Ene Ferienwohnanlage mitten in den bayerischen Alpen. Hier sollen Vater und Stiefmutter von Teenager Gretchen fürd en Betreiber ein weiteres Resort entwerfen. Für Gretchen, die noch immer unter dem Verlust der Mutter leidet, wird der Aufenthalt zum Alptraum, als ihr eine unheimliche Gestalt nachstellt... Mit CUCKOO hat der deutsche Regisseur Tilman Singer einen atmosphärisch dichten und unheimlichen Mystery-Thriller erschaffen. Neben der exzellenten Kameraarbeit von Paul Faltz, der bewusst auf Zelluloid gedreht hat, ist es vor allem das sensationelle Sounddesign, das die Zuschauer förmlich in die Geschichte hineinsaugt und immer wieder für angstvolle Schrecksekunden sorgt. Man kann Singer zu einem solchen Sound-Team nur gratulieren! Ein weiterer Pluspunkt ist der Score von Simon Waskow, der stets für die richtige Stimmung sorgt, natürlich inpiriert von einem ausgezeichneten Production Design. Mit Hunter Schafer in der Rolle der Gretchen hat Singer ins Schwarze getroffen: ein neues Gesicht, mit dem alles möglich scheint. Mich erinnerte der Film in gewisser Weise an DIE THEORIE VON ALLEM, nicht nur wegen des Settings, sondern auch wegen der Loops, in die die Protagonisten immer wieder geraten. Letztere sind visuell und akustisch perfekt umgesetzt. Allein die Story ist der Schwachpunkt des Films. Was anfangs noch für Mystery und Grusel sorgt, läuft spätestens nach der Hälfte aus dem Ruder und scheint im Nirwana zu enden. Ein altbekanntes Phänomen, das schon bei so vielen Horrorfilmen aufgetreten ist. Dank der herausragenden technischen Qualitäten des Films fällt das aber nicht so stark ins Gewicht. Wesentlich ärgerlicher war da die Notbeleuchtung im Kinosaal, die dafür sorgte, dass die oft dunklen, düsteren Bilder ihre volle Wirkung leider nicht entfalten konnten. CUCKOO sollte unbedingt in einem richtig dunklen Kinosaal goutiert werden.

Es ist nicht nur das Fehlen von Erklärungen, wie beispielsweise durch einen Kommentar aus dem Off, die bei Victor Kossakovskys Dokumentarfilm Erinnerungen an KOYAANISQATSI wachrufen, auch der Einsatz von Musik und die teils wirklich fulminanten Bilder rücken ARCHITECTON in die Nähe des Films von Godfrey Reggio. Und so hat Kossakovskys Film natürlich auch eine Botschaft. Stellvertretend lässt er den italienischen Architekten Michele De Lucchi die Frage stellen, warum moderen Gebäude nur eine Lebensdauer von 40 bis 50 Jahren haben und dann wieder abgerissen werden, wo doch antike Gebäude nach wie vor erhalten sind. Das moderen Bauen mit Zement und Beton belastet zudem die Umwelt. Dem Filmemacher und seinem Kameramann Ben Bernhard gelingen beeindruckende Bilder von Gestein, das in Bewegung ist, das verarbeitet wird oder einfach nur als Zeugnis alter Zeiten feingeschliffen und übereinandergestapelt am Boden liegt. Der Film liefert ganz subtil Denkanstöße für ein Umdenken am modernen Bauen. Lässt man sich auf die steinernen Bilderwelten ein, wird man ein nachhaltiges Filmerlebnis haben. Wer damit allerdings nichts anfangen kann, wird es in diesem Film extrem schwer haben.

