Der junge Sharaf hat angeblich einen Ausländer getötet, beteuert jedoch seine Unschuld. Er habe nur in Notwehr gehandelt und wollte sich nur verteidigen. Die korrupten Polizisten wollen ihm jedoch nicht glauben und pressen unter Folter ein Geständnis von ihm heraus. Ohne Prozess kommt Sharaf ins Gefängnis. Dort lernt er eine Zwei-Klassen-Gesellschaft kennen, in der man nur mit Beziehungen und kleinen Deals überleben kann... “Dies ist eine erfundene Geschichte, die in einer fiktiven Welt spielt. Wir können glücklich ein, dass die Realität besser und schöner ist” wollen uns die Schrifttafeln zu Beginn des Films weismachen. Leider ist genau das Gegenteil der Fall. Hinter der fiktiven Welt in Samir Nasrs Drama verbirgt sich das Ägypten am Ende der Ära Mubarak. Schonungslos lässt uns der Film teilhaben an diesem menschenunwürdigen Mikrokosmos der Gefängniswelt, die auf bedrückende Weise die ägyptische Gesellschaft widerspiegelt. Farbentsättigt und in klaustrophobisch wirkenden CinemaScope-Bildern wird das Schicksal von Sharaf erzählt, der seinen Weg zwischen Widerstand und Anpassung finden muss. Die Schilderung des harten Gefängnisalltags wirkt unglaublich authentisch, was nicht nur am Szenenbild liegt, sondern auch an der handverlesenen Besetzung. Filmmusik wird nur ganz spärlich eingesetzt, um die depressive Grundstimmung zu unterstreichen. Regisseur Samir Nasr sieht seinen Film als ein notwendiges Statement, mit dem er denen eine Stimme geben will, die sonst keine Stimme haben: “SHARAF ist somit auch ein Film, der erzählt und nachvollziehbar macht, warum so viele junge Männer ihre Länder verlassen und ihr Leben riskieren, um illegal nach Europa zu kommen. In diesem Zusammenhang ist der Film auch für uns in Europa von hoher gesellschaftlicher Relevanz.”

Weil er schon lange kein Engagement mehr gehabt hat, lässt sich ein Schauspieler mittleren Alters auf ein Wagnis ein: er will mit Strafgefangenen ein Theaterstück einstudieren. Und was läge da näher als Samuel Becketts “Warten auf Godot” – schließlich wüssten ja gerade diese Darsteller, was Warten bedeutet. Nach vielen anfänglichen Schwierigkeiten entwickelt sich das Experiment ganz allmählich zu einem Erfolg... Inspiriert durch eine wahre Geschichte erzählt Regisseur Emmanuel Courcol ähnlich dem Klassiker GANZ ODER GAR NICHT die Geschichte von Underdogs die eine Transformation durchlaufen und am Ende zu einer starken Truppe zusammenwachsen. Das gilt insbesondere auch für den von Kad Merad wie immer souverän gespielten Schauspieler Étienne, der sich nicht nur mit Arbeitslosigkeit konfrontiert sieht, sondern auch unter den Nachwehen der Trennung von seiner Frau leidet. Courcol, selbst Schauspieler, hat hier ein wunderbares Ensemble zusammengestellt, dessen Spielfreude richtig ansteckend wirkt. Eine Gruppentherapie der etwas anderen Art, die richtig Spaß macht.

