Ein wenig ambitionierter Künstler und sein Mitbewohner, ein Känguru, nehmen den Kampf gegen einen rechtspopulistischen Immobilienhai auf, der ihren geliebten Kreuzberger Kiez radikal umgestalten will... Nach seinem erfolgreichen Buch kommt jetzt der Mann mit Migränehintergrund auf die Kinoleinwand. Allerdings nicht selbst, sondern vertreten durch Schauspieler Dimitrij Schaad, der den depressiven Grundcharakter des Kleinkünstlers Marc-Uwe Kling überzeugend zum Besten gibt. Und das Känguru? Nun, das spielt sich tatsächlich selbst. Natürlich mit Hilfe zeitgenössischer Visual Effects Software. Dieses freche und vorlaute mannshohe Känguru ist so etwas wie Klings Alter Ego. Oder so etwas wie James Stewarts Freund Harvey. Nur dass man das Känguru in dieser Geschichte tatsächlich sehen kann und auch von jedermann gesehen wird. Ist eben was ganz Normales im Berliner Kiez. Nicht normal hingegen ist die Tatsache, dass deutsches Kino tatsächlich herrlich schräg sein darf und auch kann, wie Dani Levy mit seiner fulminant gestalteten Komödie zu beweisen vermag. Endlich mal kein öffentlich-rechtlicher Humor, wie er literweise am Wochenende über die öffentlich-rechtlichen Sendeanstalten gejagt wird. Levys Kino ist richtig frech und spritzig und tobt sich gestalterisch aus. Da wird dann nicht nur der Titelvorspann zum Erlebnis, sondern alles andere davor und danach ebenso. Wer mich kennt, der weiß, dass ich nicht über jeden kleinen Witz in unsägliches Gelächter verfalle. Aber DIE KÄNGURU-CHRONIKEN hat mich wirklich zum Lachen gebracht! Schon alleine der Besuch von Kling bei seinem Psychiater wegen. Der wird von Paulus Manker gespielt, einem Österreicher (wie könnte es anders sein), dass es eine wahre Freude ist! Aber eigentlich gilt das für das gesamte Ensemble gleichermaßen. Leider wurde uns der Film in der heutigen Pressevorführung in einer sogenannten “Work in Progress”-Fassung gezeigt, in der u.a. die Tonmischung inklusive der Musik noch nicht final war. Angesichts der Tatsache jedoch, dass schon diese unfertige Version punkten konnte, kann bei der finalen Fassung praktisch nichts mehr schiefgehen. Also nichts wie ab ins Kino!

Als Michael Pearson sein millionschweres Marijuana-Imperium an einen exzentrischen Milliardär verkaufen möchte, stehen bald schon weitere Interessenten auf der Matte – vom Triadenboss bis hin zum schmierigen Privatdetektiv. Gemeinsam liefern sie sich ein tödliches Spiel, an dessen Ende nur einer als der Sieger hervorgehen wird... Sie sind zwar allesamt skrupellose Geschäftemacher und knallharte Gangster, doch Gentlemen bleiben sie trotzdem. Zumindest in Guy Ritchies extrem unterhaltsamer rabenschwarzer Komödie, bei der der Regisseur und Drehbuchautor so richtig zur Hochform aufläuft. Und auch er kann es sich nicht verkneifen, wie sein Kollege Quentin Tarantino unlängst in ONCE UPON A TIME...IN HOLLYWOOD, einen brillant geschnittenen und ebenso brillant vertonten Exkurs in Sachen 35mm einfließen zu lassen. Sozusagen der Film im Film. Das passende Drehbuch liegt natürlich auch sofort auf dem Tisch – und wird am Ende gar an Miramax (die Filmfirma, die Ritchies Film produzierte) verkauft. “Splendid idea” würden die Briten mit ihrem unnachahmlichen Akzent dazu sagen. Weshalb man Ritchies Film auch unbedingt im englischen Original goutieren sollte. Ob Hugh Grant oder Colin Farrell – mit ihrem Englisch geben sie dem vor Plot Twists nur so triefenden Gangsterfilm erst die richtige Würze. Ganz wichtig: der Body Count kann sich sehen lassen. Ritchie weiß was seine Fans von ihm erwarten. Hörenswert ist sein Film zudem noch: die kristallklare 7.1 Mischung hat mächtig Dynamik und fordert auch die Subwoofer. THE GENTLEMEN macht richtig Laune und sorgt für einen kurzweiligen Kinoabend.

