino allerdings etwas schwer tun und mit Längen zu kämpfen haben.
Noch eine kleine Nebenbemerkung zur Auswertung des Films in Deutschland: es ist dem Filmverleih Sony zwar hoch anzurechnen, dass der Film auf Wunsch von Tarantino auch in Deutschland mit ein oder zwei 35mm-Kopien veröffentlicht wurde, jedoch ist es vollkommen unverständlich, warum Sony bei der Auswertung der digitalen Version sowohl auf eine Dolby Atmos Mischung wie auch auf eine 7.1 Mischung verzichtet hat. Diese Tonformate sind den Amerikanern vorbehalten.

Marienzell steht vor dem Aus: die kleine bayerische Gemeinde verliert immer mehr Einwohner durch Wegzug. Schuld daran, so glauben alle, sei das fehlende Highspeed Internetkabel, das den Marienzellern verwehrt wird, weil angeblich zu teuer. Was tun? Während das ganze Dorf jetzt selbst Hand anlegt, um einen Graben hin zum nächsten Verteilerkasten zu graben, haben Lena, Waltraud und Maria eine ganz andere Idee. Denn wenn sie den Tanzwettbewerb im Nachbardorf gewinnen würden, hätten sie Startkapital, um den Glasfaseranschluss zu finanzieren. Gesagt – getan. Und schon sind die sehr unterschiedlichen Freundinnen mitten in den Proben für ihre Nummer: “Voulez-vous coucher avec moi?”... Eine köstliche kleine Szene bringt das Verhältnis von Waltraud und ihrem Gatten auf den Punkt: in der geht das Ehepaar zu Bett. Ganz nebenbei sagt Sie plötzlich “Morgen könnte ich Rouladen machen”. Antwortet Er: “Hatten wir schon länger nicht mehr” und drückt seinen elektronischen Autoschlüssel noch ein paarmal, was ihm mit dem typischen Signalton von draußen quittiert wird. Ihren beiden Freundinnen geht es mit ihren Männern nicht viel besser: Lena beklagt sich über zu wenig bis gar keinen Sex und Marias Ex heiratet gerade eine Andere. Leider macht das Drehbuch nicht viel daraus – da bleibt oft nur ein hysterisches Gekreische! Dabei bemühen sich Gisela Schneeberger, Rosalie Thomass und Bettina Mittendorfer wirklich, ihre Rollen auszuleben. Aber von den Anzüglichkeiten des ersten Films, der 2011 ins Kino kam, bleibt hier (fast) nichts mehr übrig. Einzig der alte Doktor, bei dem Waltraud als Zugehfrau arbeitet, will noch einmal ein heisses Gespräch – das überraschenderweise mit seinem Ableben endet. Das ist dann allerdings nicht mehr witzig, sondern eigentlich nur noch traurig und wirkt daher im Film wie ein Fremdkörper. Alles in allem liefert der Film leider nur aufgewärmte Zutaten, die dann auch noch lauwarm serviert werden.