Wenn Chefkoch Slowik in sein auf einer abgelegenen Insel befindliches Restaurant einlädt, will jeder dabei sein. Doch nur einer handverlesenen Elite ist es gestattet, an dem opulenten Festmahl teilzunehmen. Dau gehört auch Tyler, der in Begleitung seiner Freundin Margot anreist. Die aber merkt schon sehr schnell, dass es bei diesem Gelage um weit mehr geht als nur zu essen... Mit seiner rabenschwarzen Komödie hält Regisseur Mark Mylod unserer Gesellschaft einen Spiegel vor. Vollkommen abgehoben sind die illustren Gäste im Insel-Restaurant. Denen geht es nicht mehr darum satt zu werden, sondern mit raffinierten Häppchen gespeist zu werden um sich besser zu fühlen. Ralph Fiennes brilliert als bessessener Küchenchef, der seine Mannschaft mit harter Hand, ja fast schon militärischer Strenge führt. Ein Chefkoch, dem man besser aus dem Wege geht. Doch seine Mannschaft steht hinter ihm und geht dafür sogar freiwillig in den Tod. Das klaustrophobische Kammerspiel – unterteilt in die verschiedenen Gänge des titelgebenden Menüs – ist hervorragend inszeniert und sorgt trotz seiner vielen satirischen Einlagen immer wieder dafür, dass einem sozusagen der Bissen im Halse stecken bleibt. Beste Unterhaltung für cineastische Gourmets.

Nachdem eine harmlose Sleepover Party für die 18jährige Maren mit einem Blutbad endet, müssen sie und ihr Vater wieder einmal Hals über Kopf verschwinden, bevor die Polizei sie fassen kann. Denn Maren ist anders als andere Mädchen: sie mag Menschenfleisch. Als sie schließlich ihr Vater im Stich lässt und ins Nirgendwo verschwindet, macht sich Maren auf den Weg quer durch Amerika, um ihre leibliche Mutter zu finden. Unterwegs stößt der temperamentvolle Lee zu ihr. Auch er hat ein Faible für Menschenfleisch. Gemeinsam setzen sie ihre Reise fort und kommen sich dabei näher... Der italienische Regie-Shooting-Star Luca Guadagnino vermischt in seinem Roadmovie eine Liebesromanze mit knallhartem Horror. In Anspielung auf Oliver Stones NATURAL BORN KILLERS könnte man Guadagninos Film als NATURAL BORN CANNIBALS labeln. Sein Film handelt von Außenseitern, die mit einem Heißhunger auf Menschenfleisch geboren wurden. Nur gemeinsam können sie sich vor den Widrigkeiten ihres einsamen Leben schützen. Mit : Timothée Chalamet und Taylor Russell hat der Regisseur zwei sehr sympathische Darsteller besetzt und schafft damit Identifikationsfiguren. Der eigentliche Besertzungsclou dürfte jedoch Mark Rylance als der zwielichtige Sully sein, ebenfalls ein Kannibale und auf Augenhöhe mit Anthony Hopkins alias Hannibal Lecter. Ohne zuviel verraten zu wollen: es gibt im letzten Drittel des überlangen Films eine Szene, die Altmeister Alfred Hitchcock ganz sicher großen Spaß bereitet hätte und die in gewisser Weise an eine Szene aus DER ZERRISSENE VORHANG erinnert. Trotz aller Romantik ist BONES AND ALL absolut nichts für zart Besaitete. Immerhin gelingt es Guadagnino mit seinem Werk den Splatter fürs Arthouse-Kino salonfähig zu machen.

Als der Berliner Grundschullehrer Khalil Videos mit Kriegsbildern aus seiner kurdischen Heimat Cizre zugespielt bekommt, ist er sich ganz sicher, seine tot geglaubte Schwester darin zu erkennen. Mit Hilfe seiner Freundin, die bei einem Sender arbeitet, will er die Videos an die Öffentlichkeit bringen, um die Menschen über den Krieg in Cizre zu informieren. Doch er stößt dabei auf Widerstand und sein geordnetes Leben gerät aus den Fugen... In farbentsättigten Bildern und unter Verzicht auf Filmmusik erzählt Regisseur Florian Hoffmann seine Geschichte über einen kurdischstämmigen Lehrer, der ohne es zu wollen in den Krieg der Türken gegen die Kurden hineingezogen wird. Dabei geht es Hoffmann nicht nur um den ganz persönlichen Konflikt seines Protagonisten, sondern insbesondere auch um das Wesen der Nachrichten. Hier spürt er vor allem der Fragen nach, wie aus Informationen auch tatsächlich eine Nachricht wird. Angesichts der Informationsflut, die sich tagtäglich in die Sendeanstalten und Pressehäuser Bahn brechen, muss gefiltert werden. Aber welche Information ist wichtig? Welche unwichtig? Und welche falsch? Seine Drehbuchrecherche führte Hoffmann schließlich zu der Frage, was Kriegsbilder brauchen, um im Wettbewerb um Medienwirksamkeit konkurrieren zu können. Ist es legitim Kriegsbilder zu manipulieren, um Medienaufmerksamkeit zu generieren? Eine Antwort auf letztere Frage gibt der Film nicht, wirft sie nur auf. Die Antwort darauf bleibt den Zuschauern überlassen.

