Wolfram Hannemann

Anfang 1943 werden im Konzentrationslager Auschwitz Hunderte jüdische Frauen in Block 10 grausamen medizinischen Experimenten zur Zwangssterilisation unterzogen. Auch inhaftierte Ärzte werden zur Mitarbeit gezwungen. Unter ihnen der jüdische Gynäkologe Dr. Maximilian Samuel, dessen 20-jähriger Tochter die Vergasung droht, sollte er sich weigern. Gefangen in einem moralischen Dilemma versucht Samuel, seinen eigenen Weg zu finden... Die Triggerwarnung zu Beginn des Films sollte man durchaus ernst nehmen. Denn wenn die Kamera bei den grausamen Operationen – wenn auch nur für ganz kurze Zeit – einfach draufhält, ist die Grenze des Erträglichen bereits weit überschritten. Und genau mit solchen Szenen dürfte der Film polarisieren. Auch wenn das Gezeigte auf Zeitzeugendokumenten, Zeugenaussagen und Gerichtsprotokollen beruht, darf man durchaus die Frage stellen, ob solche expliziten Szenen tatsächlich notwendig sind. Werden diese falsch verstanden, könnte man dem Film Sensationslust unterstellen. Es ist eine Gratwanderung. "BLOCK 10 ist ein Film über Unmenschlichkeit der Täter, über unerträgliches Leiden der Opfer, über Kollaboration mit den Tätern, um nicht selbst zum Opfer zu werden", so Regisseur Marcus O. Rosenmüller. "Der Film wird nichts auslassen, nichts beschönigen. Er demaskiert die Täter und lässt den Opfern die Würde." "BLOCK 10 ist kein Film, der Distanz schafft oder das Geschehen abschwächt. Die historischen Verbrechen lassen sich nicht weichzeichnen, ohne ihre Wahrheit zu verfälschen. Unser Ansatz war es daher, hinzusehen, und das Publikum mit dieser Realität zu konfrontieren. Nicht aus Sensationslust, sondern aus Verantwortung. Erinnerung darf nicht bequem sein", so Produzentin und Drehbuchautorin Alice Brauner. Eine filmtechnische Besonderheit ist der erstmalige Einsatz von neu entwickeltem 360-Grad-VR-Material aus Auschwitz in einem fiktionalen Kinofilm. Die Aufnahmen machen die historischen Schauplätze räumlich erfahrbar und ermöglichen eine ebenso authentische wie immersive Annäherung an die Geschichte. Für die Dreharbeiten wurde Block 10 in den Berliner CCC Filmstudios originalgetreu rekonstruiert. Die farbentsättigten CinemaScope-Bilder schaffen eine klaustrophobische Atmosphäre, aus der ees kein Entrinnen gibt. Axel Prahl als Professor Dr. Clauberg dürfte hier wohl in seiner bislang widerwärtigsten Rolle zu sehen sein. Alpträume sind vorprogrammiert.

Das kleine Samenkorn Papaya hat keine Lust, wie seine Familie im Amazonas Wurzeln zu schlagen. Es träumt vom Fliegen und macht sich auf eine abenteuerliche Reise. Unterwegs begegnet es allerlei Tieren und Pflanzen – und landet schließlich in einer lauten Menschenwelt, der ein wenig mehr Grün guttäte... Nicht mit Hightech Computeranimation, sondern in konventioneller 2D Tricktechnik hat Regisseurin Priscilla Kellen ihren Animationsfilm realisiert. Lebensechte Figuren weichen hier den nur schematisch dargestellten Wesen, was den Film besonders für ganz kleine Zuschauende zugänglich macht. Auch gibt es keine Dialoge oder Voice Over, sondern nur einfache Laute, die aber die Stimmung der Wesen ganz klar zum Ausdruck bringen. PAPAYAS GROSSE REISE hat darüber hinaus auch eine universell verständliche Botschaft: in der Natur hängt alles mit allem zusammen. Am Beispiel des kleinen Papaya-Samenkorns wird gezeigt, dass auch das noch so kleinste Wesen seine Bedeutung in der Welt hat. Schön bunt und auf spielerische Art und Weise vermittelt Kellen ihre ökologische Botschaft, die keiner Erklärung bedarf. Mit nur 75 Minuten Lauflänge eignet sich der Film auch für kleine Kinder.