Mit Pflichtbewusstsein hält Waffenmeister Hagen von Tronje das Königreich der Burgunder zusammen. Sogar seine heimliche Liebe zur Königstochter Kriemhild verdrängt er dafür. Da taucht der Drachentöter Siegfried von Xanten auf, dessen Unberechenbarkeit die alten Strukturen aufzubrechen beginnt und Hagen zur tragischen Figur werden lässt... Einmal mehr wird die bekannteste deutsche Sage über Siegfried und die Nibelungen zum Stoff eines Films. Eines Films, der offenkundig die Kurzversion einer wesentlich längeren TV-Produktion darstellt. Einer TV-Produktion, der es wohl auch am notwendigen Budget fehlte, wie beispielsweise eine Szene demonstriert, in der der König mit seiner Gemahlin ans Fenster tritt um das jubelnde Volk zu grüßen. Denn das Volk gibt es in dieser Szene nicht zu sehen, man hört es nur auf der Tonspur jubeln. Der Look des Films unterscheidet sich nicht von anderen Filmen dieses Genres: alles ist düster und farbentsättigt. Gerade so als gelte es zu beweisen, dass auch Deutschland einen GAME OF THRONES Look generieren kann. Wo bleiben hier eigene und vor allem neue Ideen? Auch die Filmmusik ist alles andere als neu. Sie gibt sich geradezu beliebig. Die Darsteller passen nicht so richtig in ihre Rollen. Nur Gijs Naber als Hagen von Tronje macht Eindruck durch seine sehr zwielichtige Erscheinung. Alles in allem ein sehr bemühter Langweiler, der besser im Fernsehen beheimatet ist denn im Kino.

Als ein größenwahnsinniger Biber einen monumentalen Bau erstellt, droht der Wald, in dem Hase und Fuchs mit all ihren Freunden leben, zu fluten. Gemeinsam macht sich die Waldschaar auf, dem Biber sein Handwerk zu legen. Keine einfache Aufgabe... Mal wieder ein Film für die ganz Kleinen. In sehr einfach gehaltener Computeranimation wird über Freundschaft erzählt und was sie für den Zusammenhalt von Lebewesen bedeutet. Natürlich gibt es auch viele schrullige Charaktere und haarsträubende Action, doch hält sich alles in akzeptablem Rahmen, so dass vor allem auch kleine Kinder ihren Spaß haben könnten.

New Mexico im Jahre 1861. Auf ihrem Zug nach Westen besetzen weiße Pioniere das Land der Apachen, die sich brutal dagegen wehren. Doch auch innerhalb der Siedler gibt es blutige Auseinandersetzungen, als der Vater der gefürchteten Sykes-Brüder umgebracht wird. Mittendrin der einsame Reiter Hayes Ellison, der sich der von der Sykes-Gang gejagten jungen Frau und ihrem kleinen Schützling annimmt... HORIZON dürfte so etwas sein wie Kevin Costners Antwort auf DAS WAR DER WILDE WESTEN. Wie im berühmten Cinerama-Film inszeniert auch Costner verschiedene Handlungsstränge, die er dann an bestimmten Punkten zusammenführt bzw. sich kreuzen lässt. Doch vollkommen anders als im Vorbild setzt Costner nicht auf Kinoformat, sondern auf das 1:1.85-Bildformat, also jenem für das Kino erfunden Bildformat, das dem TV-Format 1:1.78 (16x9) am nächsten kommt. Hier wird deutlich, dass Costners Werk seine Hauptauswertung im Streaming finden wird. Das ist natürlich extrem schade, denn die Bilder von Kameramann J. Michael Muro schreien geradezu nach CinemaScope. Aber genug der Technik. Was bietet der Film inhaltlich? Auf drei Stunden Spielzeit verteilt führt Costner seine Protagonisten ein und gibt jedem von ihnen viel Raum. An mindestens einer Stelle wird dabei deutlich, dass der Film für die Kinoauswertung bereits gekürzt wurde, was der Dramaturgie etwas abträglich ist. Die verschiedenen Episoden werden abwechselnd präsentiert und mit viel Pathos inszeniert. Dabei kommt vor allem John Debneys orchestraler Score zum Tragen. Leider gibt sich der Film extrem gewaltbetont und wirft die berechtigte Frage auf, ob eine Freigabe ab 12 Jahren nicht ziemlich fahrlässig ist. Der Film findet nach drei Stunden ein jähes Ende und blendet in eine nur mit Musik untermalte Montage über, die der unbedarfte Kinogänger möglicherweise überhaupt nicht einordnen kann. Es handelt sich dabei jedoch offensichtlich um Szenen aus den nächsten Kapiteln des Films, sozusagen eine Vorschau frei nach dem Motto: ”Was in der nächsten Episode passieren wird”. Auch hier lässt das Fernsehen schön grüßen. Immerhin: langweilig wird es beim Zuschauen dieses Epos nicht.