Seit sein Vater bei der Suche nach einer sagenumwobenen Höhle spurlos verschwunden ist, gilt Paul als Freak in seiner Schule. Einzig Max, der ständig gehänselt wird, hält zu ihm. Als Paul beschließt, in den Sommerferien heimlich nach der Höhle zu suchen, um so den Ruf seines Vaters wiederherzustellen, schließt sich Max ihm an. Gemeinsam machen sie sich auf eine Reise, die beide für immer verändern wird... “Träumen kannst Du nie genug!” – das sind die Worte von Pauls Vater, als er ihn dazu ermutigt, alles auszuprobieren. Und recht hat er. Denn ohne Träumer würde es viele der schönsten und wichtigsten Errungenschaften der Menschheit nicht geben. In ihrem Abenteuerfilm für junge Zuschauer schicken André Hörmann und Kathrin Milhahn Paul auf eine Identitätssuche, auf der er lernen wird, dass es vollkommen unwichtig ist, ob man normal oder angepasst ist – Hauptsache man glaubt an seine Träume. Denn dann ist alles möglich. Auch Pauls Freund Max wird auf dieser gemeinsamen Reise in das große Unbekannte viel über sich lernen, vor allem sich Anderen anzuvertrauen. Mit einem winzig kleinen Touch Indiana Jones und ein paar Zitaten aus dem STAR WARS Universum müssen Paul und Max einige Abenteuer bestehen, die sie am Ende fest zusammenschweißen werden. Dabei bieten die beiden Jungdarsteller Levi Eisenblätter und Jonas Oeßel jede Menge Indentifikationspotenzial für Kinder. Abgerundet wird der positive Eindruck des Films durch die gute Kameraarbeit (Michael Hammon) und die gute Filmmusik (Marian Lux).

Auf einer abgeschotteten Insel inmitten der Ägäis soll Meisterdetektiv Benoit Blanc einen Mord aufklären, der noch gar nicht geschehen ist. Das Opfer in spe: ein Superreicher. Die in Frage kommenden Täter: eine Handvoll ziemlich verschrobener Charaktere. Lasset die Spiele beginnen... Hat Ihnen KNIVES OUT gefallen? Dann werden Sie auch großen Spaß mit GLASS ONION haben! Wenn Superdetektiv Benoit Blanc das Mordrätsel zu lösen beginnt und sich die Plot Twists nur so überschlagen, darf das auch dieses Mal wieder als eine Hommage an Agatha Christies Hercule Poirot verstanden werden. Rian Johnsons rasant geschnittener Film legt ein atemberaubendes Tempo vor und breitet vor den Zuschauern wieder einen Mikrokosmos exzentrischer Figuren aus – mitsamt einem Cameo-Auftritt von Hugh Grant! Johnsons verzwickt geniales Drehbuch macht sogar die Covid-Pandemie zum Thema und spielt dabei auf charmante Weise auf Daniel Craigs Dilemma mit dem ständig verschobenen Start des letzten Bond-Films an. Wer den Film auf der großen Leinwand sehen möchte, sollte sich sputen. Das Auswertungsfenster für die Kinos beträgt nur vier Wochen – danach wandert die Krimikomödie zum Video-On-Demand-Anbieter Netflix.