Er war ein Unbequemer und ist es immer noch: der Liedermacher und Lyriker Wolf Biermann. Ein Liedermacher, der aus Überzeugung in der DDR lebte, aber aufgrund seiner politischen Ansichten, mit denen er nicht hinterm Berg hielt, schon bald zur Zielscheibe der Stasi wurde. Was folgte war sseine Ausbürgerung. Doch Biermann wäre nicht Biermann, hätte er stillgehalten. Ganz das Gegneteil war der Fall: er steckte den Finger immer tief in die Wunde, um seine Mitmeschen wachzurütteln. In diesem Jahr feiert der Unbequeme seinen 90. Geburtstag. Anlass genug für den renomierten Filmemacher Jens Meurer, Leben und Wirken dieser Persönlichkeit unter die Lupe zu nehmen. Ausgerüstet mit einer 16mm-Kamera versucht sich Meurer der Person Biermann zu nähern, beleuchtet Vergangenheit und Gegenwart und kitzelt viele interessante Details aus dem Unruheständler heraus. Ausgeschmückt mit jeder Menge dokumentarischem Material von Bewegtbildern bis hin zu Fotos aus Stasi-Akten sowie Aussagen von Zeitzeugen, entsteht das Porträt eines Mannes, der auch im hohen Alter noch Einiges zu sagen hat. Auch wenn er hin und wieder etwas unwirsch erscheint, wird klar, weshalb er zu einer politischen Ikone wurde un nach wie vor ist. Wer den Mann mit dem charakteristischen Schnauzer noch nicht kennt, wird eine echbte Persönlichkeit kennenlernen. Und wer sich bereits mit ihm beschäftigt hat, dürfte ganz sicher auch noch die ein oder andere neue Facette entdecken. Trotz der Länge von zwei Stundden vergeht die Zeit wie im Fluge. Sehenswerte Dokumentation.

Mit FRANK & LOUIS wendet sich Petra Volpe nach HELDIN erneut dem Thema Pflege zu – diesmal allerdings an einem unerwarteten Ort: in einem amerikanischen Gefängnis. Frank (Kingsley Ben-Adir) verbüßt eine lebenslange Haftstrafe. Um seine Chancen auf Bewährung zu verbessern, meldet er sich für ein Programm, bei dem Häftlinge demenzkranke Mitgefangene betreuen. Sein Schützling Louis (Rob Morgan) war einst ein gefürchteter Mann, verliert durch Alzheimer jedoch seine Selbstständigkeit. Aus einer zunächst eigennützigen Entscheidung entwickelt sich eine enge Beziehung. – Petra Volpe interessiert sich weniger für die üblichen Machtkämpfe hinter Gittern als für das, was geschieht, wenn Härte plötzlich nicht mehr weiterhilft. Frank muss Geduld lernen, Schwäche zulassen und Verantwortung übernehmen. Louis wiederum ist auf Hilfe angewiesen, obwohl er sich früher über Stärke und Autorität definierte. Dabei stellt der Film unbequeme Fragen: Kann ein Mensch mehr sein als seine schlimmste Tat? Was bleibt von Schuld, wenn die Erinnerung daran schwindet? Und welche Bedeutung hat Resozialisierung, wenn die Haftstrafe lebenslang dauert? Trotz der beengenden Location eines Gefängniskomplexes hat Volpe ihren Film von der renommierten Kamerafrau Judith Kaufmann für CinemaScope kadrieren lassen. Sie gibt ihren Protagonisten damit genügend Luft zum Atmen, reduziert aber gleichzeitig die Farbgebung. Unterstützt von einer sparsam eingesetzten Filmmusik, die bewusst den Tränendrüseneffekt vermeidet, wird das Gefängnis nicht einfach zum Wohlfühlort, sondern zu einem Ort der Läuterung. Die Geschichte ist von einem realen Pflegeprogramm in Kalifornien inspiriert. Volpe verzichtet auf einfache Antworten und stellt die Würde ihrer Figuren in den Mittelpunkt. Ein bewegendes Drama über Mitgefühl, Verletzlichkeit und die Möglichkeit, sich selbst unter widrigsten Umständen zu verändern.