Zufällig lernt Blumenliebhaberin Lilly Bloom den Chirurgen Ryle Kincaid kennen, der sie zwar fasziniert, dessen Verführungskünsten sie aber immer wieder eine Absage erteilt. Doch Ryles Beharrlichkeit kann sie einfach nicht widerstehen und die beiden werden ein Paar, ja heiraten sogar. Doch dann passiert etwas, was bei Lilly ein längst verschüttetes Trauma wieder freilegt und damit ihre allererste Liebe wieder aufleben lässt... Es gab in den letzten Monaten wohl keinen anderen Film, bei dem ich derart viel Gähnen musste. Und das spricht nicht gerade für den von Justin Baldoni inszenierten Film nach dem Bestseller von Colleen Hoover. Dabei ist das Thema sehr ernst, geht es doch um häusliche Gewalt. Allerdings erscheint die Handlung dann doch ein wenig zu konstruiert, um als glaubwürdig durchzugehen. Die vollkommen biedere Inszenierung rückt das Werk dann auch noch auf TV-Niveau – da hilft auch CinemaScope und Dolby Atmos Sound nicht viel. Aprops Dolby Atmos: wenn ein Film wie dieser mit einer Atmos-Spur ausgestattet wird, die absolut keinen Mehrgewinn hergibt, dann wird einem richtig bewusst, dass das neue Tonformat jetzt endgültig zum Standard geworden ist. Aber zurück zum Film: weibliches Publikum dürfte sich hier mehr angesprochen fühlen als männliches Publikum. Wem die 135 Minuten Spielzeit also nicht zu lange sind, sollte gerne den Versuch wagen, während der Filmvorführung wach zu bleiben. Viel Glück!

Eine Gruppe junger Weltraumkolonisatoren will mit Hilfe der über ihrem Arbeitsplaneten schwebenden Überreste des Raumschiffs ”Nostromo” in eine bessere Welt fliehen. Wasdie jungen Wilden allerdings nicht wissen: an Bord der ”Nostromo” lagert eine höchst tödliche Fracht... Mit der nächsten Generation zurück zu den Wurzeln! Regisseur Fede Alvarez versteht es auf Vortrefflichste, den Mythos des allerersten ALIEN Films neu aufleben zu lassen. Mit einer etwas verjüngten Crew, aber mit demselben atemberaubenden Produktionsdesign und einer Kameraarbeit, die großen Wert auf Atmosphäre legt. Dazu ein ausgeklügeltes, extrem dynamisches Sounddesign, das genau weiß, alle Vorzüge des Dolby Atmos Tonformats gewinnbringend zu nutzen. ALIEN: ROMULUS erweist sich als ein echter ”Nail Biter”, der seine Spannung bis zur letzten Sekunde zu halten versteht. Jungstar Cailee Spaeny, die an die junge Ellen Page erinnert, tritt jetzt in die Fußstapfen von Sigourney Weaver. Und sie macht das richtig gut, mutiert vom ängstlichen Mäuschen zur echten Kriegerin. Bemerkenswert auch die Filmmusik von Benjamin Wallfisch, der mit elektronishen Klängen, großem Orchester und Chor den Film dadurch größer werden lässt als er ist. Und er erweist sogar seinen verstorbenen Kollegen Jerry Goldsmith (ALIEN) und James Horner (ALIENS) Referenz. Als bewsonderes Bonbon gibt es ein Wiedersehen mit einer der Figuren des Original ALIEN Films. Mehr sei hier nicht verraten. Ganz wichtig: wenn Sie sich dazu entschließen, Fede Alvarez’ Hommage auf einen der besten Horrorfilme aller Zeiten anzuschauen, dann bitte in einem richtig guten Kino. Ich konnte mir den Film in einem ”Dolby Cinema” anschauen und war von Bild (Dolby Vision)- und Tonqualität (Dolby Atmos) massiv beeindruckt.