Die junge Maryam arbeitet als Ärztin in der Notaufnahme des örtlichen Krankenhauses in einer kleinen Stadt in Saudi-Arabien und setzt sich unerlässlich dafür ein, dass der Weg zum Krankenhaus endlich saniert wird. Nur so hätten Patienten überhaupt eine Chance zur Notaufnahme zu gelangen. Doch die Behörden blockieren. Ihre einzige Chance: sie muss sich für einen Sitz im Gemeinderat bewerben, um Dinge bewegen zu können. Für eine Frau in Saudi-Arabien ein Wagnis... Es ist noch nicht lange her, seit Frauen in Saudi-Arabien den Führerschein machen und alleine Auto fahren dürfen. Jetzt sollte eigentlich der nächste logische Schritt zur Emanzipation der Frauen in der arabischen Welt folgen: Frauen in die Politik. Damit auch die Straßen gebaut werden, auf denen sie mit dem eigenen Auto fahren können. Bis dahin jedoch dürfte es in einem Land, in dem sich Frauen nach wie vor verschleiern müssen, noch ein weiter Weg sein. Das in etwa dürfte die Aussage von Haifaa Al-Mansours neuem Film sein. Hierzulande bekannt geworden ist die Regisseurin mit DAS MÄDCHEN WAJDA. Wie schon dort so hat sie sich auch jetzt wieder auf eine starke Frauenfigur konzentriert, die hier von der attraktiven Mila Al Zahrani überzeugend dargestellt wird. DIE PERFEKTE KANDIDATIN ist ein mutiger Film, an dessen Ende ein Hoffnungsschimmer bleibt.

Nach vier Jahren in der Jugendstrafanstalt wird der mittlerweile 17jährige Yusuf entlassen. Sein älterer Bruder nimmt sich ihm an und gibt ihm einen Job in einem Tankstellen- und Motelbetrieb, bei dem er als Geschäftsführer arbeitet. Doch die Atmosphäre zwischen Yusuf und seinem Bruder ist nicht sonderlich herzlich. Ein dunkles Geheimnis lastet auf den Geschwistern... Mit atmosphärisch dichten CinemaScope-Bildern erzählt Regisseur Ömür Atay sein Drama um zwei Brüder, zwischen denen eine ungesühnte Schuld steht. Erst nach und nach lüftet das Drehbuch das Geheimnis um diese Schuld, wodurch der Film konsequent spannend bleibt. Atay kann sich hier auf ein beeindruckendes Ensemble verlassen, das seine Rollen überzeugend angelegt. Filmmusik wird nur ganz sparsam eingesetzt, verstärkt aber dort, wo sie zu hören ist, den schwelenden Konflikt. Junges türkisches Kino jenseits des Mainstreams.