Vollkommen unerwartet steht plötzlich seine Ex vor der Tür und bitte ihn verzweifelt um Hilfe: der New Yorker Anwalt Peter, gerade erst mit neuer Frau und neuem Baby ein neues Kapitel in seinem Leben aufschlagend, muss erfahren, dass Nicholas, der gemeinsame Sohn von Ex Beth und ihm, schon seit einem Monat nicht mehr in der Schule war. Peter stellt seinen Jungen zur Rede. Der aber schweigt, will zu seinem Vater ziehen, weil er es mit der Mutter nicht mehr aushält. Peter lässt sich darauf ein, muss aber erkennen, dass Nicholas offenbar unter schweren Depressionen leidet. Eine Krankheit, die alle Beteiligten aufs Heftigste fordern wird... Mit der Verfilmung seines eigenen Theaterstücks THE FATHER gab der Franzose Florian Zeller 2020 sein beachtliches Regiedebüt. Jetzt legt er mit THE SON nach, den er ebenfalls nach einem eigenen Theaterstück in Szene gesetzt hat. Auch wenn man es meinen könnte, so hat THE SON mit THE FATHER nichts zu tun – es sind eigenständige Filme ohne Berührungspunkte. Wie schon mit THE FATHER so gelingt es Zeller durch seine fast minimalistische Inszenierung wieder, die Zuschauer 123 Minuten lang in seinen Bann zu ziehen. Wieder wird man hier Zeuge eines intensiven menschlichen Dramas, das von hervorragenden Darstellern getragen wird. Dieses Mal lautet die Quintessenz: man kann sich noch so sehr als Vater bemühen wie man will, doch man begeht dieselben Fehler, die man dem eigenen Vater vorgehalten hat. Die sparsam eingesetzte Filmmusik stammt aus der Feder von Hans Zimmer und stellt – zumindest für mich – eine der besseren Arbeiten des gebürtigen Deutschen dar. THE SON empfiehlt sich freilich nicht für psychisch Labile, aber auf jeden Fall für anspruchsvolles Arthouse-Publikum.

Weil seine Mutter beruflich nach Prag reisen muss, bringt sie ihren kleinen Sohn Sebastian zu seiner sehr agilen Tante und seiner Großmutter in die französischen Alpen, wo diese eine Schafzucht betreiben. Anfangs sträubt sich Sebastian noch geben die neue Umgebung, doch ganz allmählich akklimatisiert er sich. Erst recht, als er sich über Umwege mit der wuscheligen Hündin Belle anfreundet. Gemeinsam müssen sie sich nicht nur gegen Wölfe zur Wehr setzen, sondern auch gegen Belles Herrchen, der alles andere als nett zu ihr ist... Spannende Abenteuer in grandioser Landschaft erwarten hier vor allem die jüngeren Zuschauenden, für die der Film gemacht wurde. Es ist eine Neuauflage des mehrfach verfilmten Stoffes um die Freundschaft zwischen einem Jungen und dem treuesten aller Tiere, der Hündin Belle. Auch wenn es ein paar grobe Schnitzer in der Handlung gibt, so fallen diese ganz souverän unter den Tisch und stören nicht weiter. Hier steht der Unterhaltungswert im Vordergrund. Und die erfüllt der von Pierre Coré inszenierte Streifen perfekt. Eine tolle Kameraarbeit und die dazu passende orchestrale Filmmusik sorgen für große Emotionen. Und man kann sich ganz sicher sein, dass die Sache gut ausgehen wird.