Der harmlose Angelurlaub des amerikanischen Präsidenten gerät zu einem Fiasko, als er und seine Bewacher mittels explosiver Drohnen angegriffen werden. Die einzig Überlebenden des Massakers sind Leibwächter Mike Banning sowie der Präsident, der im Koma ins Krankenhaus eingeliefert wird. Als sich Banning plötzlich schwerwiegenden Verdächtigungen durch das FBI ausgesetzt sieht und alle Indizien auf ihn als Drahtzieher des Attentats verweisen, beschließt er, auf eigene Faust zu handeln... 2013 brachte er einen nordkoreanischen Superterroristen zu Fall, 2015 dann einen pakistanischen Waffenhändler. Jetzt wird er selbst zum Opfer einer Verschwörung. Bereits zum dritten Mal schlüpft Mime Gerard Butler in die Rolle des Mike Banning, dem unkaputtbaren Leibwächter des amerikanischen Präsidenten (der sehr souverän von Morgan Freeman verkörpert wird). Was Bruce Willis in den STIRB LANGSAM Filmen für die Polizei darstellt, das ist Butler in der FALLEN Reihe für den Secret Service. Viel Neues gibt es leider im dritten Teil nicht zu entdecken. Es wird wieder viel geballert, Menschen fliegen in die Luft und die Fäuste rauchen – aber das ist eben “Business as Usual” in Ric Roman Waughs recht uninspiriertem Actioner. Immerhin: grausame Szenen halten sich in Grenzen und werden meist nur aus der Distanz gezeigt. Der einzige Lichtblick im sonst farbentsättigten Kriegsschauplatz ist Nick Nolte als Mike Bannings Dad. Mit dem Aussehen des späten Lee Marvin bringt Nolte eine gewisse Ironie ins ansonsten todernste Spektakel. Unübersehbar indes ist das Alter des Protagonisten: Gerard Butler hat als Mike Banning längst schon den vorgezogenen Ruhestand verdient! Etwas altbacken wirken die visuellen Effekte, die zwar viel Feuerzauber verbreiten, diesen aber ziemlich unecht wirken lassen. Will man dem Film unbedingt noch eine Metaebene unterstellen, dann könnte es ein recht bissiger Kommentar auf die derzeitige Führungsriege im Weißen Haus sein. Denn in dem Vizepräsidenten aus dem Film kann man durchaus Parallelen zum US-Präsidenten sehen, wenn auch nicht optisch, so aber gesinnungstechnisch.

Eine geschiedene Literaturprofessorin Mitte 50 lässt sich mittels gefälschtem Profil auf Facebook, in dem sie sich jünger macht, mit einem wesentlich jüngeren Mann ein. Schnell wird aus dem virtuellen Flirt eine große Liebe. Problematisch wird es allerdings, als ihr Lover auf ein Date von Angesicht zu Angesicht drängt... Mit seinem Drama wendet sich Safy Nebbou insbesondere an die weibliche Generation 50+, die sich oftmals geplatzten Träumen und irreparablen psychischen Verletzungen gegenübersieht. Juliette Binoche verkörpert eine solche Frau auf faszinierende Weise. Durch ihr einzigartiges Mienenspiel kehrt sie ihr Inneres nach außen und lässt den Zuschauer dadurch ebenso an ihrem Glück wie an ihrer Trauer teilhaben. Das Spiel mit virtuellen Identitäten und den daraus erwachsenden Problemen schildert Nebbou sehr realistisch. Der Dialog (oder eher Monolog!) der Protagonistin mit ihrer Psychotherapeutin dient dabei als Roter Faden, der immer wieder von Rückblenden unterbrochen wird. Die großorchestrale Filmmusik sorgt dafür, dass man auch emotional in den Film hineingezogen wird.

Cowboy Woody hat alle Hände voll damit zu tun, das verloren gegangene Lieblingsspielzeug seines kleinen Menschleins diesem wieder zuzuführen... Woody, Buzz und alle ihre Spielkameraden geben sich zum vierten Mal die Ehre! Der von Josh Cooley inszenierte Computeranimationsspaß ist deutlich besser als sein Vorgänger, weiß er doch vor allem durch seine emotionale Ebene zu überzeugen. Aber auch an der notwendigen Action mangelt es keinesfalls. Mit viel Witz, großartigen Einfällen und einer brillanten Filmmusik von Randy Newman wird etwas erzählt, was wir schon lange vermutet haben: jeder braucht Liebe – sogar Spielzeuge! Perfekte Kinounterhaltung für die ganze Familie.