6. April 1917. Zwei englische Soldaten erhalten den mörderischen Auftrag: in einem Wettlauf gegen die Zeit sollen sie tief in Feindesgebiet eindringen, um eine Nachricht zu überbringen, die 1600 Kameraden das Leben retten könnte... Was Sam Mendes hier auf die große Kinoleinwand bringt, ist ein logistisches Meisterstück. Als “One Take” angelegt, kommt der Film fast ohne Schnitt aus und lässt die Kinozuschauer damit quasi in Echtzeit an dem Himmelfahrtskommando der beiden Protagonisten teilnehmen. In farbreduzierten Bildern schildern Mendes und sein kongenialer Kameramann Roger Deakins damit die Greuel des Ersten Weltkriegs, die hier stellvertretend für alle Kriege stehen. Eine sehr dynamische Tonmischung, die auch auf leise Töne nicht verzichtet, sowie die grandiose Filmmusik von Mendes‘ Hauskomponist Thomas Newman machen des Kinoerlebnis auch auf der akustischen Ebene zu einem überwältigenden Erlebnis. Ich habe mir die Freiheit genommen und mir den Film in beiden Auswertungsformaten angeschaut. Gegenüber der Standardkinopräsentation im normalen CinemaScope-Format gewinnt die IMAX-Fassung mit ihrem erweiterten Bildausschnitt deutlich. Das ist vor allem dem Umstand geschuldet, dass Mendes innerhalb der 119 Minuten Spielzeit so gut wie keinen (erkennbaren) Schnitt ansetzt und man dadurch als Zuschauer wirklich in den Film eintauchen kann – etwas, was bei sonstigen Blockbustern aufgrund viel zu schneller Schnittfolgen nie gelingt. Es ist eigentlich schade, dass Mendes seinen Film nicht direkt im originären IMAX-Verfahren aufgenommen hat, denn dann würden auch noch die jetzt sichtbaren kleinen Balken am oberen und unteren Ende der IMAX-Bildwand verschwinden. Mein persönlicher Geheimtipp: unbedingt im IMAX-Kino anschauen!

Als sich Nachrichtenmoderatorin Gretchen Carlson weigert, weiterhin die “TV-Barbie” zu geben, wird ihr Vertrag vom Sender Fox News nicht mehr verlängert. Gretchen entscheidet sich, gegen ihren langjährigen Chef Roger Ailes wegen sexueller Belästigung zu klagen. Der ist mittlerweile daran, seinen Neuzugang Kayla gefügig zu machen. Und Megyn Kelly, das Aushängeschild der Fox News, beobachtet das Geschehen aus sicherer Distanz. Vorerst. - In seinem Spielfilm rückt Regisseur Jay Roach genau jenen Skandal in den Fokus, der 2016 zum Rücktritt von Fox News‘ Senderchef Roger Ailes führte und der als ein erster Meilenstein in der #MeToo-Debatte gilt. Als Dreh- und Angelpunkt seiner Geschichte dient ihm Charlize Theron in der Rolle der “First Lady” der Fox News, Megyn Kelly. Er lässt sie nicht nur aus dem Off erzählen, sondern sich auch direkt an das Kinopublikum wenden. Als quasi Moderatorin erklärt sie die Hierarchien im Fox News Imperium und warum es so toll ist, dort zu arbeiten. Ihre Mitstreiterinnen in der Sache sind Nicole Kidman als ihre Kollegin Gretchen Carlson, die ihre Rolle beeindruckend zurückhaltend anlegt, sowie Margot Robbie als Redakteurin Kayla Pospisil. Letztere stiehlt Theron und Kidman die Schau in Sachen Performance und damit die Oscar-Nominierung als beste Nebendarstellerin mehr als verdient hat. Bei den männlichen Darstellern überzeugt vor allem John Lithgow als das Ekel Roger Ailes, eine Rolle für die zu spielen einiges an Mut notwendig ist. BOMBSHELL ist grandioses Schauspieler-Kino, das vermutlich die #MeToo-Debatte wieder befeuern dürfte.

Skurril, grotesk, absurd – die Filme des schwedischen Regisseurs Roy Andersson sind alles andere als Massenware. Mit denselben Stilmitteln wie in EINE TAUBE SITZT AUF EINEM ZWEIG UND DENKT ÜBER DAS LEBEN NACH präsentiert er aneinandergereihte Szenen (die nur gelegentlich in Bezug zueinander stehen), die zusammen ein Kaleidoskop bilden von allem, was ewig menschlich ist. Schönheit, Grausamkeit, Pracht sowie Einfachheit werden so in statischen, kontrastarmen Bildern gegeneinander gestellt. Da gibt es die schamlose Informationsmanagerin, die vor einem Fenster posiert; die Mutter mit Kinderwagen, die Probleme mit ihren Absätzen hat; den Führer, für den im Bunker das letzte Stündlein geschlagen hat; den Mann, der wie Jesus ein schweres Holzkreuz schleppen muss; den Priester, der seinen Glauben verloren hat und dem Alkohol frönt; drei Mädchen, die sich von einem Song spontan zum Tanz animieren lassen; den Zahnarzt, dessen Patient auf eine Narkose verzichtet; usw. Andersson erzählt mit einen Bildern in nur 78 Minuten weit mehr als so mancher Film von zwei Stunden Länge. Dafür aber ist sein Film nicht für jedermann geeignet. Wer kein Problem damit hat, verwirrt aus dem Kino zu kommen, der sollte sich auf Anderssons Mikrokosmos einlassen.