Ein 90jähriger Witwer macht sich auf eine Reise vom nördlichsten Zipfel Schottlands zum südlichsten Zipfel Englands, nach Land’s End. Und weil er ihn als Rentner kostenlos nutzen kann, reist er mittels Bussen. Ohne es zu ahnen wird er dadurch plötzlich zum heimlichen Star in den soziale Medien... Gillies MacKinnon kann sich in seinem berührenden Drama ganz auf den Charaktermimen Timothy Spall verlassen. Der 65jährige schlüpft mit Hilfe von entsprechendem Makeup sowie Gestik und Mimik sehr glaubhaft in die Rolle des 90jährigen Rentners. Die vielen kleinen Begegnungen, Abenteuer und Geschichten, die ihm auf der Reise widerfahren, zeugen von großer Menschlichkeit und Zivilcourage. Erinnerungen werden wachgerufen, traurige wie schöne. Alles eingebettet in grandiose Landschaften, heruntergekommene Haltestellen und Hinterhöfe – eben “very british”. Unbedingt im Original schauen, da der Film einen Querschnitt durch sämtliche britischen Dialekte präsentiert. Ein Film, der ans Herz geht.

Das ist schon recht heftig, was Fatih Akin hier auf die Leinwand bringt – inspiriert durch wahre Begebenheiten. Er zeigt den holprigen Werdegang von Rapper Giwar Hajabi, der seinen Wunsch, ein eigenes Musiklabel für waschechten Gangsta-Rap zu gründen, durch Kokain-Deals finanzieren will. Auch wenn der Regisseur eigentlich keine Wertung vornimmt, so ist man insbesondere durch seine Inszenierung des spektakulären Goldraubs geneigt, den extrem kriminellen Protagonisten als eine Art Heldenfigur zu sehen. Das ist freilich ein recht zweifelhaftes Vergnügen. Mit Rückblenden illustriert Akin die prekären Umstände, die dazu führten, dass der Kurde Giwar letztendlich in Deutschland eine neue Heimat gefunden hat. Sein Vater, ein sehr bekannter Komponist in der kurdischen Heimat, zwingt seinen Sohn dazu, Klavierunterricht zu nehmen. Doch als Jugendlicher entscheidet sich Giwar schließlich dazu, das Klavierspielen zu beenden und eine zwielichtige Kariere zu beginnen, damit er die Familie mit Geld versorgen kann. Doch auch wenn er sich für einen knallharten Weg jenseits der Legalität entschieden hat, so lässt ihn die Musik nicht los. Die verschiedenen Zeitebenen lässt Akin von seinem Kameramann Rainer Klausmann in unterschiedlichen Bildformaten kadrieren. Da das DCP als “Flat” gekennzeichnet ist, wird der Film in den Kinos mit der maximalen Bildgröße von 1:1.85 präsentiert. Das hat leider die etwas unschöne Nebenwirkung, dass der überwiegende Teil des Films (nämlich jener, der den erwachsenen Giwar Hajabi zeigt) im “Letterbox”-Format mit schwarzen Balken am oberen und unteren Bildrand projiziert wird und damit nicht die gesamte Bildfläche füllt. Aber das ist natürlich eine künstlerische Entscheidung, die man akzeptieren muss. An der Tonspur des in Dolby Atmos gemischten Films gibt es wenig zu bemängeln. Einzig die deutschen Dialoge im “Gossen-Slang” sind mitunter schwer zu verstehen. Was die Besetzung angeht, so beweist Akin ein sicheres Gespür für die Darsteller, die sich perfekt in ihre Rollen fügen. Zart Besaiteten sei allerdings dringend davon abgeraten, den Film anzuschauen.