Die kleine Samia wächst in den 1990er Jahren in ärmlichen Verhältnissen im Schoße ihrer Familie in Mogadischu in Somalia auf. Von Kindesbeinen an liebt sie es zu laufen. Und sie läuft allen davon – ihrem kleinen Bruder ebenso wie beim Stadtlauf, wo sie als Gewinnerin hervorgeht. Ihr größter Traum ist es, als Läuferin bei den Olympischen Spielen anzutreten. Doch die politischen Gegebenheiten in ihrem Land verschlechtern sich stetig. Frauen ist es untersagt, Sport zu treiben. Und es herrscht Hijab-Zwang. Doch Samia lässt sich nicht entmutigen und trainiert heimlich weiter... Nach dem auf wahren Begebenheiten beruhenden Bestseller ”Sag nicht, dass Du Angst hast”, inzeniert die in Dortmund geborene Regisseurin Yasemin ªamdereli die Geschichte jener jungen Frau aus Somalia, die im Alter von 17 Jahren bei den Olympischen Spielen 2008 in Peking für ihr Land als Läuferin antrat. Auf mehreren Zeitebenen entwirft ªamdereli das Porträt von Samia, die gegen alle Widerstände ihren Weg geht und sich nicht beirren lässt, ihrem Traum zu folgen. Nicht einmal die politisch gefährliche Lage, in die ihr Heimatland im Laufe der Jahre abrutscht, kann sie davon abhalten. Der spannend und in Kinobildern inszenierte Film konzentriert sich ganz auf seine Hauptdarstellerin Ilham Mohamed Osman, die eine beeindruckende schauspielerische Leistung abliefert. Der Film zeigt aber auch in eindringlicher Weise, warum so viele Menschen unter lebensgefährlichen Umständen aus Afrika fliehen, um im gelobten Land Europa ihr Glück zu finden. Die Leichtathletin Samia verlor ihr Leben beim Versuch, mit einem Flüchtlingsboot die italienische Küste zu erreichen. Sie war erst 21 jahre alt.

Polen im späten 19. Jahrhundert. Die junge Jagna wird dem reichsten Bauern im Dorf zur Frau gegeben, doch sie liebt einen Anderen: Antek, dessen rebellischen Sohn. Schon bald entlädt sich der Konfliktstoff ungehemmt und Jagna wird vor die Entscheidung gestellt, ihr Leben selbst in die Hand zu nehmen... Bereits mit ihrem Film LOVING VINCENT von 2017 setzten DK und Hugh Welchman neue Maßstäbe für den Animationsfilm: als Realfilm gedreht wurde danach jedes einzelne Filmbild als Ölgemälde nachgemalt und wieder als Film zusamengesetzt. Der sich ergebende visuelle Eindruck ist absolut betörend. In DAS FLÜSTERN DER FELDER kommt jetzt dieselbe Technik wieder zur Anwendung. Das Ergebnis ist atemberaubend: eine wahre Sinfonie der Bilder, ein nicht enden wollender Rausch an Farben und Strukturen. Der Film ist ein echter Hingucker! Zu diesen Bildern gesellt sich eine fulminante Filmmusik von Lukasz Rostkowski sowie ein ausgeprägtes Sounddesign, die die Bilder zum Leben erwecken. Die Geschichte ist sehr einfach, aber vermutlich gerade deswegen sehr packend. Alles in allem ein Meisterwerk, das technisch gute Kinos verdient. Mein Geheimtipp.

Die Region Rioja in Spanien ist eine Hochburg des Weinanbaus, die immer mehr Weinliebhaber aus der ganzen Welt für sich entdecken. In seinem Dokumentarfilm porträtiert José Luis López-Linares dort tätige Winzerinnen und Winzer und lässt sie alle ihre eigenen Philosophien zum Weinanbau vortragen.Mit geschmackvollen Bildern nimmt er uns mit in die Rebstöcke, lässt uns beim Weinmachen zuschauen und an Weinverkostungen teilhaben. Dabei wird klar, dass Wein weit mehr ist als ein Getränk. Vielmehr dient es als Bindeglied zwischen den unterschiedlichsten Menschen, die beispielsweise bei einem Gläschen Wein ins Gespräch kommen und eine schöne gemeinsame Zeit erleben. Mit seinen Bildern und der ansprechenden orchestralen Filmmusik macht der Film großen Appetit auf die spanischen Weine, gibt sich aber auf Dauer leider sehr geschwätzig, so dass der reine Genuss manchmal auf der Strecke bleibt. Dennoch ein schöner Imagefilm für ein wunderbares Weingebiet zwischen Tradition und Moderne.