Die quirlige Seniorin Philippa arbeitet begeistert als Leih-Oma. Weil ihre Schwägerin Karin in ihrer Rolle als Ruheständlerin ganz und gar unzufrieden ist und nie eigene Kinder hatte, überredet sie Philippa kurzerhand, auch als Leih-Oma zu agieren. Und die wiederum kann ihren alten Bekannten Gerhard dazu überreden, den Leih-Opa zu mimen. Nach anfänglichen Schwierigkeiten gehen die Leih-Großeltern in ihren Rollen voll auf. Nicht nur ihre Schützlinge können jetzt viel lernen, auch die alten Herrschaften bekommen einen frischen Blick auf das Leben... Entgegen den Befürchtungen, die durch den Trailer geschürt werden, erweist sich Wolfgang Groos‘ Generationenkomödie als durchaus köstlich unterhaltend. Ganz ohne gängige Klischees (wie etwa der Quotenschwule, der hier von Heiner Lauterbach verkörpert wird) kommt das Drehbuch zwar nicht aus, jedoch wirken diese hier nicht sonderlich erdrückend. Der Film richtet sich primär an die Seniorengeneration, der hier großes Identifikationspotenzial bereitgestellt wird. Und was gibt es Schöneres, als über sich selbst zu Schmunzeln. Akzeptable Kinounterhaltung ohne Nebenwirkungen.

Um auch endlich die begehrte Zipfelmütze zu bekommen, beschließt das Heinzelmädchen Helvi in die Menschenwelt zu gehen, um dort ein Handwerk zu lernen. Beim Bäckermeister Theo findet sie gemeinsam mit ihren Freunden Butz und Kipp Unterschlupf. Weil der jedoch mit seinem Bruder im Streit liegt, laufens eine Geschäfte mehr als schlecht. Wie gut nur, dass es die Heinzelmännchen gibt... Hier wird geheinzelt was das Zeug hält! In durchschnittlicher Computeranimationstechnik versucht sich der für kleine Kinder konzipierte Film an einer Geschichte, bei der – so scheint’s – die UGLY DOLLS Pate standen. In den Mittelpunkt des Films haben die Macher ein Heinzelmädchen gerückt, das sich bewähren muss. Somit dürfte der Film vor allem kleine Mädchen ansprechen. Einmal mehr überzeugt die Filmmusik von Alex Komlew, der wie immer mit Orchester arbeitet und damit die Produktion auf ein hohes Niveau anhebt.