Eigentlich wollte sein Vater Jaeger Clade, dass sein Sohn Searcher mit ihm gemeinsam auf eine Expedition geht, um herauszufinden, was hinter den seine Heimat umgebenden Gebirgszügen ist. Doch die beiden trennen sich im Streit – Jaeger verschwindet in den Bergen und der zurückgelassene Searcher wird erfolgreicher Landwirt. Als jedoch die Searchers Heimat Leben spendende Wurzel abzusterben droht und die Gemeinschaft ohne deren geheimnisvollen Kräfte ums Überleben kämpft, wagt sich auch Searcher auf eine Expedition, die ihn jenseits seiner Heimat führt. Gemeinsam mit seiner Familie und ein paar Freunden will er alles tun, um die Heimat zu retten... Offenbar möchte sich Disney als fortschrittlich, hochmodern und politisch absolut korrekt präsentieren. Dazu gehört natürlich auch das Einbinden von Minderheiten in die Story, was im Grunde genommen eine richtig gute Sache ist. So zeigt uns der Mikrokosmos von STRANGE WORLD nicht nur ein gemischt-rassiges Elternpaar, sondern auch noch deren frisch verliebten, schwulen Sohn. Auch das geht klar. Doch im wahrsten Sinne des Filmtitels mutet es als etwas “strange” an, wenn der seit 25 Jahren verschollene Großvater auftaucht und ihm sein Enkel gesteht, dass er in einen anderen Jungen verliebt ist, worauf Opa ihn ermuntert, er solle dem anderen Jungen seine Liebe gestehen – so als wäre es das Normalste der Welt. Eigentlich auch eine ganz gute Sache, doch wirkt diese im Kontext eines an Kinder gerichteten Films doch etwas irritierend, ja fast schon aufgesetzt. Aber Schwamm drüber – ir werden uns wohl an derlei Irritationen gewöhnen müssen. Unabhängig davon liefert der von Don Hall federführend realisierte Computeranimationsfilm exzellente Unterhaltung für Jung und Alt. Die Charakteranimationen sind auf höchstem Niveau und die Story mit jeder Menge an Metaphern angereichert. Hier kann sich jeder bedienen wie er oder sie will. Henry Jackmans Score brilliert in der Dolby Atmos Fassung und erinnert passagenweise an John Williams‘ CLOSE ENCOUNTERS OF THE THIRD KIND sowie E.T.

Elfriede Jelinek zählt noch immer zu den bedeutendsten zeitgenössischen Schriftstellerinnen. Mit allerlei provokanten und stets wortgewaltigen Texten hat sich die Österreicherin in der Literaturszene einen Namen gemacht und dafür zu recht mit dem Literaturnobelpreis ausgezeichnet. Doch vielen war sie zu unbequem, in Österreich wurde sie gar als Nestbeschmutzerin bezeichnet. Seit 2004 lebt die Autorin von der Öffentlichkeit komplett zurückgezogen, veröffentlicht aber dennoch ein Buch nach dem anderen. Filmemacherin Claudia Müller hat sich in ihrem Dokumentarfilm nun daran gemacht, den Jelinek’schen Mikrokosmos zu erkunden. Das Besondere daran: sie tut dies ausschließlich mit bereits vorhandenen Interviews. Anhand dieser Interviews gelingt es dank guter Montage ein Gesamtbild der Schriftstellerin zu zeichnen. Man erfährt von ihrer deprimierenden Kindheit ebenso wie von den Anfeindungen, die ihr später aufgrund ihrer Bücher im eigenen Land widerfahren sind. Die Interviews sind durchsetzt mit gut ausgewähltem Archivmaterial. In den Pausen zwischen Jelineks Statements sind Auszüge aus ihren Büchern aus dem Off zu hören – eingesprochen von namhaften Schauspielerinnen wie Sandra Hüller oder Maren Kroymann. Auch diese Texte werden mit Bildern aus Archiven oder auch eigens dafür aufgenommenen Filmaufnahmen illustriert. Das geht dann schon des Öfteren unter die Haut, ist alles andere als lustig, auch wenn Jelineks Texte recht sarkastisch daherkommen. Aber hört man genau hin, so wird man schnell merken, dass es Jelinek wie keine Andere auf den Punkt bringt – und das auf höchstem literarischen Niveau. Bravo!