Filmemacherin Julia Charakter widmet sich in ihrem Dokumentarfilm dem wohl dunkelsten Kapitel seit Bestehen der Korntaler evangelischen Brüdergemeinde: den massiven Missbrauchsfällen in den Kinderheimen dieser pietistischen Hochburg, die sich von den 1960er bis in die 1980er Jahre ereigneten. Charakter holt einige der Betroffenen vor die Kamera, die jetzt im hohen Alter erst kürzlich an die Öffentlichkeit gingen und die schonungslose Wahrheit über körperliche Brutalitäten bis hin zu systematischen Vergewaltigungen ans Tageslicht brachten. Es waren weit über 100 Kinder, die in Korntaler Waisenhäusern ein Martyrium durchleben mussten. Eine Erfahrung, die einie von ihnen im Erwachsenenalter schließlich in den Suizid führten. Die Situationen, die einige der Betroffenen vor der Kamera schildern, sind extrem schmerzhaft und man möchte manchmal einfach die Ohren verschließen. Der beste Horrorfilm ist nichts dagegen. Charakter holt auch den zur Zeit der Entstehung des Films amtierenden Pfarrer der Brüdergemeinde vor ihre Kamera. Der versucht nach allen Regeln der Kunst den Ball ganz flach zu halten, was jedoch das Gegenteil bewirkt: die Brüdergemeinde liefert sich mit ihrem Verhalten, das auf Stillschwrigen und Vertuschung setzt, quasi ans eigene Messer. Viele der Betroffenen haben zwar inzwischen eine Widergutmachung in Form einer finanziellen Zuwendung erhalten, doch fällt diese im Verhältnis zu den Leiden, die sie als Kinder durchleben mussten, geradezu lächerlich aus. Nach wie vor kämpfen die Opfer dafür, dass es endlich eine echte Aufarbeitung der Verbrechen gibt. Charakters Film ist visuell bewusst extrem kontrastarm gehalten und liefert damit durchweg depressive Bilder, die dem Gefühlsleben der Opfer Rechnung tragen. Kein Film für zart Besaitete, aber ein wichtiger Beitrag zum Thema Missbrauch in der Kirche.

Teenager Riley ist überglücklich: ihr Dad Cooper begleitet sie ins Mega-Konzert von Lady Raven. Die immense Polizeipräsenz in der Veranstaltungshalle lässt Cooper allerdings immer nervöser werden. Während Riley das Konzert genießt, wird dem Vater immer bewusster, dass er es ist, den die Polizei sucht. Cooper sitzt in einer Falle, aus der es scheinbar kein Entrinnen gibt. Aber nur scheinbar... Was ein richtig guter Thriller hätte werden können, scheitert leider wie so oft vor allem an Logikbrüchen. Wenn schon ein Popkonzert allein zu dem Zwecke inszeniert wird, um einen brutalen Serienkiller zu schnappen und die Hundertschaften von Polizisten entsprechend ”gebrieft” wurden, so hat Soziopath Cooper dennoch überhaupt kein Problem, sich Zugang zu verbotenen Bereichen zu beschaffen. Die dumme Polizei kann offenbar gar nichts anders, als ihm zu glauben. Das ist vollkommen absurd und wird keinen Thriller-Fan überzeugen. Das zweite Problem im Film sind die Charaktere, insbesondere der von Josh Hartnett verkörperte Cooper. Als Zuschauer gewinnt man keinen Zugang zun ihm noch zu den anderen Akteuren. Ein Mitfiebern ist hier vollkommen ausgeschlossen. Die typischen Shyamalanschen Plot Twists machen die Sache leider auch nicht besser. Das zumindest meine ganz persönliche Meinung. Aber vermutlich habe ich mal wieder ein Meisterwerk nicht erkannt.