Mit seinem 2015 veröffentlichten Sachbuch “Das geheime Leben der Bäume” landete Peter Wohlleben quasi über Nacht auf der Bestsellerliste. Darin beschreibt der gelernte Förster seine Beobachtungen und Erkenntnisse an Bäumen in Wäldern. Und die waren sensationell: denn entgegen dem weit verbreiteten Glauben, dass es sich bei diesen Gewächsen um Einzelgänger ohne Gefühle handelt, entdeckte Wohlleben, dass es sich hier sehr wohl um Wesen handelt. Solidarisch greifen Bäume ein, wenn es um das Überleben eines Artgenossen geht und unterstützen diesen gemeinschaftlich, indem sie ihm Wasser und Nährstoffe zukommen lassen. Bäume haben auch Freunde und Verbündete, wie etwa Pilze, deren unterirdische Vernetzung eine Art Internet für die Pflanzen bildet, über das Informationen übertragen werden. Wie kein Anderer versteht sich Wohlleben darauf, diese Erkenntnis für jedermann verständlich zu formulieren. Meist, in dem er einen Vergleich zu ähnlichen Situationen bei den Menschen dafür benutzt. “Wenn Sie etwas für den Wald tun wollen, können Sie es unterlassen, dort herumzusägen" und “Wenn wir Naturschutz machen, schützen wir nicht die Natur” sind dabei zwei der Kernaussagen von Wohlleben, der sich dafür einsetzt, den Wald sich selbst zu überlassen. Denn nur so könnte überhaupt gutes Holz entstehen. Gut Ding braucht eben Weile – was freilich im krassen Gegensatz zu unserer Lebensweise steht. Für den nach dem Buch inspirierten Dokumentarfilm liefert der Naturfilmer Jan Haft atemberaubende Bilder. Haft, der selbst schon einige wunderbare Naturfilme auf die Leinwand brachte (darunter auch einen über den Wald!), verwendet für seine Aufnahmen neueste Technik, die es erlaubt, in grandiosen Zeitrafferaufnahmen selbst kleinste Details wachsender Pilze sichtbar zu machen. Es sind Bilder, die nicht nur Naturliebhaber begeistern werden und die von Franziska Henkes Filmmusik einfühlsam unterstützt werden. Leider hat der Film aber auch ein “Gschmäckle”: zu oft wird die Person Peter Wohllebens in den Mittelpunkt gerückt. Man sieht ihn in Talkshows, in Radio-Interviews, als Redner auf Demos. Sogar die Seiten seines Bestsellers werden in Großaufnahme auf der Leinwand ausgebreitet. Das riecht dann doch alles etwas zuviel nach PR für den Bestseller und seinen Autor. Schaut man sich den Trailer zum Film an, so ahnt man von dieser PR-Show absolut nichts. Und das ist – gelinde ausgedrückt – dann doch etwas perfide.

Eigentlich sind die Fakten glasklar und nicht zu widerlegen: Alkohol in jeglicher Form und Menge ist als Droge einzustufen! Warum aber ist das Teufelszeug nach wie vor nicht auf der Liste verbotener Substanzen gelandet und genießt stattdessen international ein hohes Ansehen? In seiner Dokumentation versucht der Filmemacher Andreas Pichler diesen Widerspruch zu ergründen. Wissenschaftler, Ärzte, Psychologen, Hersteller und sogar Alkoholiker, die inzwischen trocken sind, holt Pichler vor die Kamera. Da ist die junge Frau aus Liverpool, die davon berichtet, was der Alkohol mit ihr anstellte. Oder der Journalist, für den Alkohol quasi zum Berufsbild mit dazugehörte und der ganz allmählich zum Problemtrinker wurde. Da ist das Geständnis eines ehemaligen Mitarbeiters der Firma Heineken, der davon erzählt, dass sein Arbeitgeber in Afrika Prostituierte einsetzte, um den Mannsbildern den Alkohol schmackhaft zu machen. Bis auf Carlsberg war kein Alkoholhersteller dazu bereit, vor die Kamera zu treten. Das lässt tief blicken. Alkohol ist eine salonfähige Droge, die vom Staat geduldet wird, weil damit Geld verdient werden kann und auf diese Weise für die Staatseinnahmen nützlich ist. Doch die Kehrseite der Medaille wird gerne verschwiegen: denn den Steuereinnahmen aus Alkoholverkäufen steht ein wesentlich höherer Kostenfaktor entgegen – nämlich jener, der beispielsweise im Gesundheitswesen durch die Folgen des Alkoholmissbrauchs Jahr für Jahr entstehen. Dass es auch anders geht, zeigt der Film am Beispiel Islands, wo alles dafür getan wird, um Menschen über die dunkle Seite des Alkohols aufzuklären und gleichzeitig solche Angebote zu schaffen, die den Menschen auf natürliche Weise genau die Körperstoffe und –reaktionen gibt, die sie sonst nur durch schädlichen Alkoholkonsum erhalten würden. Pichlers Film ist eine lohnenswerte Doku, die ohne den erhobenen Zeigefinger zum Nachdenken auffordert.