Aufgrund einer Sperrfristvereinbarung gibt es die Kurzkritik zu diesem Film erst ab 19.11.2026 an dieser Stelle

Mit seinen schillernden Schuppen ist der Regenbogenfisch der schönste Fisch im Ozean – und entsprechend stolz auf sein Aussehen. Doch seine Eitelkeit sorgt dafür, dass sich die anderen Fische von ihm abwenden. Als er eines Tages eine seiner Glitzerschuppen verliert, macht er sich auf die Suche danach. Begleitet wird er vom Kleinen Blauen, der ihm bis in die Tiefen des Meeres folgt. Auf ihrer abenteuerlichen Reise lernt der Regenbogenfisch, dass Mut und Freundschaft wichtiger sind als äußere Schönheit... Endlich mal wieder ein Farbfilm, der diese Bezeichnung auch tatsächlich verdient! Kein farbentsättigtes Etwas, sondern knallbunt und in breitem CinemaScope kommt der neue Kinofilm der Augsburger Puppenkiste daher. Und das mit einer Geschichte, die speziell für Kinder im Kindergartenalter konzipiert wurde. Eine einfache Geschichte über Freundschaft und warum ein jeder Freunde braucht. Das dürfen sich freilich auch Erwachsene anschauen, denn Freunde sollte man in jedem Lebensabschnitt haben. Prominente Schauspielerinnen und Schauspieler leihen ihre Stimmen den unterschiedlichsten Bewohnern der Unterwasserwelt, abgerundet mit vielen Songs zum Mitsingen.

Der exzentrische Millionär Digger Rockwell hat ein Riesenproblem. Seine gewinnbringenden Bohrungen nach fossilen Brennstoffen auf Grönland haben dafür gesorgt, dass sich von dort ein gewaltiger Eisbrocken löst und sich schnurstracks auf Europa zubewegt. Eiligst wird eine Konferenz mit dem amerikanischen Präsidenten einberufen, um die katastrophalen Folgen zu erörtern... Mit seiner ziemlich sarkastischen Satire hält Regisseur Alejandro González Iñárritu unserer Gesellschaft einen Spiegel vor. Da wird ein Mann von der gesamten Bevölkerung angefeindet, weil er schwerste Umweltsünden begangen hat, von denen – und das ist der Punkt – alle Menschen profitieren. Vorne hui, hinten pfui, wie man so schön sagt. Iñárritu verpackt den Stoff ziemlich geschickt und lockt den Zuschauer auf falsche Fährten. Was als Wirklichkeit erscheint, entpuppt sich als Theaterstück, das gerade geprobt wird. Kameramann Emmanuel Lubezki, der den Film in VistaVision aufgenommen hat, verwendet zwei Bildformate, um Theaterstück und Wirklichkeit zu unterscheiden. Iñárritus handverlesener Cast versucht sich erfolgreich am Overacting, was ihre Figuren zu Karikaturen werden lässt. Diese feinsinnige, böse und tiefschwarze Komödie kommt zudem mit einem Sounddesign daher, das sich gewaschen hat. Einmal mehr zeigt Re-Recording Mixer Johnnie Burn hier sein Können, das insbesondere in der spektakulären Dolby Atmos Fassung zur Geltung kommt. Wer die Möglichkeit hat, den Film in einem Dolby Cinema zu sehen, sollte diese nutzen.