Mit seinem sehr bewegenden Dokumentarfilm setzt der italienische Regisseur Giuseppe Tornatore einem der größten Filmkomponisten aller Zeiten ein Denkmal: Ennio Morricone. In einem langen Interview erzählt der “Maestro” sehr ausführlich von den Anfängen seiner Musikerlaufbahn bis hin zu seiner letzten Arbeit, immer kommentiert von entsprechendem Archivmaterial sowie unzähligen Filmausschnitten. Natürlich kommt dabei auch die Musik von Morricone nicht zu kurz und sorgt mehr als nur einmal für Gänsehautmomente. Viele bekannte italienische Filmregisseure, Filmkomponisten und weitere Wegbegleiter Morricones teilen vor der Kamera ihre persönlichen Erinnerungen an Morricone. Tornatores Film gerät gleichzeitig zu einem Streifzug durch die italienische Filmgeschichte und sorgt auch hier für einige Gänsehautmomente. Die Entscheidung für das CinemaScope-Format verleiht dem Dokumentarfilm echte Kinoqualität, was insbesondere dann zur Wirkung kommt, wenn Tornatore seinen Lieblingskomponisten beim Dirigieren im Konzertsaal perfekt kadriert. Der Film empfiehlt sich nicht nur für Fans des Komponisten, sondern spricht ein sehr breites Publikum an. Denn es dürfte kaum jemanden geben, der nicht schon einen Film mit der Musik des Maestros gesehen hat. Von der schieren Länge des Films – 156 Minuten – sollte man sich dabei nicht abschrecken lassen. Denn die vergehen wie im Flug!

Das technologisch fortschrittlichste Land der Welt, Wakanda, sieht sich einer neuen Bedrohung in Form eines Unterwasserreichs ausgesetzt. Prinzessin Shuri und ihre Gefolgsleute müssen um ihre Unabhängigkeit kämpfen... Die 161 Minuten Spielzeit des Films fühlen sich an wie viereinhalb Stunden! Ryan Cooglers Fortsetzungsfilm zu seinem ersten BLACK PANTHER Film überzeugt zwar visuell, hat aber inhaltlich leider nicht viel zu bieten. Das was hier erzählt wird, hätte auch in einen 80-Minüter gepasst. Aber dann würde wohl kein Zuschauer den ganz großen Popcornbecher kaufen...

Zwei Brüder begehen einen spektakulären Bankraub, der kräftig aus dem Ruder läuft. So müssen die beiden Brüder in einem Krankenwagen flüchten – samt angeschossenem Polizisten und einer nervenstarken Sanitäterin im Gepäck. Im Schlepptau: eine Hundertschaft von schwer bewaffneten Polizisten... Mit einer furios entfesselten Kamera nimmt Action-Experte Michael Bay seine Zuschauer mit auf eine atemlose Verfolgungsjagd durch Los Angeles. Raffinierte Blickwinkel, schwindelerregende Drohnenflüge und eine mächtige Tonspur machen AMBULANCE zu einem sensationellen Spektakel. Basierend auf dem dänischen Thriller AMBULANCEN aus dem Jahre 2005 demonstriert Bay, dass Amerika immer noch das Land der unbegrenzten Möglichkeiten ist und treibt seine Verfolgungsjagd auf die Spitze und sogar noch darüber. Die Plausibilität der Geschichte zu hinterfragen wäre definitiv eine Spaßbremse, von der man tunlichst keinen Gebrauch machen sollte.

Laurie Strode arbeitet an ihren Memoiren, als ein junger Babysitter beschuldigt wird, einen kleinen Jungen ermordet zu haben. Das ist nur der Anfang, denn bald schon regieren wieder Gewalt und Terror in dem kleinen Ort, der einmal mehr von Michael Myers heimgesucht wird. Laurie steht bereit... Eigentlich habe ich mir dieses Werk nur deshalb angeschaut, weil es im größten Dolby Cinema der Welt gezeigt wurde: dem Odeon Leicester Square in London. Leider war der Bildeindruck extrem enttäuschend, da es von dem von mir gewählten Sitzplatz nur die Größe einer Briefmarke besaß. Immerhin konnte der Dolby Atmos Sound das wieder etwas wett machen. Und der Film? Business as usual. Warum man diese vollkommen überflüssige Fortsetzung überhaupt in die Welt setzte, bleibt ein Rätsel bei einem Film, der von Anfang bis Ende einfach nur langweilt.