Polizist Stéphane wird den erfahrenen Kollegen Chris und Gwada als dritter Mann zur Seite gestellt. Gemeinsam fahren sie Streife im Schmelztiegel Montfermeil, einem Vorort von Paris mit hohem Migrationsanteil und Spannungen zwischen rivalisierenden Gangs. Als das Löwenbaby aus einem von Zigeunern betriebenen Zirkus gestohlen wird, droht eine Eskalation. Um das zu verhindern, machen sich die Polizisten auf die Suche nach dem Löwenbaby. Als sich die Situation zuspitzt und sich ein Schuss löst, bringt das die Polizisten in arge Bedrängnis: eine Drohne hat die unschöne Szene aufgenommen... Ein Zitat aus Victor Hugos “Les Misérables” steht am Ende von Ladj Lys Actiondrama: “Merkt Euch, Freunde! Es gibt weder Unkraut noch schlechte Menschen. Es gibt bloß schlechte Gärtner”. Alles was der Regisseur mit seinem Film vermitteln möchte, wird damit auf den Punkt gebracht. Und Ly weiß wovon er erzählt, stammt er doch selbst aus Montfermeil, jenem Pariser Vorort, in dem seine Geschichte spielt. Es ist ein Pulverfass, das jeden Moment zu explodieren droht und für das sich die Politik trotz der massiven Ausschreitungen im Jahre 2005 nicht wirklich interessiert. Hier treffen die unterschiedlichsten Ethnien aufeinander, herrscht Armut und sozialer Notstand. Ganz behutsam führt Ly die Zuschauer in dieses von Migranten bevölkerte Banlieu ein. Gemeinsam mit dem Neuen an Bord des zivilen Polizeiwagens schickt er seine CinemaScope-Kamera auf Tauchstation in diesen brodelnden Untergrund. Und für Schwarzweißmalerei ist in dieser Welt kein Platz. Nicht nur bei den Bewohnern gibt es Gut und Böse, auch die Polizisten sind davor nicht gefeit – die Gewalt, der sie tagtäglich begegnen, färbt auf sie selber ab. Lys Film gibt sich insgesamt sehr authentisch, was zum großen Teil an der Besetzung der Kleinrollen mit Laiendarstellern liegt. Eine wirklich gute Figur machen auch die professionellen Darsteller, die die drei Polizisten mimen. Auch ihr Spiel wirkt extrem glaubwürdig. Ebenfalls bemerkenswert: der Film bricht mit dem Klischee, einen derartigen Film mit Rap-Musik zuzudröhnen. Stattdessen gibt es nur spärlich eingesetzte Filmmusik. Der Schnitt und die nicht immer sauberen Bilder unterstreichen das pseudo-dokumentarische Feeling des Films, den Frankreich ins Oscar-Rennen geschickt hat. Sehenswertes Kino mit Anspruch.

Der amerikanische Filmemacher Tommaso ist nach Rom ausgewandert, wo er mit seiner wesentlich jüngeren Lebensgefährtin und der gemeinsamen kleinen Tochter lebt. Der Alltag bestimmt sein Leben, das alles andere als aufregend scheint und von Beziehungsproblemen überschattet wird... Das Beste am Film ist die darstellerische Wucht eines Willem Dafoe, die den gesamten Film trägt. Perfekt zeigt der Mime eine Gradwanderung zwischen Normalität und Wahnsinn und dürfte damit wohl so etwas wie das Alter Ego von Regisseur Abel Ferrara verkörpern. Der zwischen Realität, Trugbildern und Träumen mäandernde Film setzt auf eine agile digitale Handkamera mit anamorphotischen Linsen und schafft damit interessante Kinobilder. Allerdings sollte man die Hände von diesem Film lassen, wenn man auf der Suche nach ansprechender Unterhaltung ist. Ferraras Film ist verkopftes Kino, das sich nicht jedermann erschließen will (und möchte).