Ein Dorf in Baden-Württemberg in den 1950er Jahren. Die Geschwister Gregor und Maria arbeiten hart auf dem Bauernhof ihres Vaters. Eigentlich möchte Gregor viel lieber eine Tankstelle an der schon bald am Dorfe vorbeiführenden Bundestrasse errichten. Dafür aber braucht er das Geld seines Vaters. Der stellt schließlich eine Bedingung: er will seinen Sohn finanziell unterstützen, wenn Maria bald heiratet und so die Fortführung des Bauernhofes sichert. Die Bedingung jedoch stellt die beiden Geschwister vor eine harte Probe, verbindet sie doch weit mehr als nur geschwisterliche Liebe... Mit stimmungsvollen Bildern in ausladendem CinemaScope zeichnet Kameramann Pascal Schmit die (vermeintliche) Idylle in einem schwäbischen Dorf in den frühen 1950er Jahren. Das perfekte Zeitkolorit dazu liefert die liebevolle, bis in kleinste Details stimmige Ausstattung, die Filmmusik von Bob Gutdeutsch setzt dramturgische Akzente. Dass diese Geschichte einer inzestuösen Liebe glaubhaft wirkt, liegt aber vor allem an den grandiosen Darstellern, die nicht nur ihre Rollen überzeugend anlegen, sondern zudem auch noch den schwäbischen Dialekt beherrschen müssen. Insbesondere die 1993 in Rheinland-Pfalz geborene Svenja Jung begeistert mit ihrem Talent und den leuchtenden Augen. Ein kleiner, aber feiner Film, von Regisseur Peter Evers ambitioniert in Szene gesetzt, mit einem sicheren Gespür für richtiges Timing und Schauspielerführung.

Der Ziegenhirte Besnik führt ein beschauliches und friedliches Leben in einem Bergdorf in Albanien. Seine Mutter war Katholikin, der kranke Vater Kommunist, die Schwiegerfamilien orthodox und muslimisch. Das bringt schon den ein oder anderen Ärger mit sich, doch Besnik ist an Kompromisse gewöhnt. Als in der dörflichen Moschee unter dem bröckelnden Putz allerdings ein christliches Wandgemälde auftaucht, gerät das Dorfleben in Aufruhr: dass die Moschee einmal einen Kirche war, geht ja gar nicht! Der Streit entzündet sich erst recht, als Besnik vorschlägt, dass sich die Katholiken und Muslime das Gotteshaus teilen könnten... Multi-Kulti bzw. multi-religiös – in diesem Bergdorf wird vorgelebt, wie friedliche Koexistenz funktioniert! In grandiosen Bildern (Kamera: Marius Panduru) und mit wenig Dialogen inszeniert Robert Budina sein Drama. “Die Menschen lieben Gott über alles, aber nicht einander”, stellt Besnik einmal fest und bringt es damit auf den Punkt. Wenn nicht einmal seine unterschiedlichen Glaubensrichtungen angehörenden Schwiegerfamilien am selben Tisch zu Mittag essen können, wie soll das dann erst in einer Dorfgemeinschaft funktionieren? Budinas Film liefert die Antworten dazu – vollkommen unaufdringlich, aber treffsicher.

Jahrelang saß Antonia zusammen mit ihrer kleinen Tochter unschuldig in Gefangenschaft in einem sowjetischen Gulag. 1952 wird sie entlassen und in Fürstenberg in der jungen DDR eingebürgert. Allerdings unter der Auflage, dass sie über ihre Vergangenheit nicht reden darf. Denn nichts wäre für die junge Republik gefährlicher als die Wahrheit zu erfahren. Sie lernt den jungen Arzt Konrad kennen, der sich in sie verliebt. Aber ihre Vergangenheit lässt sie nicht los. Speziell dann nicht, wenn sie sich mit ihren beiden Leidensgenossinnen trifft, die dasselbe Schicksal erlitten haben. Wie lange wird sie ihr Geheimnis noch hüten können? - Mit stimmigem Zeitkolorit (zumindest überwiegend, sieht man einmal ab von der viel zu guten Tonqualität der ersten ostdeutschen TV-Übertragung!) inszeniert Regisseur Bernd Böhlich seine tragische Geschichte um Antonia Berger, die nach Jahren in einem sowjetischen Gulag wieder in ein Gefängnis kommt, nämlich dem ostdeutschen Unrechtsstaat namens DDR. Basierend auf Erzählungen von Zeitzeugen entspinnt sich ein dunkles, depressives, kammerspielartiges Drama, das vor allem auf die Darsteller setzt. Aber nicht alle funktionieren gut. Robert Stadlober beispielsweise nimmt man den fürsorglichen Arzt einfach nicht ab. Der optisch mehr auf Fernsehen getrimmte Film ist wieder einer dieser typisch deutschen Filme, die man eigentlich nicht anschauen möchte, aber vielleicht muss.